La chica de la fábrica de cerillas es una de las dos o tres mejores películas que yo haya visto hasta ahora (van unas cuantas) de Aki Kaurismaki.

El finlandés, es un director único, solo con ver los títulos de crédito de cualquier película suya sabes que es de él. Los protagonistas de sus filmes son perdedores e infelices, pero de buen corazón. En la mayoría de ocasiones, el peculiar director deja un halo de esperanza, pero en esta película no. Su cine es pausado, con pocos diálogos, pesimista y muy crítico con la sociedad posmoderna y su decadente forma de vida.

En "La chica de la fábrica de cerillas" Outinen es Iris, una mujer taciturna que vive con su madre y su padrastro, dos parásitos que se aprovechan de ella y que además la humillan y maltratan. Iris los mantiene trabajando en una fábrica de cerillas, magistralmente recreada en las primeras escenas del film. Para huir de su vida rutinaria y anodina, Iris suele salir por las noches a bailar y a buscar un poco de amor en algún hombre. En una de sus salidas, todo cambiará de un plumazo. A partir de aquí, observamos una transformación de Iris que la convertirá en una heroína moderna.

Con un guion espléndido, que necesita de muy poco diálogo, Aki Kaurismaki firma una de sus más grandes obras, retratando la esclavitud de un trabajo mecanizante y mostrándonos como una película puede ser sumamente violenta sin mostrar ningún signo aparente de ella.

Mención especial para la banda sonora que, como siempre en el finés, es original y tiene mucha relación con los distintos momentos emocionales y sentimentales que vive la protagonista. La música de las películas de Kaurismaki siempre me recuerda a Tarantino.

Obra profundamente recomendable.

Enorme joya esta obra de Emilio Fernández. Un drama con bastantes toques de melodrama, diría que melodramón, que además tiene algo de western y por supuesto de romance.

Una grata sorpresa, este film mexicano de finales de los 40. Rodada con gran pulso, delicadeza y extraordinaria belleza es una historia que conmueve y llena de rabia a partes iguales.

Aurelio (Roberto Cañedo) es un hombre justo, bondadoso, recto y trabajador que vuelve a su pueblo natal tras pasar 6 años en la cárcel por vengar la violación de su novia a manos de Julio. A su vuelta, y con la intención de olvidar el pasado y rehacer su vida, se encuentra con que su madre ha muerto y su novia Paloma (Columba Domínguez) vive totalmente aislada del pueblo con su hijo.
Paloma, que desde que ocurrió el suceso vive en continua amargura se resiste a ser "reconquistada" por Aurelio, pero al final acaba triunfando el amor.

Con este sencillo argumento el director mexicano consigue hacer reflexionar sobre la redención, el Amor, el Miedo, los prejuicios y la sed de venganza, poniendo de manifiesto cuan dañina es esta para el desarrollo de las relaciones humanas. Pueblerina tiene dos partes claramente diferenciadas:

La primera se centra en la relación de Aurelio y Paloma. Aquí domina el melodrama y el romance, consiguiendo escenas de una fuerza dramática desgarradora. La música es pieza fundamental en toda la peli, pero especialmente en este primer tramo, en el que consigue acrecentar esa conmoción que transmite la triste historia de la pareja protagonista.

La segunda parte, que empieza cuando Aurelio y Paloma comienzan a hacer vida en común después de casarse, deja de ser un drama/melodrama romántico, dando lugar al enfrentamiento entre los hermanos de Julio y Aurelio. Aquí aparecen elementos como la tensión, la venganza y la tragedia. La película se vuelve más oscura, dando lugar a la intriga.

Técnicamente es una obra bastante dotada. La partitura musical se adecúa de manera magistral a la historia. Las interpretaciones son sensacionales, especialmente la de Columba Domínguez , además de estar rodada con talento y sabiduría.

Una gran joya del cine latinoamericano.

Buen debut del realizador magiar, plasmando con un hiperrealismo acongojante la dureza, la miseria y la desesperación en la Hungría comunista de los años 70.

Aunque nido familiar este considerada como una película de ficción, técnicamente se podría considerar como un documental de ficción o como un "falso documental". En él, Tarr arremete contra la burocracia comunista de la Hungria de los 70, destacando su frialdad, su falta de escrúpulos y un despotismo terrible para con los sentimientos humanos.
Aquí, la institución familiar funciona como un símil del Estado, convirtiéndose ambos en absolutos represores de la personalidad humana. La miseria, la falta de un porvenir para los jóvenes y un patriarcado rancio y opresor son el caldo de cultivo para que el odio, la violencia y la falta de escrúpulos campen a sus anchas envenenando hasta la médula las relaciones familiares y de pareja.

