Erik, un joven de 16 años expulsado de su escuela por su comportamiento violento, recibe la última oportunidad cuando su madre la envía a un exclusivo colegio privado. Allí pronto descubrirá, sin embargo, que los alumnos mayores ejercen un cruel reinado de terror sobre los estudiantes más jóvenes.

Argumento bastante trillado en películas igualmente alabadas por el público como por la crítica durante los últimos años. En esta ocasión nos vamos a enfrentar a una dura historia que intenta plantear los problemas referidos a la violencia dentro del ámbito familiar y escolar. Con una trama ágil, enfocada principalmente sobre el personaje de Erik, un joven que vive marcado por el maltrato padecido a manos de su padrastro, un hombre rígido y cruel, Evil retrata el enfrentamiento de un joven que comienza a padecer en sus propias carnes los mismos abusos que él ejercía tiempo atrás, en su anterior colegio. Tintado con una cierta crítica al nazismo, el desarrollo del film presenta los tópicos personajes dentro de su cine; joven rebelde, joven inadaptado (su fiel amigo), atractiva chica (novia del protagonista) y panda de despiadados estudiantes (antagonista y sus secuaces). Quizás este sea el error de la historia, no resulta creíble la existencia de unos personajes tan maquiavélicos en un mundo impasible ante un abuso tan evidente como el que sucede en el internado de Erik

Visualmente el film es bastante correcto. Mikael Hafström dirige de forma muy efectiva, usando unos movimientos de cámara suaves que unidos con el empleo de algún que otro picado, transmiten una sensación de calma que confronta con el tono violento de la historia. La fotografía de Peter Mokrossinski, utiliza una iluminación naturalista de colores vivos. El reparto conformado principalmente por actores lleva a cabo un buen trabajo. Andreas Wilson, ejerce una maravillosa interpretación, en el papel de Erik, un adolescente conflictivo. Entre el resto de intérpretes destacan Henrik Lundström, Gustaf Skarsgård. La banda sonora, dirigida por Francis Shaw, combina excelentes partituras muy bien enmarcadas en un ambiente de sordidez y constante tensión.

Evil es un notable largometraje que deja entrever los peligros de la violencia. Como apunte final, cabe decir que la película fue elegida para representar a suecia en la gala de los Oscar.

El sueño eterno se nos muestra como una autentica obra maestra, no solo del cine negro, si no también de la extensa filmografía de Howard Hawks y Humphrey Bogart. Adaptada de un relato de Raymond Chandler, la película alcanza los límites de complejidad y profundidad en cuanto a un buen guión se refiere; se dice que ni el director, ni el guionista, ni el autor supieron quién era en realidad el asesino, aunque se trate de una broma, esto sirve como ejemplo de la enrevesada trama de la obra. Refiriéndonos a los datos técnicos, reseñaremos que El sueño eterno fue rodado en 1946, de la mano de Howard Hawks, al que se le considera uno de los principales artífices del cine de gángsteres, gracias a Scarface, el terror del hampa.

La historia, enormemente compleja, como ya dijimos anteriormente, nos embauca en un caso detectivesco encargado a Philip Marlowe, un duro detective estadounidense, que se ve preso en un mundo de corrupción, chantaje y violencia. Inmiscuido hasta el fondo, Marlowe contará con la ayuda de Vivian, una atractiva mujer que esconde profundos y oscuros secretos en su interior. Un absorbente clima de tensión y sensualidad culmina este admirable guión de William Faulkner.

La cuidada fotografía de marcado aroma negro, unida al enorme potencial visual de la cinta, hacen de este, un título a imitar dentro de su género. Todos los movimientos de cámara, tornan su objetivo a lograr un universo cínico y feroz, de la misma forma, los encuadres presentan una visión desenfocada de un mundo peligroso e inseguro, que envuelve al espectador desde el primer momento. Ciertas secuencias causan verdadera admiración, caso de la escena que sirve como antesala al conflicto dramático. Marlowe entra en la mansión del general Sternwood, una vez allí vislumbra un desolador paisaje, el viejo general mata sus últimos alientos de vida consumiéndose en un invernadero, a más de treinta grados. Durante la entrevista el detective se empapa en sudor, mientras que el anciano le introduce en las contaminadas personalidades de sus hijas, un par de tigresas que aunque, lleven distintos estilos de vida, ambas se mueven en círculos viciosos de drogas, juego, sexo… La química Bogart-Bacall incide positivamente en un film, una vez más. Siendo la pareja de protagonistas, el mayor atractivo del reparto. El secundario más destacado, es Martha Vickers, que actúa en el papel de Carmen Sternwood. La música intensa y sugestiva, supone un agradable acompañamiento sobre las imágenes.

Un imponente ejercicio de dualidad desbordada, sencillamente genial.

Rico y Joe son buenos amigos que deciden ingresar a una banda de gángster. El ascenso de Rico es vertiginoso, gracias a su amoral visión de la sociedad y una total falta de escrúpulos. Reemplaza a su jefe, y se apodera de sus negocios, se une a la mafia y se convierte en uno de sus líderes. Todo eso mientras se vislumbra un deterioro de su relación con Joe al también interesarse en su novia Olga.

