La vida no siempre sigue el guion que esperamos. Las pérdidas y los golpes que sufrimos pueden cambiar nuestra manera de ver el mundo y, muchas veces, es nuestro entorno el que nos ayuda a encontrar el camino de vuelta a ser quien éramos.

Este es el corazón de El peor vecino del mundo, la película protagonizada por Tom Hanks que tienes disponible en Netflix. Dirigida por Marc Forster, esta película adapta la novela Un hombre llamado Ove de Fredrik Backman y se presenta como una reflexión sobre cómo las segundas oportunidades pueden transformar nuestra existencia.

Una película que emociona y entretiene

En la película, Tom Hanks interpreta a Otto Anderson, un hombre gruñón y solitario que vive atrapado en el dolor tras la pérdida de su esposa. Su rutina meticulosamente controlada se ve interrumpida por la llegada de una ruidosa y alegre familia vecina, liderada por Marisol (interpretada por Mariana Treviño). Entre encuentros incómodos y situaciones inesperadas, Otto comienza a descubrir que abrirse a los demás puede ser la clave para recuperar su humanidad.

Aunque la premisa no es nueva, la película sabe cómo tocar las fibras adecuadas para mantenernos enganchados, oscilando con destreza entre risas y lágrimas. Sin embargo, su insistencia en el melodrama a veces resulta excesiva, apelando a fórmulas efectivas que, aunque emocionales, pueden sentirse demasiado calculadas. Aun así, es una historia suficientemente sólida que ofrece una experiencia entrañable, perfecta para quienes buscan un equilibrio entre la comedia y el melodrama.

Tom Hanks, como siempre, nunca falla

Si algo eleva a El Peor Vecino del Mundo de ser una película normal a una buena película es, sin duda, la actuación de Tom Hanks. Con su característico carisma y habilidad para infundir humanidad incluso en los personajes más odiosos, Hanks convierte a Otto en alguien con quien el espectador puede conectar fácilmente. Aunque no estamos ante uno de sus papeles más memorables, logra aportar una sensibilidad especial que transforma una historia sencilla en algo más profundo. Su capacidad para mostrar las capas del personaje —desde el sarcasmo mordaz hasta la vulnerabilidad más cruda— nos recuerda por qué sigue siendo uno de los actores más queridos de su generación.

Lo bueno y lo no tan bueno

Uno de los puntos débiles de la película es su duración. Con más de dos horas de metraje, a veces sentimos que ciertas escenas se alargan innecesariamente haciendo la película excesivamente larga de cara al final, lo que habría podido solucionarse con un recorte de 15 minutos. Además, como mencionamos antes, el exceso de melodramatismo puede saturar a algunos espectadores, restando naturalidad a lo que, de otra manera, es una historia conmovedora. Sin embargo, estos detalles no opacan su capacidad para equilibrar la comedia, el drama y el melodrama, lo que la convierte en una opción ideal para una tarde tranquila en casa.

Una historia con un mensaje claro: Vive

El mensaje de El Peor Vecino del Mundo es universal y profundamente humano: nunca es demasiado tarde para reconectar con quienes nos rodean y redescubrir la belleza de las pequeñas cosas. A través de Otto, la película nos recuerda que incluso en los momentos más oscuros, las relaciones humanas tienen el poder de sanar y transformar. Es una historia sobre la importancia de la empatía, el perdón y la resiliencia, y sobre cómo nuestros actos, por pequeños que sean, pueden marcar una gran diferencia en la vida de los demás.

Además de ser una historia profundamente humana, aborda sin titubeos temas universales y delicados como el paso del tiempo, la enfermedad y el edadismo. En el retrato de un barrio desgastado por los años y acechado por el oportunismo de las inmobiliarias, la película refleja las dos caras en la manera en que la sociedad trata a las personas mayores: a menudo ignoradas o subestimadas, pero también necesitadas de nuestra ayuda y reconocimiento

La película no se limita a denunciar este edadismo que sufren algunos ancianos; también nos muestra cómo pequeños gestos de humanidad pueden devolverles el sentido de pertenencia y propósito. Es un llamado a no olvidar a quienes han contribuido tanto a nuestras vidas y que, a pesar de las adversidades físicas o emocionales, todavía tienen mucho que ofrecer.

Sí, no estamos ante un estreno reciente, sino ante un homenaje y es que La Matanza de Texas ha cumplido 50 años desde su salida a la pantalla grande. Puede que la hayas visto, puede que te hayas topado con alguna de sus secuelas/remakes o simplemente creas que no te hace falta verla porque te han contado de qué va; pero creednos, si no la habéis visto, ya podéis cortar la reseña aquí y verla sin excepción.

