Ante el tirón cinematográfico de la brillante "El salario del miedo" que pone de moda las producciones en América del sur del cine francés y la decisión de Don Luis de volver a Francia, muy a su pesar pues no esta muy convencido de regresar a Europa, debido al estancamiento cinematográfico que atraviesa México, Buñuel aceptará dirigir "La muerte en este jardín" ante la propuesta de que el rodaje se realice en México, junto a un retorno a la escena internacional.

El abordaje sin complejos de temas políticos como el régimen dictatorial del ficticio país pasará factura a la hora de distribuir el film en España.

Estamos ante un film de aventuras donde Buñuel ahonda de nuevo en la degradación del ser humano y en las relaciones en entornos complicados y de aislamiento. Para mi es una primera aproximación al tema, desarrollada mas extensamente y con esmero posteriormente en "El ángel exterminador".

El resultado es un producto visualmente más notable que muchas de las producciones mexicanas debido a la generosa financiación que tuvo el film, mucho más políticamente correcto que muchas de sus obras y menos impregnado del surrealismo típico de Buñuel, pero quizás más impactante, como la escena de la serpiente devorada por las Hormigas. También es de destacar las repeticiones, también existentes pero en mucha menor medida que en otras de sus cintas. Una película de aventuras con el atractivo de Simone Signoret siempre apetecible y un muy joven Michel Piccoli.

La degradación del hombre en su condición de persona asimilándolo a los animales. Este podría haber sido el título de mi crítica, pero no, es erróneo. Buñuel pretende criticar a la cara bonita de la sociedad, con su estilo y a su manera, de forma surrealista, con múltiples guiños que no llegamos a ver, y por supuesto lo consigue; Buñuel es así.
La primera media hora es magistral, luego sinceramente la película empieza a ennegrecerse igual que el alma de los cautivos, y empieza a oler mal, igual que los prisioneros. Las sonrisas, la compostura y el buen rollo desaparece. Malas caras, faltas de decoro y de respeto que no se pueden disimular. El descontrol sobre su dominio moral y sus emociones se evapora.
A medida que se derrumba la sociedad aparece la depravación, innata en la naturaleza humana, algo que Buñuel ve con total normalidad, sin ver un ápice de degradación, fruto de su ferviente anticlericalismo.
La propia reflexión de Buñuel sobre la película la contiene las siguientes frases:
"La gente siempre quiere una explicación para todo. Este es el lógico resultado de siglos de educación burguesa. Y cuando no se puede explicar algo se termina por acudir a Dios. Pero ¿qué ganan con eso si después tienen que explicar a Dios?" (Historia del Cine. Vol. 4. Editorial Sarpe, Madrid. 1984).

Efectivamente, Joe Pesci vuelve a brillar, no con tanto resplandor como en Casino, pero si nuevamente con un papel al que a mi gusto le falta un poquito más de la chulería de la que siempre ha hecho gala el actor. Aunque la gran protagonista del film es Helen Mirren, esta si que resplandece... Bruza no podría haber estado mejor interpretado por otro, Peris-Mencheta le saca jugo al personaje, y se lo saca muy bien. La historia es simple, pero el contexto es grandioso, real y muy creible. Charlie tiene comprados a todos, sus chanchullos van viento en popa, mientras Grace lleve las riendas del negocio, hasta que el gran sueño de Charlie le sale mal, y se vuelve contra él.
Relájense y disfruten; para mi gusto creo que estamos ante una gran película, eso si, en Nevada, no en Las Vegas, pero el polvo del desierto va a entrar igual por la ventana. Excelente la banda sonora, muy cuidada la fotográfía y por favor, admiren a Pesci en una versión original, en estado puro, donde el porcentaje de "fucks" por minuto es de los más elevados de la historia del cine.

Nunca segundas partes fueron buenas. En este caso el resultado es lamentable.
Cuando se pretende hacer un remake hay que afinar mucho; en este caso el listón estaba puesto muy muy alto. La obra de Wes Craven es un elogio a la violencia pura y dura, explicita y gratuita, sin concesiones al remordimiento. El Sr. Iliadis no hace un elegante trabajo, eso ya lo hizo el Sr. Craven en su día, al igual que la fotografía, de una luminosidad purificadora típica de la estética Slasher, como contraposición a la lúgubre trama del guión original, retocado en esta obra sin aportar una pizca de coherencia a la película, donde en su parte final no se porque me ha recordado la primera Funny Games de Michael Haneke, ¿será por el lago?, seguro que sí; otra gran obra en la misma línea; podía haberse fijado un poquito el Sr. Iliadis, tiene de donde aprender.
Esta historia ya esta inventada y realizada genialmente hace más de 37 años. ¿Tan poca imaginación tienen los guionistas que tienen que tirar de clásicos de los 70, y encima hacer retoques malos, y para remate encargar el proyecto a directores noveles en las producciones americanas. Esta película no es un ejemplo cualificado del género de terror, y seguro que a los aficionados de culto al género les desagrada tanto como a mí, careciendo de la frescura del clásico de los 70, se queda floja, insulsa y muy muy previsible, aunque queramos retocar el final.
Sólo les haré dos recomendaciones:
-Los que viesen en su momento el original del Sr. Craven, por favor, no miren este bodrio, lo lamentarán.
-Los que no tuvieron la oportunidad, por favor, véanla y disfruten, cosa que no harán con el infumable que ha realizado el Sr. Iliadis.

Onna kyûketsuki supone la primera película en llevar el tema del vampirismo al cine japonés, y más al ser en un entorno contemporáneo que se aleja de las producciones de la Hammer que había en la época acometidas por la cinematografía inglesa, aunque el guion se aleja de la tradicional visión occidental para centrarse e inspirarse en el folclore autóctono basado en hechos verídicos como la masacre del motín de Shimabarra.

De esta forma el vampiro se presenta como fruto de una maldición romántica al igual que posteriormente nos lo mostrará Coppola en su realización de 1992. Las variantes son numerosas e inversas, destacando el daño que al vampiro le hace la luz de la luna y su simple visión, moviéndose con la luz diurna como Pedro por su casa, eso sí, tras unas aparatosas gafas de sol.

Nakagawa realiza un extravagante y exótico film de vampiros con secuencias sublimes, delirantes y también absurdas. La película fluye con altibajos, a la vez que sorprende y aburre por momentos en esta producción de la Shintoho, operativa entre 1947 y 1961 con la que Mitsugi Okura intento aprovechar el tirón del cine exploit occidental en una reinvención del género adaptada al mundo nipón, recuperando la temática fantasmal nipona que se incorpora a films de terror, thrillers y de ciencia ficción, reinterpretando la serie b extranjera en un cine nacional influenciado por el clásico teatro kabuki.

El personaje del vampiro Nobutaka nos regala momentos magníficos a la par que patéticos (el final de la película en mi opinión degenera bastante convirtiéndose en una auténtica patochada infame ejemplificado en el irrisorio ataque de Nobutaka con una espada al impertinente y pusilánime periodista). La interpretación de Shigeru Amachi resulta por momentos grotesca y estrambótica a la par que brillante y acertada, alternado su papel de dandy seductor con el de bestia sedienta de sangre, siendo lo más reseñable a nivel interpretativo sin que el resto de actores resalten por la brillantez de su trabajo.

Lady vampire, como se conoce este film internacionalmente, se podría definir como un producto poco logrado pero a la vez atractivo de ver, que sin ser una muestra representativa del cine de la Shintoho, sí que resulta interesante de visionar como rareza fílmica y como trabajo de Nobuo Nakagawa.