Hampa dorada supone una de las primeras películas referidas en cierto modo a la vida del conocido mafioso Al Capone. La historia inspirada en una novela de W.R. Burnett, adquiere un evidente tono didáctico, en cuanto se advierte desde un principio del peligro de la vida criminal mediante la incursión de un versículo bíblico como introducción a la trama. El film resulta bastante convincente narrando el ascenso de Rico, un criminal de poca monta, honesto y a la vez algo rudo, a las altas esferas del ámbito mafioso estadounidense de mediados de los años veinte. En este aspecto, la cinta presenta un mundo dominado por la mafia, regido por un sistema de clases en el que los cabecillas de las distintas bandas obedecen a un único jefe central, es a partir de aquí donde Rico asienta su poderío, planteando un nueva organización basada en buscar en todo momento el máximo interés a favor de uno mismo. Las fuerzas del orden, juegan también un papel importante dentro de la historia, acechando constantemente a los criminales, pero incapaces muchas veces de adelantarse a los golpes que se llevan a cabo.

La puesta en escena francamente es buena; la dirección se mueve principalmente en interiores ostentosos, usando primeros planos de gran contenido emocional acrecentados por una estupenda fotografía, con un sabio empleo de luces y sombras. Brillan con luz propia las secuencias finales de la obra, así como, la escena de la cena, ya referida por otro usuario en la primera crítica. El reparto esta encabezado por el siempre incombustible Edward G.Robinson que dota al film de un matizado carácter melancólico que favorece el rápido transcurrir de la acción, englobada en apenas hora y cuarto de duración. Musicalmente hablando destaca la partitura orquestal que acompaña a los créditos iniciales.

En resumen Little Caesar es un magnífico largometraje negro que retrata perfectamente la difícil situación social de la América sumida aún en la ley seca e inundada de matones con ideas y aspiraciones propias esperando una oportunidad para labrarse un futuro en el ámbito criminal.

Un padre se enfrenta a uno de los momentos más naturales pero temidos de su vida: la boda de su hija. No sólo tendrá que enfrentarse a la pena de que su adorada niña se marche del hogar, sino además deberá planificar y organizar una costosa boda que le traerá de cabeza.

El padre de la novia es una sofisticada comedia de la MGM. Rodada a comienzos de los cincuenta, la película nos acerca una historia que intenta alejarse de la definición de mero entretenimiento, planteando un curioso retrato de cómo vive y que siente un padre cuando su hija va a contraer matrimonio. Este peculiar argumento, para el cine de aquellos años, fija su mayor acierto en la buena mezcla de personajes y situaciones, dejando algunos momentos realmente divertidos, como es el caso del banquete de bodas, muy bien llevado por la pareja de guionistas, Frances Goodrich y Albert Hackett. La película peca, eso si, de una ligera falta de emoción, ya que la trama se desarrolla sin grandes sobresaltos o giros, en este aspecto la narración resulta un tanto plana.

En lo visual este título se mueve entre lo sencillo y lo efectivo. El italiano Minelli, filma sin grandes alardes, podríamos decir incluso que la cinta no se aleja en demasía de la estética de la comedia clásica; encuadres orientados hacia la brillantez de diálogos, cálida fotografía para crear un ambiente acogedor… El reparto es sin duda uno de los platos fuertes del film, contando con el siempre aplicado Spencer Tracy, que se mueve a las mil maravillas en este tipo de comedias, y la estupenda Elizabeth Taylor en uno de sus primeros papeles tras haber participado en la famosa adaptación de mujercitas. La banda sonora dirigida por el ingles Adolph Deutsch (El halcón maltés, High Sierra, La máscara de Dimitiros…) combina alegres partituras muy al tono de la historia.

Buen humor y diversión quedan asegurados con este notable largometraje muy superior a sus dos posteriores remakes.

Un respetado científico obsesionado con la idea de separar los impulsos de maldad del ser humano se bebe una de sus pociones. A partir de entonces se convierte en un monstruo que deambula por las calles con una nueva personalidad.

Oscura historia que se adentra en los más profundos demonios del ser humano. Adaptada de la novela de Robert Louis Stevenson, la obra ya tuvo una muy buena primera versión rodada en 1931, diez años antes de la película que nos ocupa. El personaje del DrJekyll es el estandarte de la trama, la mayor parte de la narración se desarrolla entorno a él. Por otro lado la metáfora es clara y resulta bastante útil para estudiar la moral filosófica de la persona, referida en su esencia a la dualidad del ente como tema a abordar. Destacamos igualmente la conseguida atmósfera que plasma a la perfección el sórdido clima de las noches llenas de neblina de Londres

En los rubros técnicos el film se muestra muy logrado, Victor Fleming autor de otros títulos de la categoría de lo que el viento se llevo y el mago de Oz, dirige en esta ocasión con seguridad y sobriedad. Los excelentes efectos de contraluces y sombras unidos al buen movimiento de cámara en general, nos acercan una estética, me atrevería a decir, propia del mejor cine negro. Recomiendo una especial atención a las trasformaciones que sufre el doctor, rodadas de manera subjetiva de forma bastante acertada. Spencer Tracy eclipsa al resto de grandes intérpretes de la película. A pesar de llevar a cabo una magistral interpretación no recibió ninguna nominación de la tres que obtuvo el film en total. Ingrid Bergman realiza un loable trabajo en su papel de atractiva joven sometida a la maldad de Hyde. La música Franz Waxman un habitual director sonoro, que atesora buenas partituras que crean sensaciones dramáticas, evocadoras y que refuerzan de manera la tensión en ciertos puntos clave del metraje.

Sólida y bien construida, la película de El extraño caso del Dr. Jekyll es una buena muestra de cómo adaptar una novela sin perder la frescura ni la originalidad.