Perspicaz opera prima del guionista y director Jan Ole Gerster, una pelicula de bajo presupuesto que saliendo de la nada logro ganar seis de los principales premios de cine del alemán. Con Tom Schilling como un joven desilusionado vagando por las oportunidades perdidas y callejones sin salida de una "nueva generación", que habla sobre el deseo de participar en la vida y la dificultad para encontrar un lugar en el mundo.

Es una película arropada por su elegante fotografía en blanco y negro que aporta una sensación totalmente diferente a la de color; puede hacer que las cosas parezcan más oscuras, más románticas, más profundas y más atemporal. También es arropado por una apacible música Jazz, suave, ligera y a veces frívola que ayuda a comprender el estado de animo del protagonista. La pelicula nunca se aventura más allá del entorno limitado de su anti-héroe lúgubre, pero hay sabiduría al acecho en su luz, ofrece un enfoque ingenioso que transforma gradualmente una serie de desventuras tontas en algo mucho más perceptivo.

Gerster no se propuso escribir una historia que describa el espíritu de una época. Más bien, el proyecto surgió con la creación de un personaje simpático, con el que es enormemente fácil conectar: Niko Fischer, un joven sin metas en la vida que vive pasivamente a la espera de algo que haga despertar su interés.

Gran parte del atractivo de Niko se debe a Tom Schilling, quien interpreta magníficamente a un chico bastante deficiente. Un desertor de la carrera de derecho que ha estado viviendo con poco propósito mientras engaña a su familia y que subsiste con los cheques que su padre le envía para pagar la universidad. El está teniendo un mal día. Su tarjeta de débito ha sido devorada por un cajero automático, su licencia para conducir ha sido revocada por tiempo indefinido, un vecino molesto que con el falso pretexto de darle la bienvenida a su nuevo domicilio ofreciéndole una bandeja llena de albóndigas particularmente desagradables, lo utiliza para desahogarse y contarle los problemas de su vacía vida. Pero Niko solo tiene una meta en su nefasto día, solo quiere conseguir una taza de café decente que se le resiste.

Quizás Gerster se decidió por Berlín como escenario para comparar la identidades que cambian continuamente de ritmo rápido, con la de un protagonista con una lista de objetivos más bien superficial , y la falta de impulso para llegar a ese destino. Berlín ha sido en los últimos tiempos una ciudad con un ojo puesto en su futuro, un futuro reunificado y ahora llena de posibilidades. Es una ciudad de movimiento perpetuo, pero "Oh Boy" quiere centrarse en un aspecto sin ningún sentido de impulso hacia adelante, sin marcar ningún destino, solo dejarse llevar como hace Niko entre sus infortunios, dando lugar a una película agradable que siempre encuentra su equilibrio.

Así es como siempre termina. Un poco de magia, otro de humo..algo flotando, pero esto no funciona sin el empuje necesario. Un poco de risas, un hombre, una mujer hermosa y amor. Empecemos de nuevo, primero un hombre solo, no, él no esta solo...todavía. Ese es el primer paso, el hombre, luego vienen las risas, la mujer y el amor. Podemos empezar por aquí, aunque no es así como comienza, sin embargo es importante que empiece así, créeme. El hombre entra un bar, ve a la hermosa mujer, ¿Se conocen? no parecen conocerse, pero... es como si se reconocieran, ¿quien conoce a quien?, ¿es el comienzo o el final? ahora lo veremos. Es el comienzo y el final, el amor y la despedida. Recuerda que es todo una pelicula, una creación, pero aun así hiere.

Cada villano, héroe y víctima; cada parcela, conflicto y conversación en el cine no documental es una creacion. Sin embargo, cuando vemos estas películas llegamos a estar tan inmerso en la vida de los personajes que nos olvidamos que no son reales, por lo tanto, las emociones de los personajes se extienden a nosotros; nos reímos, sonreímos, nos enfadamos, lloráramos y sufrimos. "Reconstrucción" del director danés Christoffer Boe saca provecho de nuestra tendencia a ver la ficción cinematográfica como un hecho y percibir la ilusión como verdad.

Situado en Copenhague, "Reconstrucción" se desarrolla de una forma no lineal, como una sutil y siniestra historia de ensueño, sobre dos parejas y el amor. Alex es un fotógrafo joven que está relativamente contento por salir con Simone. Agust es un escritor de sesenta años que se encuentra en la capital de Dinamarca en compañía de su esposa Aimee por negocios.. En esencia, la película trata sobre las formas peculiares en los que la vida de estos cuatro individuos se cruzan, pero es sobre todo interesante en lo que ocurre tras un encuentro entre Alex y Aimee.

