Deseando amar se desarrolla entre el Hong Kong de 1962 y Camboya en 1966 pasando por Shangai. La película cuenta la relación entre Chow Mo-Wan, periodista empleado en el diario local, y Su Li-Zhen Chang, secretaria. Los dos se alojan, con sus respectivas parejas, en la casa de huéspedes que regenta la señora Suen. Poco a poco, Chow y Chang se van dando cuenta de que están igual de solos. Frescor de flores (titulo original traducido literalmente) es una expresión que sirve para describir el esplendor de la belleza de la mujer. Es un título que describe a la perfección a la señora Chang.

Ganadora de la Palma de Oro del Festival de Cannes en 2000, In the Mood for Love es una película de sensaciones, de empatía. Los protagonistas son personajes sencillos, moralmente correctos (“Nosotros no somos como ellos”) y sufren un doloroso momento. Los encuentros entre el periodista y la secretaria se convierten en el hilo conductor de la cinta. Ambos comparten su dolor en una relación muy respetuosa que va adquiriendo claves de thriller. En palabras del director Wong Kar Wai “En Deseando amar, uno de los condicionantes más importantes es que ellos son vecinos y temen el escándalo que pueden generar. Eso les aterra.”

Hay alguna intervención secundaria para desahogar, pero por lo general Tony Leung Chiu (Chow) y Maggie Cheung (Chang) están solos siempre ante al cámara, pero en todo momento vigilados. Por su entorno y por nosotros, los espectadores que vemos lo que nos dejan ver.

Para seguir el caótico orden cronológico de la película no se pueden perder de vista los casi 50 vestidos que utiliza la protagonista. También en ese aspecto temporal del film es importante fijarse en las comidas y la época del año en que se comen. La idea original era hacer una película sobre comida y sobre cómo guardar un secreto.

A Wong Kar Wai le llama la atención que en el cine occidental no se coma y hace de esta película una auténtica Oda a la comida, solo o en pareja. Introduce, a través de la comida, los niveles de confianza propios de una relación. Al principio se suele tratar de hablar casi de cualquier cosa para evitar los silencios incómodos (Pulp Fiction), luego llega un momento en que no se hace necesario hablar, y simplemente se come. Con un elemento tan simple como la comida se logra un realismo superior a cualquier otra idílica historia de amor contada a través de la gran pantalla.

Muchos espectadores se pueden sentir decepcionados por la poca acción o la mucha acción contenida de la película. Es posible que requiera un segundo visionado para percibir ciertos detalles importantes y entenderla mejor.

Y aquí termino mi crítica, sin hablar de la música... ¿que se puede decir de una banda sonora perfecta?

Viajes de película:

Aunque la acción se desarrolla en el Hong Kong británico de los sesenta la película se rodó en Bangkok, Tailandia. La popularidad de la película impulsó a la creación de un restaurante con su nombre, especializado en comida japonesa (In the Mood For Love 9th, Sukhumvit 36, Bangkok, Tailandia). La parte de Shangai fue rodada en Macao, a setenta kilómetros de Hong Kong. El final de la película se desarrolla en Camboya, en el templo Angkor Wat.

Angkor Wat es el templo más grande y el mejor conservado de los que integran el asentamiento de Angkor. Está considerado como la mayor estructura religiosa jamás construida, y uno de los tesoros arqueológicos más importantes del mundo.

Hay que madrugar para evitar el bullicio turístico y el intenso calor. Además a hora tempranas te puedes encontrar con monjes budistas en plena oración. El templo también ha aparecido en la película de Angelina Jolie Lara Croft: Tomb Raider en 2001. Tanto congeniaron Camboya y la actriz, que recibió la nacionalidad camboyana, adoptó a su hijo Maddox y le rebautizaron uno de los templos de Angkor con su nombre. Templo Angelina Jolie.

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Noche de estreno, casi no quedaban entradas para ninguna sesión de la noche en Kinépolis Madrid y eso que las sacamos online a las 18.00 de la tarde, la expectación era alta. Nos juntamos casi por inercia los mismos amigos de hace unos años, incondicionales al hombre de acero. La noche empezaba igual que cuando Superman Returns (2006) y terminó parecido, otra decepción que engrandece aun más a la versión clásica.

Mucho de Star Trek al principio (y al final), mucho efecto especial espectacular, poco contenido. Empieza interesando y acaba aburriendo. Incomprensible el papel tan importante que tiene el ejército estadounidense, es mucho mas “pro americana” que cualquier película del género. Capitán América incluida. El director de fotografía, Amir Mokri sabe captar planos impresionantes, pero no se le puede dejar la mitad del metraje (más si es por sensaciones) para demostrar la espectacularidad de las tomas de acción. Excesivo. Se extraña guión, relaciones humanas, un poco de Lois y Clark. Es la pérdida de la dicotomía Clark-Superman el principal punto débil de la película.

En todas las comparaciones el reparto de 1978 es más acertado que el de 2013. Los dos protagonistas (Cavill y Shannon) son ahora más televisivos (Los Tudor y Boardwalk Empire) y funcionan, pero no llenan. Puestos a hacer guiños a la saga (apenas emplazamientos de producto de Luthor Corp y Wayne), creo que el aficionado agradece más que se cuente con los suyos. Un cameo de Christopher Reeve ya no es posible, pero si muchos otros. En eso la serie Smallville (2001) trabajó mejor su legado, dando cabida a casi todos los clásicos que habían participado en proyectos relacionados con Superman.

