Una antología de micro-relatos del antiguo oeste americano. Primero, dejemos las cosas claras, desde el momento que me enteré de que los Coen iban a hacer un western , le he tenido muchísimas ganas. El resultado, al menos para mi no decepciona para nada, pero puedo entender algunas de las críticas que se han hecho.

Para empezar, el concepto de una antología es tremenda mente complicado, porque en términos de regularidad, ritmo e incluso relato audiovisual necesita de un tino casi de maestros para mantenerlo. La idea original de Netflix era hacer una serie, en vez de hacer una película pero al final ha acabado de esta manera. Pero estamos hablando de los hermanos Coen, que son directores de primer nivel por lo que consiguen sacar a delante la obra.

Es cierto, que algunas historias son superiores a otras. La primera, por ejemplo, es la que tiene mucho más estilo y carisma. Por lo que las demás parecen desentonar. Pese a todo lo dicho, cada historia encentra un hueco para destacar. No tanto por la historia, que hay alguna que es un poco predecible, si no por la dirección y puesta en escena. Mi historia favorita "el buscador de oro", me gusta más por la fotografía de un valle glaciar que por la historia que cuenta.

El punto que permea a todas las historias es la ambientación. Este naturalismo del oeste americano me puede y siempre me ha podido, por lo que entró en su juego mucho más fácilmente.

Conclusiones... Me parece una obra mas que recomendable. Es cierto que al ser tan fraccionaria y al camiar tanto de estilos y formas, pueda molestar a alguien. Pero a mi me ha parecido como mínimo notable.

Madre (Rodrigo Sorogoyen, 2019)
Rodrigo Sorogoyen ya es una de los referentes en lo que se refiere al cine español actual. Siendo un director joven ya tiene varias joyitas en su filmografía. El corte Madre (2016) del que se basa esta película, es un ejemplo de ello.

Esta película es una interpretación pero desde un punto de vista distinto. Es algo que se reslata al principio, el cambio de género, del thriller que Rodrigo demostró dominar en el Reino (2018) a el drama más intimista. Prefiero que se enmarque en el drama porque es tal y como está concebido el guión de la película.

Me gusta que la película refleje una historia tan pequeña y mundana. Con un ritmo lento se dejan caer las cosas, más por su propio peso de las acciones que por prisas. Que el guión se tome su tiempo en este tipo de películas es esencial. Igual que también es esencial tener algo de sutileza, a la hora de tratar a los personajes.

El marco de las relaciones es uno de los objetivos de la película. Vemos distintas formas y en distintas etapas, pero la relación central, es una muy interesante, porque sin juzgarles a ambos deja ver las luces y sombras.

Marta Nieto brilla con una interpretación muy contenida y una preparación tanto física (adelgazar al extremo), como intelectual (aprendiendo francés para la película). Es cierto que es de estas grandes interpretaciones que sostienen la película, pero la dirección tampoco se queda atrás. Desde el inicio que ya he dicho en clave de thriller en una sola toma, hasta los continuos giros de cámara alrededor de la protagonista, vemos la obra de un autor.

Al final todo lleva a la conclusión de cerrar una etapa, el duelo eterno de una madre y su hijo. La gracia aquí es retratar el camino y me parece sobresaliente tanto en forma como en fondo.

Mi experiencia se puede asemejar a coger distintos bombones de un surtido muy variado. Esto le dan grandes momentos y otros tantos poco imaginativos. Pero la media roza un nivel bastante por encima de la media. Si a esto le sumamos la excelente animación y la temática de ciencia ficción o fantasía o distopía futurista, nos da algo bastante rompedor.

Pero no es de extrañar, detrás del proyecto se encuentra David Fincher y Tim Miller, que no necesitan presentación. Aunque Miller dirige solo unos pocos cortos, los demás directores son muy variados y se nota la libertad de creatividad y sobre todo, el crisol cultural que enrique la antología.

En términos generales a todos los cortos se les nota demasiada testosterona. Quiero decir con esto que el tono y estilo de los cortos van siempre en el mismo sentido épico-físico over de top al lo que se le suma un exhibicionismo desmedido. No es malo como idea, pero llegar a cansar la poca sensibilidad y de los mismos personajes.

Pero, donde de verdad gana, es en el apartado artístico de la animación. Aquí, SI que se cambia bastante dependiendo del corto. En algún vemos un estilo realista muy de videojuegos y en otros más cartoon. Vemos el toque esteta de sus creadores, lo que se traduce en que absolutamente todos los cortos sean una delicia visual imposible de aburrir. Aunque solo sea por esto, la recopilación merece la pena.

Al ser una estructura tan breve la de los cortos, de 5-18 minutos, el ritmos es trepidante y se centra más en la acción que en los personajes. No creo que sea malo, repito, ya que me lo tomo como trailers alargados. Lo que sorprende es la sensación de querer saber más de la mayoría de cortos, lo cual supongo que será la sensación de enganche que quieren conseguir.