Boe ilustra las consecuencias de la caída en el amor con un desconocido. Después de conocer a Aimee en el metro, la sigue a un bar, y va a su habitación del hotel, Alex se despierta en un mundo que se parece pero no puede ser el mismo de antes de irse a dormir.
Sin preocuparse por la cuestión de si el arte imita a la vida o la vida imita al arte, "Reconstrucción" es una manifestación de la postura de Agust sobre el amor. Él comenta que las mujeres y los hombres se acercan a el amor de manera diferente. Una mujer decide a quién amar, pero un hombre necesita que el amor sea por sorpresa, sin previa planificación, puesto que sentimos vergüenza de ello. Narrativamente hablando, la película de Boe explora las creencia de Agust, pero ideológicamente, "Reconstrucción" es acerca de nuestra inversión psicológica en los personajes. El momento en que nos damos cuenta de que hemos malinterpretado o dejamos de reconocer el verdadero significado de ciertas escenas, nos produce un fuerte deseo por averiguar "lo que realmente sucedió". Pero, como Agust narra en el comienzo de la película y luego se reitera al final, no hay realidad. No hay "lo que realmente sucedió." Él nos dice "mirar de cerca", y veremos que todo es sólo la película, "una construcción ... pero aún así, hiere."

Es muy práctico simplificar la pelicula del Boe como un intento de hacernos sentir ridículos, pero no hace más que recordarnos que la película es sólo una ilusión. "Reconstrucción" juega con nuestros sentimientos lo suficiente para hacernos conscientes de lo que sentimos nosotros mismos. Por lo tanto, el método de Boe es un ejemplo estelar de cine intertextual.

Belle de jour, es una de las peliculas más conocida y más aclamadas de Luis Buñuel , se trata de una obra excepcionalmente erótica. Es considerada como la obra más accesible de Buñuel, a pesar de su perfecta mezcla de realidad y fantasía que hace un estudio profundamente complejo y ambiguo sobre el deseo . Belle de jour es significativa , ya que fue la primera película en explorar el erotismo femenino, lo hace de un modo convincente y magistralmente compuesto , sigue siendo una de las exploraciones más potentes e incisivas del cine sobre la sexualidad femenina .

La pelicula esta basada en la novela del mismo título escrita por Joseph Kessel. Luis Buñuel aceptó llevarla a la gran pantalla con la condición de que se le dejara entera libertad para realizar la adaptación, haciendo de ella un trampolín perfecto para un estudio oscuro sobre la represión sexual. La película combina la antigua aversión que Buñuel siente sobre la sensibilidad burguesa. En una línea similar a la posterior película del director "El discreto encanto de la burguesía", sin embargo, en esta ocasión también explora los peligros y trampas del deseo frustrado dentro de un contexto burgués rígido , un medio en el que el instinto sexual de uno es constantemente frustrado por las preocupaciones materialistas y un arrepentimiento profundamente arraigado para cumplir con las exigencias de la etiqueta social .

En "Belle de jour" la protagonista central es una mujer que se ha quedado atascado trágicamente en un surco de la clase media , de la que obtiene un escape temporal a través de un despertar sexual improbable, en el cual la protagonista se enfrenta a un dilema, (que debe elegir entre el deseo y el estatus en la sociedad, ya sea a renunciar a su vida de desenfreno o bien a renunciar a su puesto en la sociedad) . Buñuel, como era previsible en el, se decanta por el final pesimista (y más realista ), y así los intentos de Séverine para evadir la conformidad burguesa termina en fracaso. El único escape que tiene es en el reino de la imaginación, donde se puede disfrutar de sus fantasías más salvajes, mientras que todavía parece ser un modelo de respetabilidad de la clase media .

Con la presentación de las fantasías de su protagonista, del modo más realista de sus experiencias cotidianas , Buñuel no hace ninguna distinción entre lo que es real y lo qué no lo es. Esta es una característica del cine de Buñuel y es una prueba mas de su temprana asociación con el arte surrealista, el punto de vista que caracteriza su cine se niega a reconocer los límites entre la realidad y la fantasía.