The Texas Chainsaw Massacre o La Matanza de Texas es una de esas películas de las que queda grabada en la retina, desde su escabroso título en su póster, a su secuencia inicial de planos detalles de formas cadavéricas lanzados por una cámara con su perturbador “aguijón”, pasando antes por su rótulo informativo en el que nos advierten (falsamente) de que estamos por ver una historia basada en hechos reales; ya nuestro cuerpo y mente se ponen en situación de alarma y preparados para anticiparnos al posible horror que podamos presenciar.

Descenso a la locura
Estamos en el año 1973 y un joven cineasta texano de 30 años llamado Tobe Hooper, pretende dar un salto a su carrera profesional a través de una cinta de terror. Este joven que tenía bastante experiencia rodando documentales estaba un día agobiado entre tanta gente en una tienda y se imaginó que se abría paso entre la multitud con una motosierra mecánica. Esta idea intrusiva, junto al conocimiento de la historia real de Ed Gein (asesino estadounidense que llegó a “decorar” su casa con utensilios y muebles hechos con restos humanos que sacaba del cementerio), fueron el germen que daría fruto del horror para su segundo largometraje que estaba por llegar.

Hooper tenía un buen círculo cercano de amigos universitarios de Austin y contactos locales con los cuales se bastó para desarrollar la preproducción y armar el modesto presupuesto. La creación de la película fue tan dura y extenuante como la historia que vemos en pantalla.

Terror en su máximo potencial

Su estreno fue un éxito sin precedentes. Las críticas alababan la película como un filme original, realmente terrorífico y perturbador; también aparecieron detractores que la tachaban de infame, sádica y que podía atentar contra la cordura del público general. Las críticas y el mensaje de marketing anunciando de que la película estaba basada en hechos reales aumentó la cantidad de espectadores que no dejó de crecer; hubo mareos, personas que abandonaban la sala afectados por la película. La sugestión hizo poder en muchas personas que la vieron y el boca a boca influyó aún más en aumentar el impacto de la película, la gente salía aterrada, diciendo que habían visto desmembramientos, sangre a borbotones y evisceraciones, cuando realmente en el metraje final apenas hay nada de eso.

Ese es uno de los principales factores del éxito de la película, todos los elementos de dirección, montaje y sonido llevan al espectador a una experiencia única. Su tratamiento de la locura y la violencia sin sensibilidad pero tampoco sin ser realmente explícito en lo que vemos. Hooper sabe cómo manejar la tensión, sabe cómo horrorizar y jugar con la imagen mental que nuestro cerebro intenta rellenar. Y es que sorprendentemente en La Matanza de Texas apenas vemos sangre, no hay desmembramientos, no hay gore; hay un trabajo de creatividad experimental y una atmósfera creada para llevarnos a un descenso a la locura, que irónicamente no deja de escalar en tensión.

Es decir, no sabes cuándo va a suceder el terror, no esperas cómo, no sabes si alguien sobrevivirá y no te imaginas hacia dónde va a terminar todo; durante 1h hora y 20 que dura la película, vamos a asistir a un ejercicio de horror bestial.

También es una masterclass para todo aprendiz de cine y ejemplo soberbio de lo que es el cine independiente, su falta de recursos no solo fue una limitación a nivel artístico, sino que al mismo tiempo fue una ayuda tanto para sacar todo el carácter creativo del equipo, como para generar esa ambientación que relatamos antes en su rodaje infernal. De la influencia del filme han dado testimonio otros artistas como Stephen King, Ridley Scott, Quentin Tarantino, Wes Craven, Rob Zombie o Guillermo del Toro; el Museo de Arte Moderno de Nueva York incluyó una copia entre su colección permanente y la revista Empire la incluyó entre las 200 mejores películas de la historia.

En este largometraje no hay un solo engranaje mal engrasado, todas las piezas conforman un puzzle tan maquiavélico y afilado como la sierra de Leatherface. La dirección magistral de Tobe Hooper, las actuaciones de todos los miembros de la familia Sawyer y en especial de la scream-queen por excelencia Marilyn Burns, que nos lleva hasta la extenuación. Una fotografía impecable y experimental, influida por esa experiencia en rodar documentales de Hooper que hace que todo sea más realista, con esas sacudidas y movimientos de cámara en mano, planos centrados en la búsqueda de acción/reacción y ese grano y color tan característico. La creatividad perturbadora del atrezzo, los maquillajes, efectos de sonido y música son piezas claves para crear un ambiente enfermizo e impactante. Nosotros como espectadores seguimos a un grupo de jóvenes que entiendes que algo malo les va a suceder porque crees saber cómo funciona el cine de terror al uso, pero al poco que te adentras sabes que esto es diferente.

