Eileen, dirigida por William Oldroyd y basada en la novela debut de Ottessa Moshfegh, cuenta con dos interpretaciones destacadas de Thomasin McKenzie y Anne Hathaway. McKenzie encarna a Eileen, una joven atrapada en la monotonía de su vida en una pequeña y gris ciudad de Massachusetts, mientras que Hathaway brilla como Rebecca Saint John, una psicóloga recién llegada a la prisión donde trabaja Eileen. La química entre ambas actrices es palpable, logrando construir una conexión intrigante que resulta ser uno de los puntos fuertes de la película.

Rebecca, sofisticada y segura, es un opuesto absoluto a Eileen, quien se siente inmediatamente fascinada por ella. Sin embargo, a pesar de esta dinámica prometedora, la película no logra mantenerse cohesionada. Lo que comienza como un drama familiar introspectivo sobre la vida de Eileen y su lucha por escapar de un entorno opresivo, toma un giro abrupto en el último acto hacia un thriller sensacionalista que parece desconectado del tono inicial.

Este cambio de género resulta problemático. La película pierde el rumbo al abandonar el desarrollo de sus personajes en favor de una trama más centrada en el impacto que, aunque intensa, carece de la coherencia necesaria para justificarla. El guion, coescrito por Moshfegh y Luke Goebel, intenta capturar el tono oscuro y cínico de una película negra, pero falla al carecer de los elementos estilísticos y la brillantez que suelen definir al género.

El diálogo emocionalmente incoherente y la tendencia de los personajes a tomar decisiones irracionales contribuyen al desbalance de la película. Lo que McKenzie y Hathaway construyen con sutileza y tensión se desmorona hacia el final, dejando al espectador con la impresión de estar viendo a una serie de personajes autodestructivos en lugar de un relato cohesivo.

Por momentos, Eileen parece prometer más de lo que entrega, sugiriendo un romance subyacente con vibraciones lésbicas que nunca llega a explorarse plenamente. En su lugar, el enfoque se desplaza hacia un drama centrado en la trama que, a pesar de un monólogo de Marin Ireland, resulta sensacionalista y carente de la gracia o el significado necesarios para sostenerlo.

La falta de claridad tonal y un tercer acto que no encuentra su propósito dejan a Eileen como una película desbalanceada. A pesar de su integridad en algunos aspectos y las sólidas interpretaciones de su elenco, se siente como una obra que no logra decidir qué quiere ser, desperdiciando su potencial narrativo y emocional en el proceso.

La Señora Haidi (2017) es un thriller psicológico que, a pesar de su premisa intrigante, no logra ofrecer una experiencia verdaderamente cautivadora. La historia sigue a dos jóvenes, interpretados por Guillermo Pfening y María Abadi, quienes sufren un accidente y se refugian en la casa de una anciana, la señora Haidi (María Leal). Aunque al principio la señora parece ser una persona amable, pronto se revela un lado oscuro y perturbador, pero la película se desvanece rápidamente en lugar de explorar la tensión de este giro.

Uno de los problemas más notables es el guion. Los diálogos resultan forzados y poco naturales, lo que afecta seriamente la construcción de los personajes y las relaciones. A mitad de la película, cualquier intento de desarrollar la trama se desmorona, y los personajes, más que evolucionar, se quedan estancados corriendo de un lado a otro sin dirección clara. Esto hace que la película pierda coherencia y se convierta en una serie de escenas desordenadas sin un propósito definido.

El personaje de la señora Haidi, interpretado por María Leal, es un claro ejemplo de cómo se pueden desperdiciar los potenciales matices de un personaje. En lugar de profundizar en su complejidad, se convierte en una caricatura de la villana religiosa fanática, un estereotipo que no aporta nada nuevo al género. Esta falta de desarrollo le resta al personaje la posibilidad de ser verdaderamente aterradora o incluso interesante. Desde el inicio, es fácil adivinar cómo se desarrollará la historia y, en última instancia, el desenlace, lo que deja poco espacio para la sorpresa.

En cuanto a las escenas de terror, la ejecución es torpe y carente de tensión. Los recursos como la cámara subjetiva se usan de manera excesiva y desprolija, restando efectividad a los momentos que deberían generar miedo. Además, la película está llena de inconsistencias, desde errores de continuidad hasta detalles que no se explican de manera satisfactoria, lo que deja al espectador más confundido que inmerso en la trama.

La premisa potencialmente interesante se ve opacada por diálogos débiles, personajes planos y una ejecución deficiente.

Dumbo es una dulce película familiar ambientada en un colorido circo ambulante, que combina una simpática historia moral con temas profundos de aceptación y autoestima. La trama sigue a Dumbo, un bebé elefante marginado por sus enormes orejas, quien es separado a la fuerza de su amorosa madre, la Sra. Jumbo. Pese a la adversidad, Dumbo encuentra en Timothy Q. Mouse un amigo y mentor que lo guía hacia su transformación personal.

La película presenta a Dumbo como la figura del outsider, alguien juzgado por su apariencia física. Sin embargo, a lo largo de su arco de superación, Dumbo convierte su mayor diferencia en su mayor fortaleza, enseñándonos valiosas lecciones sobre aceptar nuestras propias singularidades y no descartar a nadie como amigo debido a sus diferencias.

