"La época (...) no solamente inventa genios ficticios, sino que ha innovado en otro campo: ha destruido la función crítica. Lo que se presenta como crítica en el mundo contemporáneo es la promoción comercial, cosa a todas luces justificable, vista la naturaleza de la producción que se trata de vender. La crítica publicitaria que es la unica que subsiste, continúa por lo demas ejerciendo una función de discriminacion. Lleva hasta las nubes a cualquier producto en la moda de la estación y por lo que se refiere a los demas, no los desaprueba, simplemente calla y se entierra en el silencio. Lo que se le presenta cae de inmedieato bajo una u otra de dos categorías: o bien es algo incomprensible ya aceptado y adulado, en cuyo caso lo alabará, o bien es algo nuevo incomprensible, y por lo tanto callara por miedo a equivocarse. El oficio del crítico contemporáneo es idéntico al del becario (...) adivinar lo que la opinión media piensa que la opinión media pensará" (Cornelius Castoriadis -1977-)

Sorprendente. Castoriadis parece haber visto el fenómeno "Inception" casi 33 años antes, describiendo paso por paso la maquinaria comercial hollywoodense que ha impuesto ha este film el mote de "obra maestra" y que nos ha obligado a todos nosotros a concebirla como tal.
El proceso, tal como el realizado por los personajes en el film, consistió en alterar nuestros inconcientes con publicidad indiscriminada y críticas desorbitadas que ponen a este correcto film en un pico de una montaña que no le pertenece ni le pertenecerá jamás.
Esa es la montaña de los sueños. Aquella que tanto ha cuidado y protegido Freud y que tanto ha investigado y descubierto David Lynch en gran parte de su filmografía (perdónenme Buñuel, Richter, pero Lynch es Lynch). Es el monte de lo ambiguo, lo oscuro, lo retorcido, lo confuso, lo inestable, lo sexual, lo violento y lo extraño. Donde la identidad se parte y las cosas y las personas se confunden. Donde nada parece ser lo que es y donde lo que es no parece ser nada. Mientras Freud muestra el sendero donde todo lo reprimido puede salir a la luz y Lynch se anima a exteriorizarlo audiovisualmente, Nolan lo destruye y lo llena de una lógica de la linealidad sazonada con los tópicos mas comunes del típico film de acción.
Sobreimprime las diferentes capas oníricas con aventuras repletas de balaceras y con objetivos y resoluciones que no se apartan de los "clichés" del megaemporio de la industria cultural cinematográfica. De disparo en disparo intenta hacer avanzar la trama de los sueños, explicando y re-explicando cada paso, con temor a dejar demasiado a rellenar por el espectador.
Aquel esfuerzo contínuo de Lynch de estimular el dominio de la imaginación del espectador, hoy se ve fuertemente golpeado por un Nolan que nos subestima de principio a fin, creyéndonos lo suficientemente tontos para depender del resultado de la voltereta de una perinola o de la cantidad de excelentes calificaciones que invaden los mass-media.

Extraña sensación agridulce me deja esta película tras el visionado. Hay algo que en el producto de Ficarra y Requa no termina de cerrar del todo bien y que genera mucho ruido a la hora de consolidar una idea general del film.

Por un lado, se nos enseña (en el comienzo) una propuesta interesante y fresca que apunta a deconstruir las relaciones románticas pasando por el disparate y lo irracional (a veces transgrediendo límites) , pero por el otro, poco a poco todo lo innovador empieza a desinflarse desembocando en un final metido con calzador y dificil de digerir.

Los últimos 15 minutos se transforman en un torrente de clichés típicos del género que terminan deshilachando una trama entretenida, coherente con los tiempos actuales y hasta en cierto punto, comprometida consigo misma. Todo lo bueno se va cayendo a pedazos y todo lo liberador y progresivo se vuelve conservador.

Es una lástima, pero se agradece el intento y la proyección de una serie de situaciones divertidas y bien construidas.
Las actuaciones están bastante bien, habiendo que destacar a un Gosling que certifica (creo yo) que es uno de los grandes actores, y con más variedad de registros, de su generación.

El valor de los Festivales de Cine podría resumirse en la posibilidad de acercarnos joyas de este valor artístico.
Estiu 1993 (Verano en castellano) nos cuenta la historia de una niña de 6 años llamada Frida, que debe trasladarse al campo de sus tíos tras la muerte de sus padres. Con este comienzo, muchos directores hubiesen optado por el golpe bajo y la demagogia, sin embargo, Carla Simón logra apartarse de ese lugar común para elaborar un desarrollo conflictivo y al mismo tiempo brillante.