Tarr, cámara en mano, consigue rodar un primer largometraje lleno de talento, compromiso y entusiasmo, en el que los primerísimos planos, el duro y crudo blanco y negro y unas actuaciones enérgicas realizadas por actores/actrices no profesionales, se convierten en los principales protagonistas de una película con un presupuesto irrisorio.

En fin, con "Nido Familiar" Bela Tarr comienza a demostrar todo su talento y sabiduría detrás de las cámaras. Buena película para empezar.

Primera película de Fellini, que no dirige solo, sino que codirige junto con Alberto Lattuada.
En mi opinión, es un muy buen debut, y de hecho, es una película que ya marca las claves de alguno de los temas que dominan la filmografía del director italiano, como son la representación del mundo artístico del cabaret o el vodevil, su gusto por los personajes excéntricos y carvavalescos, ciertos toques surrealistas...
Luces de varieté bebe del neorrealismo, aunque no es una obra neorrealista "per se", algo que caracterizó la primera etapa de Fellini, con películas con temática neorrealista, pero con un estilo propio que se alejaba cada vez más del movimiento.

Luces de varieté se estrena el mismo año que la maravillosa "Eva al desnudo" de Mankiewicz o que otra película de Juan Antonio Bardem no tan conocida, "Cómicos". Digo esto porque la historia se asemeja muy mucho a la de estas dos. La típica mujer que desea ser actriz y conseguir la fama a toda costa, y que para ello no dudará en hacer todo lo que esté a su alcance.
Checco Dal Monte (Peppino De Filippo) es un hombre ya mayor, que lleva prácticamente toda su vida en el mundo del teatro. Es un fantasma, un idealista y trata mal a su prometida, además de ser ingenuo y mujeriego. De esto se aprovecha Lily (Carla del Poggio), una mujer bella, torpe y sin escrúpulos que no duda en seducir a Checco para ganarse un papel en la compañía y empezar a hacerse un nombre en el mundo de la interpretación. A pesar de su visible falta de talento, su belleza y sus ansias se protagonismo la llevan a manejar al Sr. Cheppo a su antojo haciendo de él un pelele y llevándolo por el camino de la amargura. No tiene menos responsabilidad el propio director de la compañía, quién no duda en abandonarla, dejando tirada a su prometida y al resto de los integrantes de la misma.

Melina (Giuletta Masina) es la prometida de Cheppo, y es el estandarte, junto con este, de la compañía. Es bondandosa, ingenua, inocente y solidaria. Es el típico personaje que una y otra vez ha interpretado Masina al lado de Fellini (La Strada, Las noches de Cabiria...).

La obra explora y disecciona temas como el amor, la traición, la infidelidad, la vanidad que se esconde tras la fama, la pobreza del artista ambulante, la desesperación, etc.

Técnicamente la película es buena. La puesta en escena es sensacional y las interpretaciones bastante convincentes. El guion es sobrio y apenas tiene lagunas, además de contener algunos toques cómicos que combinan a la perfección con el drama.

Buena ópera prima de un director que posteriormente se convertiría en uno de los grandes de la cinematografía mundial.

Película brutal, que refleja con una magnifica elegancia y una sencillez exultante el descenso a los infiernos de un pobre diablo que comete un pecado capital en este mundo frío y carente de empatÍa: LA INGENUIDAD.

En primer lugar destacar en el plano técnico la exquisita composición de planos que realiza Fassbinder, en los que rebosa una sensibilidad pocas veces vista en la gran pantalla. Además hay que añadir la hermosa fotografía que dota a la película de un refinado carácter propio de la burguesía que disecciona, pero a la vez de una suciedad en la escenas que transcurren en el tugurio en donde Fox ahoga sus penas. La guinda del pastel la pone una banda sonora que refleja en todo momento el estado de ánimo de Fox y Eugen y del resto de magníficos secundarios.

La ley del más fuerte no podría ser un título más apropiado para este film. En él vemos como después de que Fox, gane un premio sustancial en el sorteo de la lotería conoce a Eugen, un empresario perteneciente a una familia burguesa con gustos exquisitos por la cultura y las "buenas formas". A primera vista podemos apreciar como Fox y Eugen pertenecen a dos mundos opuestos, y esto va a marcar el devenir final de la historia. A mi entender, Fassbinder crítica a la clase burguesa, siempre preocupada por aparentar, por escalar socialmente, aunque para ello tenga que pisotear los sentimientos de otras personas y especialmente enajenada emocional y psicologicamente. También expone que el amor de pareja pareciera imposible entre personas de mundos tan distintos y que la única realidad es el fracaso más absoluto.

Además es un retrato de una sociedad hueca, competitiva, insensible y voraz, en la que lo único que importa es el dinero. Es también la historia de la humillación de la clase rica a la clase pobre, del maltrato de una inteligencia basada en la apariencia a otra inteligencia callejera y práctica, es en definitiva, la derrota de la espontaneidad.