Sin haber visto apenas nada de la cinta más allá de la información vendida por Disney de que Lin Manuel Miranda era parte de la creación de este nuevo clásico Disney que parecía otra reivindicación de lo latino como ‘Vivo’ o ‘In The Heights’, tenía mis reservas ya que ambas películas me parecieron mediocres en lo musical, pero claro, ahora estamos ante otra propuesta de los directores de ‘Zootrópolis’, uno de los mejores clásicos Disney de este siglo y era el ápice de confianza que tenía dentro de mi desconocimiento.

Reconozco ser bastante fan de los clásicos Disney, los cuales salvo un par que no me gustan, me suelen divertir, entretener y emocionar y es por ello que no he faltado a la cita anual de la compañía que me lleva desde la infancia, ahora bien, teniendo en cuenta como todo está inventado ya y que la tendencia es a repetirse y arriesgarse o ser oportunista con ciertos temas de actualidad, tenía mi pequeño prejuicio que finalmente ha resultado saldado.

A medida que comenzaba la película me había encandilado la animación, la historia y el personaje principal evocando a la parte más bella de Colombia resultando una carta de amor y con muchos cantantes en ella incluso en sus voces originales, las cuales han respetado en España evitando doblarla con famosillos de turno, por ello quienes vayan a verla ya sea en cine o en Disney Plus dentro de un mes, la verán íntegramente en latino.

Aunque la trama aborde temas como el ser diferente y la autoestima, y el valor de la familia como millones de veces la cinta aporta muchas capas a esos temas y lanza un mensaje además de colorido muy positivo sobre las virtudes del ser humano y la esencia, las cualidades que son las que hacen bella a las personas.

Dentro del terreno disfuncional de una familia tan apretada por la abuela que es la jefa del cotarro, la cinta acaba utilizando recursos simbólicos como la magia, los milagros y las fracturas como la parte más apegada a la unidad, el amor y los problemas que llevan a desestructurar familias, a desengaños, mentiras, rencores y despechos. ‘Encanto’ no es una cinta más, ni un cuento de hadas típico, usa los recursos ‘mágicos’ para hablar de la humanidad de las personas y donde están las verdaderas virtudes de ellos.

Es una cinta preciosa con una banda sonora enorme y que es cuando Sebastian Yatra y sus ‘Dos oruguitas’ cuando la emoción aflora poniendo la piel de gallina al espectador entre mariposas, colores, duelo y emigración. Pero siempre está Carlos Vives para sacar la fiesta que no esconde la cinta en ningún momento y salir de la sala con una sonrisa de oreja a oreja. Porque pese a que las letras de Lin-Manuel Miranda siguen siendo arrítmicas y poco pegadizas o memorables, ‘Encanto’ tiene un equipazo detrás y mucho corazón en ella, la cual se aleja de fuerzas oscuras, romances y villanos. Disfrutarán pequeños y mayores en estos tiempos tan tumultuosos. No se la pierdan por nada.

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A ciegas fui al cine a ver “Mía y el león blanco” (2018) y a ciegas he ido a ver la nueva obra del mismo director que sigue los mismos pasos tanto en la forma de narrar casi documental como en el mensaje a transmitir. A ciegas también quiero que vayan a verla y disfruten, se emocionen y algunos se conciencien de los temas que aborda tan actuales. Da gusto ver una película con varias personas en la sala para no haber tenido casi publicidad por no decir nula por mi parte y ver a los niños aplaudir y emocionarse por ver una historia tan llena de corazón.