Timothy Q. Mouse desempeña un papel crucial en esta transformación. Con su lealtad y fe inquebrantable, demuestra cómo la amistad puede ser un faro en los momentos más oscuros. Es Timothy quien ayuda a Dumbo a descubrir el poder de sus orejas y a darse cuenta de que no necesita una "pluma mágica" para volar. Este detalle simboliza una importante lección de confianza en uno mismo: la magia siempre estuvo dentro de él.

A pesar de sus dulces mensajes, Dumbo no evita temas más serios, como el acoso escolar y la búsqueda de la belleza interior. Para los niños, estos temas son evidentes, pero los adultos encontrarán una historia más profunda sobre valentía y confianza, que culmina en un clímax lleno de logros personales y una justa dosis de venganza hacia quienes subestimaron al pequeño elefante.

Visualmente, la película es sencilla pero eficaz. Los fondos minimalistas permiten que los personajes sean el foco, con expresiones faciales y movimientos que transmiten una sorprendente cantidad de emociones. Incluso en sus momentos más ligeros, como la famosa escena de borrachera desencadenada por una tina de agua, la película mantiene su encanto y calidez.

En resumen, Dumbo es mucho más que un clásico de Disney; es una historia atemporal sobre superar las diferencias, encontrar la valentía dentro de uno mismo y el poder transformador de la verdadera amistad.

Red One nos transporta al Polo Norte con una premisa prometedora: Santa Claus es secuestrado por una malvada bruja empeñada en castigar a quienes se portan mal, y su rescate recae en su guardaespaldas y un criminal conocido. Sin embargo, lo que podría haber sido una aventura emocionante y navideña, termina siendo una película que no logra definir su identidad.

A pesar de algunos momentos destacados —como la divertida aparición de Krampus o una ingeniosa mezcla de magia y tecnología en la representación del Polo Norte—, la película carece del espíritu navideño que debería ser el eje de su narrativa. Su tono resulta desconcertante: demasiado violenta y llena de groserías (como el constante uso de la palabra "mierda") para los niños más pequeños, pero demasiado infantil y superficial para captar el interés de los adultos.

Además, con una duración de poco más de dos horas, la historia se siente excesivamente alargada. Hay al menos 20 minutos que podrían haberse eliminado para evitar que se tornara pesada. A esto se suma una falta de comedia genuina que podría haber aligerado el tono, pero en lugar de eso, la película se pierde en sentimentalismos forzados que no logran conmover ni entretener.

Uno de los pocos aspectos rescatables es la construcción del mundo, que presenta con cierto detalle la dinámica del Polo Norte, mezclando elementos clásicos y de ciencia ficción. La carrera de Nochebuena de Santa Claus, por ejemplo, resulta una delicia visual y conceptual. Sin embargo, todo esto no es suficiente para sostener el resto de la película.

Red One podría haber sido algo especial si hubiera tomado un camino claro: convertirse en una oscura y retorcida comedia navideña o abrazar una fantasía de acción cursi y desenfrenada. En cambio, se queda atrapada en un incómodo punto medio, sin decidir si quiere ser atrevida o apta para toda la familia. El resultado final es un desconcertante ejercicio de potencial desaprovechado, que ni entretiene ni emociona como debería.

Edward Scissorhands es una fábula encantadora y absolutamente original dirigida por Tim Burton, quien muestra aquí su maestría en la creación de un mundo visualmente único. La historia se centra en una mansión embrujada en la cima de una montaña cercana, hogar de un excéntrico inventor (Vincent Price) que construyó a Edward, un ser humano con tijeras en lugar de manos, antes de morir y dejarlo solo. La trama comienza cuando Peg Boggs (Dianne Wiest), representante de ventas de Avon, descubre a Edward en el siniestro castillo y se lo lleva a vivir con su familia.

Edward, interpretado por Johnny Depp, es un personaje alegre, curioso y agradable. Su actuación es conmovedora y memorable, transmitiendo emoción y humanidad a través de un personaje incapaz de tocar físicamente a los demás. A pesar de su apariencia, los habitantes del pueblo no lo ven como un bruto y, de hecho, adaptan sus anormalidades para diversos roles como jardinero o peluquero de perros y humanos.

La historia de amor se desarrolla con Kim Boggs (Winona Ryder), la hija adolescente de Peg, quien inicialmente lo encuentra monstruoso pero luego desarrolla un sentimiento especial por él. Sin embargo, Edward también enfrenta la seducción de la vecina Joyce (Kathy Baker). La película explora la relación de Edward con la sociedad suburbana de clase media, donde él es el inocente y comprensivo, mientras que la sociedad muestra su naturaleza potencialmente malvada.

Un giro en la trama ocurre cuando Jim, el novio matón de Kim, manipula a Edward para que participe en un robo, lo que lleva a que Edward sea visto como un paria. Solo la familia Boggs, especialmente Peg y su esposo Bill, permanecen a su lado. La película termina con Kim llevando a Edward de vuelta a su castillo por su seguridad, marcando un final melancólico que critica la naturaleza humana y el conformismo.

Edward Scissorhands aborda temas profundos como la aceptación, el amor, la diferencia y la crueldad social, usando a Edward como metáfora de aquellos que son diferentes. Visualmente agradable y fácil de apreciar, la película no profundiza en su trama, pero su estilo y mensaje la hacen memorable.