La eleccion de Catherine Deneuve como Séverine es un maravilloso ejemplo de un gran hallazgo afortunado e inesperado. En ese momento, ella estaba en una relación con el director de cine François Truffaut, quien quedó tan impresionado con su habilidad de actuar, que aconsejo a Buñuel a darle un papel principal en su próxima película. Buñuel inicialmente tuvo dudas con Deneuve, pensando en que ella no iba a dar un gran rendimiento, pero la frialdad helada de la actriz y el férreo control que tiene sobre sus emociones, la hacen perfecta para el papel de Séverine . Cuando conocemos a Séverine en su vida normal (no la fantasía onírica ), ella es tan fría e inexpresiva como un maniquí, su cara es como una mascara de porcelana, repleta de impasibilidad, pero todo cambia cuando da rienda suelta a su otra vida llena de erotismo, mostrando los primeros destellos de emoción. El rendimiento de Deneuve en Belle de jour es uno de sus mas finos trabajos, es una clase magistral de sutileza, que coge al espectador por sorpresa. Observar a Deneuve en esta película es observar la grandeza de la sutileza.

Es difícil determinar con precisión por qué Belle de jour ha tenido tal impacto. No es técnicamente la pelicula más perfecta de Buñuel, ni es su obra más inspirada. Tal ambigüedad desconcertante de la película es la clave de su atractivo, pero de lo que no cabe duda es de que se trata de una de las grandes obras del cineasta español y por lo tanto de obligado visionado.

Con el carisma desbordante de la pareja formada en "El apartamento" por el irresistible Jack Lemmon y la burbujeante Shirley MacLaine, Billy Wilder recrea la nostalgia de París, adaptando el musical de Alexander Breffort, con música de Marguerite Monnot. Donde Wilder logra reproducir perfectamente el encanto de la ciudad de París, en un bello entorno con colores vibrantes diseñado por Alexandre Trauner.

El cuadro completo de inocencia dado al comercio sexual y la corrupción de la policía da a esta comedia de costumbres, su ligereza y humor irónico que le dan su encanto. Wilder había heredado una situación totalmente inverosímil y la aderezo con profunda ternura que emana de esta historia del pintoresco barrio de "Les Halles" . Todos los personajes son divertidos aunque Shirley MacLaine se ve algo eclipsada por colosal Jack Lemmon muy bien acompañado por un divertidisimo Lou Jacobi "Pero eso es otra historia".

Cinta británica independiente. Durante las vacaciones de verano de 1983, Shaun, (Thomas Turgoose), un niño solitario cuyo padre ha muerto en la guerra de Las Malvinas, es adoptado por un grupo de cabezas rapadas (skinheads). Con sus nuevos amigos, Shaun descubre las fiestas, su primer amor y las botas Dr. Martins. Uno de sus amigos es Combo (Stephen Graham) un skin racista que acaba de salir de la cárcel.

La pelicula es un retrato despiadado de un momento histórico de desorden social, gobernado con mano de hierro. Shane Meadows hace una mirada autobiográfica de la Inglaterra de principios de los 80, una mirada que relata un fragmento amargo de la historia inglesa, pero realizada con un tono dulce y entrañable. Evidente es notorio el amor que siente por su tierra, expresado con la música emocionante de la época y los clichés típicos de los jóvenes británicos, que utiliza para realizar una fuerte crítica a un país que defraudo a parte de su juventud. . Shaun, interpretado por el excelente Turgoose, ya conoce el dolor a través de la muerte de su padre en el conflicto con Argentina, pero sin embargo, sus ojos comunican esperanza, vitalidad, y la ilusión de una vida que empieza a disfrutar. En su grupo, vestido con el "uniforme" (Dr. Martens, camisa a cuadros, tirantes, y la cabeza rapada) compuesto por personas jóvenes que viven con la necesidad de los ideales, que hacen bromas y que buscan divertirse al igual que muchos jóvenes. Es la llegada del elemento inquietante Combo (Stephen Graham) quien llega para activar la bomba, y una espiral racista y violenta.

En los años ochenta, hay que subrayar que el movimiento skinhead aún no había obtenido una connotación política vinculada a los grupos extremistas tanto de derecha como de izquierda, y la pertenencia a estos grupos fue una fuerte tentación suscitada por los partidos extremistas, que veían un diamante en bruto en la composición de esta tribu urbana, tribu compuesta mayoritariamente por jóvenes desfavorecidos perteneciente a la clase baja, que adoptaban una estética "agresiva" e impactante.

La parábola del joven Shaun se convierte así en una metáfora de toda una nación, no puede salir de una situación trágica, salvo con el conformismo de la mentalidad escalofriante que busca fuerza en el grupo, pero no reconoce la dignidad de los demás. Meadows nos dice este hecho sin describir al monstruo, pero lo hace a través de personajes con los que también es posible empatizar y entender las razones de su elección.