‘El lobo y el león’ un título tan simple que a la vez complementa el sencillo contenido de la propuesta ya que no va más allá en términos de complejidad narrativa pero no lo necesita. Es una cinta directa, corta, clara, ligera y entrañable, para toda la familia. Es bonita la relación de los dos animales que increíblemente son como hermanos, es bonito ver que no hay ordenador de por medio y que la relación entre ellos es natural, tangible y el trato con la protagonista igual. Es una prueba de que los animales aun siendo salvajes demuestran su instinto en base a la crianza y que la amistad entre animal y hombre es posible. En términos cinematográficos puede que no sea una obra memorable porque se asemeja más a un aleccionador documental que a un drama profundo pero reitero que no lo necesita al igual que la anterior obra del director, conmueve sin efectismos aunque haya un discurso final para sacar los pañuelos y enseña muchos valores tanto en el tráfico animal, el maltrato, los cazadores furtivos, los circos y sobre todo el prejuicio y oportunismo que suele surgir por parte de ciertas organizaciones cuando conviene sin dar posibilidad al ser humano que conoce y entiende, el poder cuidar de ellos sin daño alguno.

La película se siente tan viva en sus preciosos parajes naturales de Canadá que entras en la aventura desde los primeros minutos iniciales, conectando a la perfección con la protagonista la cual también retrata muy bien cuales son los verdaderos sueños, los personales o los impuestos por la sociedad, quien determina la verdadera felicidad o bienestar de cada persona. En definitiva, ‘El lobo y el león’ es otra cinta preciosa que no cambiará el triste rumbo de la decadente sociedad que estamos viviendo pero dibujará una sonrisa al mundo, emocionará a grandes y niños y se embarcarán en una aventura de las que poco quedan y solo Francia está trayendo con las dos obras citadas, ‘Volando juntos’ o ‘Belle y Sebastian’ entre otras cintas animalistas, reales y hechas para y por el amor de los animales, para concienciar pero también para valorar la preciosa naturaleza y fauna que nos rodea y por supuesto mostrar que aunque creamos que un cánido y un felino no pueden convivir, estamos totalmente equivocados.

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Tras dos magníficas obras cumbre del cine infantil-juvenil como lo son ‘Las ventajas de ser un marginado’ y ‘Wonder’, Stephen Chbosky se mete de lleno en la adaptación del musical ‘Dear Evan Hansen’ para formar parte de los músicos y letristas del momento Justin Paul y Benj Pasek quienes emocionaron a nivel global con ‘La La Land’ y ‘El gran Showman’.

Ahora llega un trabajo más complejo porque cambia de registro el señor Stephen pero no pierde su esencia. La de sacar el lado positivo, la oportunidad y la autoestima en un mundo feroz como es el adolescente, esta vez pasando del bullying y los traumas personales a algo tan serio como el suicidio y más aún si también reune el acoso escolar, la soledad, la falta de aceptación social, la identidad y la depresión conjuntando una vida de mentira.

Sin entrar en más detalles y en sus pequeñas contras como pueden surgir ciertas subtramas poco creíbles y oportunistas y para algunos convenientes o quizá la bochornosa caracterización del protagonista ya mayorcete haciendo de adolescente, no voy a negar que Ben Platt tiene una voz prodigiosa y que es el eje central de la historia por más que ponga miradas de asombro al comienzo que puedan repeler y al final acabes acostumbrándote.

En eso no voy a entrar porque es algo muy subjetivo. Voy a entrar en que la cinta aborda temas tan complejos que abundan en la sociedad actual y que muchos criticarán por promover el término influencer o los likes y el compartir, pero al final en las redes sociales se funciona así actualmente. Puede influir para bien o para mal y en este caso hay un buen fin pero no es la motivación o el fondo correcto y lo entenderán cuando lo vean.

En el apartado musical me rindo ante la calidad de las canciones, las letras y la interpretación, dignas de Oscar y globos de oro, que pena que poco va a rascar por las malas críticas (luego con la arrítmica y oportunista In the Heights la alabaron, cosa que no entiendo) y porque está basada en una obra de teatro por lo que no es original. Necesitaba una banda sonora que no me quitase de la cabeza, que reventase Spotify a reproducciones y me emocionara cada vez que la escuche en bucle y esa sensación la he vivido aquí con todas y cada una de sus canciones.

Puede ser que algunos tópicos sangren y que la estructura musical sea calcada al gran Showman, con su canción soñadora inicial, su canción protesta o declaración de intenciones, su canción de amor, su canción triste y su éxtasis alegre, épico y motivacional.