La película transcurre con un nivel de sensibilidad fuera de lo común, ofreciéndonos angustia, risa y llanto en múltiples escenas. Por momentos somos Frida, por momentos nos ponemos en el lugar de su nueva familia. No hay lugar para maniqueísmos, sino para toda la complejidad que pueden ofrecernos las relaciones humanas reconstruidas luego de la tragedia.

El reparto se luce a partir de la frescura de Frida y de su prima más chica, quienes consiguen sacar jugo de muchísimas escenas a partir de la pura improvisación. A nivel técnico, la película es bellísima, consiguiendo conjugar colores y planos de forma muy balanceada.

En resumen, Estiu 1993 probablemente se trate de una de las mejores películas del año, pero por sobre todas las cosas, tiene el potencial para quedarse en nuestras retinas durante mucho tiempo.

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Buscarle los adjetivos que quieras, pochoclera, comercial, especulativa, o el que más te guste. Total, películas cuyo único objetivo se base en levantar unos cuantos billetes, a esta altura de la cultura de masas, es lo que menos me importa.
Pero hay algo en Hangover II que me inquieta demasiado y que no veo en otros films de este estilo: La secuela como remake. Es decir, vender una segunda parte, cuando en realidad se trata casi de una remake, en donde todo permanece igual, salvo la escenografía y unas contadas líneas de un guión apenas maquillado.
Es que la historia es la de siempre. Uno se casa, despedida de solteros la noche previa, se levantan sin recordar nada, uno no aparece y se lanzan en la búsqueda. No hay mucho más que eso.
Entonces no hay sorpresa alguna. Entonces pierde la gracia de la primer película; esos 20/30 minutos donde amanecen desorientados junto con el espectador.
Aquí ya nos lo sabemos todo y no resulta divertido. Es que ni siquiera hay gags buenos ni actuaciones decentes (los actores son magos de la sobreactuación).
Ni hablar del discurso machista que subyace que daría para mucho más que esta simple crítica.

Parece que los productores han tomado literalmente lo que decía Adorno de las industrias culturales. Homogeneización de la producción, pero ya no refiriendose a un conjunto de obras con parámetros similares, sino a obras exactamente iguales con nombres distintos.
Y mal no les va, si al final al alemán va a haber que tomárselo más al pie de la letra de lo que parecía.

Seguramente la Paramount en 2017, al adquirir los derechos de la exitosa novela de Mark Burnell, haya pensado que tenía una poderosa gema entre manos con un potencial extraordinario. Si a eso sumamos a la directora de The Handmaid's Tale (Reed Morano), a los productores de la saga de 007 y a un grupo de actores reconocidos, el éxito sería cuestión de sentarse a esperar. Sin embargo, ya en el comienzo del rodaje la cosa empezó a tener feo olor. Blake Lively se lesionó en una escena con Jude Law, la filmación se atrasó, los tiempos apremiaron y lo que parecía ser un potencial blockbuster de éxito, desembocó en una fallida película con tintes de fracaso.
Podríamos sentarnos a señalar durante un largo rato los defectos de "El ritmo de la venganza". Que si a Blake Lively le viene grande el papel de 'Nikita' posmoderna, que si Jude Law parece interpretar su rol en modo avión o que si la directora no era la indicada para este tipo de historias.
Errores importantes, tal vez, si no fuera porque el verdadero fallo de la película de Reed Morano está en su guión. El guión de "El ritmo de la venganza" es prácticamente una sucesión de fallo tras fallo, desde que arranca la película hasta que finaliza.
Stephanie Patrick pierde a su familia en un atentado aéreo, pero nunca se establece una conexión lo suficientemente emotiva para dinamizar una venganza a sangre fría como la que prosigue. De repente, la protagonista se hunde en las drogas y en la prostitución, pero no sabemos cómo ni cuando, ni tampoco exactamente por qué.
Agujeros argumentales que intentan taparse con una trama de espionaje y terrorismo que al involucrar a la CIA y al MI6 solo termina volviéndose más enrarecida si cabe.
Tan solo la música producida por Hans Zimmer y una buena de escena de acción rodada en Almería (España) se marcan como los únicos aspectos positivos de una cinta que pudo ser mucho más de lo que finalmente fue.

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