En definitiva, La Matanza de Texas ha sido y siempre será uno de los mayores exponentes del cine de terror, del cine independiente y del séptimo arte en general, una experiencia única, merecedora del éxito y reconocimiento que tiene como película de culto.

Hacía tiempo que no veíamos una comedia americana tan absorbente como hilarante y además para la sorpresa de muchos, viene de las manos del director Richard Linklater y del actor Glen Powell.

La historia nos transporta al estado de Louisiana, donde un joven y desaliñado profesor de psicología de Universidad combina su trabajo en las aulas con ayudar a la policía en las escuchas de sospechosos que quieren contratar los servicios de un asesino a sueldo. Después de que el policía encubierto de sicario sea suspendido temporalmente del oficio por mala conducta, nuestro profesor llamado Gary Johnson se anima a hacer de cebo como falso sicario, descubriendo una pasión que desconocía: la de estudiar a los sospechosos, disfrazarse y actuar como el “profesional” que los clientes buscan. Lo que Gary no sabía es que este nuevo oficio iba a cambiar la forma de llevar su vida, que además acabaría enamorándose de una sospechosa que busca contratar sus servicios y los problemas que transformarse en el personaje conlleva.

Esta película cuenta con un guion tan desternillante como su premisa, una estructura llena de comedia y tensión. Destacamos las actuaciones de sus protagonistas Glen Powell y su química con Adria Arjona, las cuales van a ser el hilo de acción principal de la trama y el papel de Austin Amelio, el policía que sospecha de las acciones de Gary y piensa atraparlo.

Una historia basada en hechos reales

Para sorpresa de muchos, esta historia está inspirada en hechos reales. El actor Glen Powell, leyó un artículo de Skip Hollandsworth (amigo de Linklater) en Texas Monthly sobre el verdadero Gary Johnson, un veterano de Vietnam que trabajó de manera muy exitosa como un falso asesino a sueldo encubierto para la policía de Houston (Texas), mientras asistía al doctorado de psicología en la Universidad. A finales de los 80, el verdadero Gary trabajó múltiples personalidades para adecuarse al perfil de los clientes que buscaban contratar los servicios de un sicario. Al parecer y bajo la premisa de que todo el mundo desea ver a alguien muerto y nadie está conforme con lo que tiene, Gary consiguió que detuvieran a más de 60 personas que buscaban venganza, un ajuste de cuentas, o simplemente conseguir una herencia.

Lo más inesperado: un Glen Powell en alza

En serio, ¿Qué está pasando últimamente con Glen Powell? Escribe, produce y protagoniza esta historia en la que consiguió que se involucrara Richard Linklater en la dirección. Verlo caracterizado de diferentes personajes, cada cual más extravagante es una de las mejores secuencias del largometraje pero de lejos.

Este actor, también no solo está está escogiendo muy bien sus proyectos (ahí están las buenísimas recaudaciones de Cualquiera menos tú y Twisters, ambas de 2023 y 2024), sino que además le hemos visto dar de secundario a principal y cabeza de cartel; para finalmente coronar como principal, productor y guionista de esta Hit Man tan divertida.

La serie nos transporta a una campiña de olivos cordobesa, en una época tumultuosa y trágica, donde España estaba transicionando en un periodo de crisis tras ganar su independencia sobre la Invasión Napoleónica. En Octavilla del Río, un nuevo y ambicioso alcalde se dispone a establecer el “orden” de la comarca junto a un tirano capitán militar y sus soldados como principal brazo ejecutor. El capitán, que no duda en hacer uso del chantaje y la violencia contra los locales, incendia la casa del terrateniente Cosme Jiménez con él y su familia dentro. El hombre, que estaba en contra del nuevo régimen, muere dejando huérfano a su hijo Juan, el cual es ayudado y educado por su maestro Cándido. El joven chico, escondido en la sierra, aprenderá a luchar contra la injusticia hasta ganarse el nombre del héroe local conocido como Bandolero; el cual será acompañado con sus compañeros de banda: Tragabuche, Toni, Rosita y Flaco el perro.