‘Querido Evan Hansen’ es una cinta necesaria, emotiva, desgarradora por momentos y tan actual que da miedo. Puede tener algunos compases poco creíbles pero el fondo que tiene es digno de reflexión y es que todos nos sentimos solos algunas veces, cometemos locuras y hacemos daño a las personas que queremos muchas veces. La cinta tiene su espacio en sus más de dos horas para que nos enseñe la solución ante posiblemente el problema más gordo en el que te puedes meter, en una mentira global, en la suplantación cuando hay luto de por medio. No se pierdan esta obra que dejará huella en sus ojos, lágrimas a mansalva (el momento You Will Be Found posiblemente el más emocionante del año para mí) y no olvidarán sus canciones ni su historia. Aleccionadora como pocas y Chbosky sorprendentemente vuelve a demostrar que es un genio retratando a las nuevas generaciones con sus claroscuros pero con un rayo de esperanza.

LO MEJOR: Las canciones, la historia y la reflexión que deja sobre muchos temas influyentes.

LO PEOR: La caracterización e interpretación de Platt en algunos momentos.

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Cuando hace tres años aterrizó el simbionte de Sony sin Spiderman, a muchos nos olió raro que se pudiera hacer una película de Venom sin el héroe arácnido pero pese a las considerables carencias que tuvo la cinta comercial de Ruben Fleischer funcionó a medio gas, más bien en términos taquilleros que cualitativos aunque siempre diré que dentro de la mediocridad y la peste rancia que pudiera suponer dicha cinta, me pareció entretenida y a ratos divertida gracias a la entrega y lo bien que se lo pasaba Tom Hardy con el personaje (la escena del restaurante me recordó al Jim Carrey más desatado), tanto que para la secuela ha sido acreditado como guionista, y se nota.

Cierto es que bajo la dirección de Andy Serkis habría esperado algo más terrorífico, perturbador e impactante, al nivel de los personajes que ha interpretado en el pasado con CGI; también unos efectos visuales asombrosos pero tristemente se quedan a medio gas en varios momentos aunque lógicamente es más difícil de hacer real un simbionte que un animal. Las dos cintas anteriores del director me gustaron bastante y me parecieron arriesgadas en varios compases, cosa que aquí la cinta va a lo seguro y de lo que más me temo es que Sony haya dominado toda la producción para poder enlazar con el spiderverso ya confirmado de hace un mes. Eso no quita que no puedan disfrutar de la esperada escena post-créditos.

Pero en cuanto a ‘Venom 2’, no se nota atisbos de personalidad o autoría por más que los momentos de discusión casi de pareja entre Venom y Eddie Brock resulten de lo más tronchantes y ya sello de identidad y necesidad para que el espectador no desconecte. Y así es, su mayor virtud son esos momentos existenciales de ambos personajes, esa dualidad, ese conflicto de identidad que logran sacar la parte más independiente de cada uno, la necesidad y la supervivencia dejando de lado la parte más oscura para ser una cinta autoconsciente y paródica llena de humor negro que en algunos compases funciona y en otros se vuelve reiterativa.

Hardy se deja la piel de nuevo, quiere volver a interpretar a Venom en un futuro y pese a su involución como actor en cuanto al calibre de sus proyectos, sigue siendo un gran actor menospreciado. En contraste a un Woody Harrelson loco una vez más de tantas, lo hace bien pero al igual que con Naomi Harris en modo Dalma de Piratas del Caribe, resultan tan histriónicos y exagerados que incluso cuando se les intenta dar profundidad la cinta les corta porque tiene que acabarse, porque tiene que ser una cinta ligera y en gran parte familiar, al final resultando menos temibles de lo que su título reza.