Your honor (Peter Moffat, 2021)

El matrimonio y duo creativo formado por Robert y Michelle King han demostrado ser de los mejores productores de las series contemporáneas. Series es su sentido más puro, el televisivo, alejándose de producciones megalomas que hoy podemos tener. Dotan de libertad a los guiones y a todo el equipo creativo por lo que sus productos mejoran y ganan potencia con las temporadas.

Desde el punto de vista de la producción, your honor es una miniserie con una historia concisa que no se puede estirar sin romperse. Con 10 capítulos hay suficiente tiempo de metraje para abarcar todos los caninos que se abren desde el desencadenante del primer episodio. Y es en la producción dónde your honor deslumbra. El casting, encabezado por Bryan Cranston, es espectacular, Nueva Orleans como localización es exuberante y el juego de cámaras está a la altura del cine. Con todos estos ingredientes parece que resultará una miniserie excelente pero visto lo visto me ha decepcionado.

Entiendo que la producción tiene que haber sido de todo menos fácil si han tenido que meter la pandemia dentro de la narrativa. Entiendo también que al yo verla a capítulo por semana, se me ha haya desinflado o haya perdido el hilo. Pero en un guion tan casual y sobre todo tan psicológico, es esencial el desarrollo milímetro de los personajes. Particularmente al personaje del hijo le falta profundidad y sobre todo credibilidad. Esto se acentúa cuando la comparación es Bryan Cranston que está espectacular. Su personaje si que está muy bien estudiado en su gran dilema moral que a su vez es el eje narrativo, temático y argumental de la miniserie.

Toda obra, de forma consciente o inconsciente, no solo tiene un mensaje, si no también una perspectiva con la que aborda sus temas. "El travelling es una cuestión moral" decía Jean-Luc Godard y tiene toda la razón, cada elemento esta diseñado con el objetivo de evocar una emoción. Hablar de Nomadland, es hablar de la constatación del fracaso; del olvido de una parte de la sociedad americana y como esta descubre en el nomadismo una forma de vida. El retratismo documental con el que se sigue a su protagonista ha sido el elemento más vanagloriado con en que ha arrasado en la temporada de premios, y con el que se presupone que culminará con el Oscar a mejor película.

Pero no quiero hacer un estudio pormenorizado, si no centrarme en como la película nos habla sin hablar. El personaje de Fern (Frances McDormand) se ve obligado a abandonar su hogar para trabajar a modo de temporero en Amazon. Queriendo establecerse allí, no lo consigue y es entonces cuando le presentan el mundo del nomadismo. A partir de ese momento, decidirá vivir de esa forma aún presentándose otra opciones en su recorrido. Es importante porque la elección en primer lugar y la posterior decisión recae en el personaje. Aún siendo una crítica sistémica a la sociedad y a un sistema económico basado en la validez absoluta, en la película siempre hay una puerta abierta, una carretera de salida. Esta relación entre axfisiar y airear a cualquier protagonista en el género del drama es primordial para marca la intensidad de la película. La representación final para Fern es la de una persona destruida psicológica y emocionalmente pero con una determinación de hierro que va cruzando la línea de la terquedad. Es un personaje muy empatizable pero no por ello le deifica.

La fotografía y la música juegan un papel fundamental para darle una estética limpia y tranquila, donde la belleza siempre gana a la fealdad. Huye de mostrar crueldad, vísceras sangrientas o la fecalidad. Se regodea en la contemplación de bellos paisajes naturales y geológicos. Consigue evocar algo ensoñador, que de alguna forma apetece formar parte. La BSO de la mano de Ludovico Einaudi si que se excede en lo melodrático con unas composiciones a piano clásicas. Preciosas eso si, pero le dan una intensidad que no tienen, ni quieren el resto de elementos (sobre todo a la hora de ponerlas a todo volumen).

Hablar de blanqueamiento y romantización del nómada, o de ricos haciendo una representación edulcorada de los pobres; me parecen tesis algo excesivas. Es cierto que es un guión que pudiendo ser mucho más crudo y deshumanizado, elige lo opuesto, una visión optimista y vitalista de su forma de vida. Pero yo veo personajes adaptados a las circunstancias, que viven en una soledad total pero sin llevar el sufrimiento como estandarte. Lo mismo opino sobre el papel que tiene Amazon, del que se ha dicho de todo. Pero la decisión de no demonizarla como empresa que se lucra de contratos temporales, me parece un acierto. Recoge esos momentos sin posicionarse para que el espectador inteligente discierna que le parece bien y que no. Todo esto, aleja a Nomadland de ser un panfleto ideológico y la acerca a la vocación natural, su espíritu documental.