Las aventuras de nuestros protagonistas están llenas de referencias históricas (como las apariciones de Fernando VII), cuentos populares y eventos de la cultura andaluza; pero más allá de todo: la comedia, la acción, el romance, el drama y la pasión campan en la misma campiña.


En esta historia se trata la eterna lucha del bien contra el mal, del opresor contra el oprimido; pero ambos bandos plantean diferentes figuras similares y opuestas al mismo tiempo. Hay alivios cómicos como Fasto, Nefasto, Tragabuche y Flaco; figuras representativas de la forma más pura de los dos espectros: Rodrigo como antagonista del mal y Bandolero como símbolo del bien, pero ninguno de los dos no son nada sin el apoyo de su equipo.

La serie cuenta con 52 capítulos, la gran mayoría autoconclusivos, otros conforman un mismo episodio. Algunas aventuras dejan un poco que desear y tienen un tono más infantil, como aquellas en las que aparece el antagonista conocido como Profesor Niebla con un ejército de hombres topo y robots.

Podrá parecer una serie normalita, aunque no destaque en su animación o doblaje, pero las lecturas que nos ha dejado capítulo a capítulo, sus momentos cómicos y dramáticos, su trascendencia más allá del meme andaluz, ya la ha catapultado a la memoria del culto popular, sobre todo en aquel de la generación andaluza que creció con la leyenda de Bandolero y de cómo la importancia de la fuerza del poder radica en el pueblo llano y trabajador.

Si tuviera que hablar de película de infancia, esa sería La Isla. Dejadme llevarlos de vuelta a 2005, un año en el que me encontré en una sala de cine con apenas 10 años, sin esperar ni saber qué me iba a encontrar, solo algo sobre una isla y persecuciones de coches, todo por cortesía del maestro de los fuegos artificiales, Michael Bay. Sin embargo, lo que descubrí fue una mezcla fascinante de ciencia ficción reflexiva y el sello inconfundible de la acción de Bay que, contra todo pronóstico, me dejó prendado desde entonces. Puede no ser la mejor película de la historia, pero llegó en el momento justo para que mi yo de 10 años se quedara prendado, y eso es lo más importante.

Michael Bay es un director conocido por su estilo inconfundible: tomas rápidas, colores saturados, ángulos de cámara dramáticos y, por supuesto, explosiones que desafían la lógica y la física. En La Isla, estos elementos están a la orden del día. La película está llena de escenas de acción trepidantes, con persecuciones de alta velocidad y explosiones que hacen que tu asiento vibre.

Pero, a diferencia de algunas de sus otras obras que pueden sentirse huecas, La Isla presenta una premisa intrigante que te atrapa desde el principio. La historia de los clones y la supuesta utopía de la isla introduce un toque de ciencia ficción que plantea preguntas éticas y filosóficas sobre la identidad y el valor de la vida humana.

La trama se centra en Lincoln Six Echo (Ewan McGregor) y Jordan Two Delta (Scarlett Johansson), dos residentes de una instalación futurista que creen que son los últimos sobrevivientes de un cataclismo global. Descubren que, en realidad, son clones criados para proporcionar órganos y tejidos a sus contrapartes humanas ricas. La revelación de esta verdad es un golpe maestro que transforma la película de un thriller de acción a una reflexión sobre el sentido de la vida y la moralidad de la clonación.

Esta premisa, que podría haber sido relegada a un mero telón de fondo para la acción, se desarrolla con suficiente profundidad para mantener tu interés más allá de las secuencias de explosiones. Es aquí donde La Isla brilla: en su capacidad para combinar el entretenimiento de alto octanaje con una historia que realmente te hace pensar.

La Banda Sonora: Una Sinfonía Emocional
Y hablemos de la banda sonora, porque, honestamente, es un componente crucial de por qué esta película me ha dejado una marca duradera. La partitura de Steve Jablonsky es nada menos que épica. Los temas musicales complementan perfectamente las escenas de acción y los momentos de introspección. La música tiene esa capacidad de hacerte sentir cada explosión y cada momento de revelación con una intensidad que te deja sin aliento.

¿Recomiendo La Isla?
Recomendaría La Isla a los fanáticos de la ciencia ficción que también disfrutan de una buena dosis de acción. Si te gustan las películas que combinan conceptos intrigantes con explosiones que te hacen saltar de tu asiento, esta es para ti. Es perfecta para aquellos que aman un buen thriller distópico con un toque de reflexión filosófica sin irse a clásicos más pausados aunque fascinantes como Blade Runner.