En definitiva, ‘Venom: Habrá matanza’ es un copia y pega de la primera entrega resultando rutinaria, predecible y convencional, lejana de la profundidad que podría haber dado a sus personajes más allá del propio conflicto Brock – Venom que es lo que rescata a la cinta de la quema además del ritmo y gags con algún guiño que otro (Atentos al de The Amazing Spiderman 2 en el clímax) y se siente una hermana gemela de su predecesora, aportando más bien poco en el contexto y dejando más preguntas que respuestas para quizá cerrarla como trilogía en una entrega crossover donde se aproveche más al personaje de Stephen Graham.

Si distingues la parte entretenimiento de la artística, disfrutarás siempre y cuando dejes el cerebro apagado a un lado como con la primera y entiendas la intención que tiene la película, lógicamente lejana de lo que se podría comparar en el terreno de superhéroes pero también lejana del cine superheroico más casposo o aburrido que pudiera haber surgido hace 15 años.

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6 años han pasado desde que Sam Mendes nos deleitara con su grandilocuente Spectre resultando más repelente a la crítica y público y a su vez profundizando más en el personaje en este microuniverso totalmente opuesto a lo visto en las más de 20 películas del misógino personaje donde Mendes, Campbell y Joji Fukunaga han acabado mutilando lo que había escrito Ian Fleming adaptando el personaje a estos tiempos, haciéndolo más vulnerable y más humano, que es como debe tratarse a un personaje para evitar estereotipos forzados y conseguir que el espectador pueda identificarse con un personaje con más valores que el que fue popularizado hace 6 décadas.

Con un cambio de aires y multitud de retrasos de fechas (si mal no recuerdo ha tenido 4 fechas diferentes) en año y medio y con un director que no es británico (creo que es el primero de toda la saga) ha conseguido lo imposible, que Bond me emocione, me conmueva, le entienda, le quiera. Eso lógicamente se ganará y se ha ganado detractores por lo blandito, viejo, sensiblero y romántico que se ha vuelto construyendo un personaje sólido, interesante y alcanzando la tridimensionalidad (aunque en Skyfall, para mí la mejor de la saga ya lo consiguió).

Sin extenderme en demasía como lo pueda hacer la película en sus 2 horas 40, decir que es la película de la saga más arriesgada, valiente e inclusiva que quizás pueda sonar forzada con los tiempos pero en parte es necesaria para contrastar décadas de misoginia, mujeres florero y mucho alcohol para hacer de Bond un verdadero humano aún con sus claroscuros como hemos visto en este papel de Daniel Craig quien se deja la piel.

‘Sin tiempo para morir’ te deja sin aliento, con un comienzo aterrador e impactante, con escenas de acción espectaculares, quizás no las mejores de la saga pero excelentemente rodadas además de un uso de la fotografía magistral y una plantación de semillas muy interesante si es que consiguen aprovechar a Ana de Armas en un futuro.

Con un Zimmer épico recordando a la tensión de ‘El caballero oscuro’ en su tempo y ritmo, consigue emocionar en varios compases gracias a la labor autoral de Fukunaga quien posiblemente haya hecho la cinta más personal del personaje de toda la saga, cosa que era difícil por como las productoras tienen a los directores sujetos con una cuerda corta.

En definitiva, ‘Sin tiempo para morir’ viene para quedarse, para hacer historia no solo en taquilla sino en la construcción del personaje, en su película más larga pero no por ello plomiza, en su última aventura, en la mejor despedida que puede existir para el personaje y con un corazón enorme que temblará de emoción el que al menos haya seguido a este Craig desde 2006.

Sin lugar a dudas la saga ha sido irregular sobre todo teniendo a ‘Quantum of Solace’ pesando sobre la conciencia de los productores pero ha culminado de la mejor forma y eso nadie debería discutirlo, sino que se presenten para un futuro reboot a dirigirlo a ver si consiguen deslumbrar como lo ha hecho este equipazo en esta ambiciosa historia de paz, descanso, amistad y amor en la que se siente cada minuto, cada guiño y cada cierre de subtrama enlazando incluso con Casino Royale. Para muchos será una decepción pero para otros será la grata sorpresa que llevábamos años esperando y con razón se hicieron de rogar, porque en el cajón tenían un valioso tesoro.

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