Gran partitura de Hans Zimmer, muy en la linea de las colaboraciones anteriores con Nolan, pero sin hacer olvidar a John Williams. Con Batman todo funcionó mejor. Le pasa al conjunto del film. Batman es la noche, Superman el día. El toque oscuro no le sienta bien al superhéroe que debe su poder al Sol.

panchi07
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Charlot es un simpático vagabundo que se enamora de una chica ciega que vende flores en la calle. Haciéndose pasara por millonario, trata de seducir a la joven y le promete solucionar sus problemas. Para poder pagar la operación de la florista el noble personaje pasará por diversas situaciones cómicas y dramáticas.

El cine mudo estaba tocando a su fin (ya se había estrenado El Cantor de Jazz) y Chaplin había tardado casi tres años en sacar adelante su proyecto por la desfavorable coyuntura económica. Su postura era totalmente contraria a que sus personajes hablaran "porque el gesto es un medio de expresión universal". Así que habría música pero no diálogos. Y aquí entra la Violetera, compuesta por José Padilla (que no figuraba en los créditos). El español ganó el juicio años después. La verdad es que se agradece el plagio porqué no se podría entender esta película sin su hilo musical.

Los ingredientes claves y distintivos en la mayoría de la filmografía de Chaplin, drama y comedia, están aquí mezclados con genialidad en dosis milimétricas, dando lugar a un cuento fantástico que te lleva de la risa al llanto en oleadas perfectamente calculadas. El viejo proverbio "la belleza está en el interior" que popularizó en 1991 el clásico de Disney La Bella y la Bestia resume perfectamente el mensaje de este film. Es un cuento que se ha contado infinidad de veces, pero nadie lo ha contado así.

Para mi es la mayor joya del cine mudo y eso que llegó ya en su crepúsculo. Imagino que al gran maestro del cine Charles Chaplin le habría gustado ver como revivía el género en 2011 con la francesa de The Artist de Michel Hazanavicius.

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Película que ha supuesto el regreso de Arnold Schwarzenegger desde Terminator 3: La rebelión de las máquinas (2003) a un papel protagonista. Diez años que no han menguado la imponente presencia del actor austriaco. Es también la primera película americana del director Kim Ji-Woon.

El argumento de la película puede recordar al “Solo ante el peligro” (1952) protagonizada por Gary Cooper, pero no tiene nada que ver ni en pretensiones ni en historia. La trama se asemeja más al “Río Bravo” (1959) de Howard Hawks.

Muy en la linea de “Los mercenarios” (2010), refresca el género de acción sabiendo reírse de sus propios pecados. El argumento es demasiado similar al drama cómico de la segunda parte de la historia orquestada por Stallone. Empatía por chico joven que aspira a sueños ya vividos por el veterano. Luego deudas pendientes que saldar, balas y mucha sangre.

Es bastante extraño el doblaje que se hace Eduardo Noriega (a los estadounidenses les sigue dando lo mismo español que mexicano) y la presencia de Johnny Knoxville (Jackass) haciendo su número, que puede ser muy del agrado de su público. Creo que su humor no es tan efectivo como el de la comunidad de excéntricos habitantes de Sommerton.

El resto de populares actores de reparto mantiene el tipo sin excesivos alardes, muy encasillados en sus respectivos roles: Forest Whitaker como poli bueno, Rodrigo Santoro como guapo rebelde o Peter Stormare como villano despiadado. Muy trillados todos, aunque no tanto como Schwarzenegger que “ha vuelto” para hacer lo mismo.

Muy dinámica, entretiene bastante y gustará mucho a los nostálgicos de la acción de los ochenta y noventa.

Panchi07
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Pasó con discreción por las salas españolas pero ha sido de lo más interesante que se ha exhibido en lo que llevamos de año. La falta de ideas de la industria es un hecho, así que cuando se adapta un libro de éxito que además no he leído, se que por lo general voy a encontrarme con un buen producto. Sucedió con El diario de Noa (2004), Cometas en el cielo (2007) o Criadas y señoras (2011). Entiendo que para los conocedores de la obra escrita, la película puede decepcionar sus pretensiones. En esta ocasión es el propio autor el que adapta al lenguaje cinematográfico su novela, por lo que no se pierde tanta esencia. Chbosky tiene la licencia de elegir que partes son prescindibles. Los fans se quejan del peso que pierden los familiares del protagonista, particularmente no creo que sea una trama imprescindible.

Ha sido una grata sorpresa a pesar de ser inverosímil e inconsistente en algunos tramos. Los dramas de los protagonistas son excesivos, tal vez tratando de conseguir una mayor empatía y sin embargo están contados con frivolidad, con lo que se consigue el efecto contrario. Bien ambientada a principios de los noventa, tiene un interesante ritmo de narración.

Creo que la elección del casting no es adecuada, cuesta creer que un chico guapo y con gustos alternativos por la música sea un marginado. Lo mismo ocurre con los otros protagonistas. Independientemente de lo adecuado de su elección, los actores están estupendos. Enma Watson ha acabado por romper en actriz y Ezra Miller demuestra ser un intérprete muy versátil al cambiar totalmente de registro tras atormentar a Tilda Swinton en Tenemos que hablar de Kevin (2011). Logan Lerman completa el trio principal del reparto en su primer papel como protagonista de su prometedora carrera.

panchi07
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