Las críticas negativas y las positivas acompañan a la par a esta miniserie alemana. Si bien es cierto que pueda tener alguna incongruencia histórica, desde mi punto de vista es una fallo muy menor en la creatividad que se presenta. Muchos han criticado la humanización de los nazis en esta historia, y es verdad, se los humaniza, porque a fin de cuentas eran humanos. Esos muchos tienden a olvidar que, a pesar de las atrocidades que cometieron, eran humanos, y por desgracia no han sido los únicos que han cometido barbaridades semejantes. No estoy defendiendo a los nazis, ni mucho menos, pero he de admitir que da gusto ver un enfoque más humano de lo que en Alemania se vivió y la evolución de los que allí vivían. Estamos acostumbrados a seguir el dicho de la historia la escriben los vencedores. Conocemos la historia, si nos hemos esforzado en estudiar a todos los contendientes de la peor guerra de nuestra historia. Pero mi gran amor el cine tiene tendencia a olvidarse de plasmar a uno de ellos con otro enfoque diferente al de demonios no humanos. Podéis decir, hemos visto películas sobre Hitler, o sobre la plana mayor nazi... pero yo pregunto ¿cuantas has visto sobre ciudadanos alemanes, nazis o no, que traten este tema? Esta serie plantea una nueva visión, una visión que desde mi punto de vista era necesaria plasmar de una vez en el celuloide o la televisión. Por lo tanto, yo veo esa humanización, pero veo también otros enfoques de las mismas historias a las que estamos acostumbrados. Nuevos enfoques que nos ayudan a entender un poco mejor la sociedad alemana de la guerra y las relaciones que podían formarse durante la misma. Así, pese a hablar de ficción, la serie nos hace referencia a un término que cuando hablamos del bando perdedor, quizás por el miedo a admitir una terrible realidad que a todos acompaña, siempre olvidamos. Ese término no es personaje, es persona.

Como fan de la saga he de decir que la película está llena de errores respecto al cómic... pero tíos, la peli es la leche!! Kenneth Branagh, un director al que admiro desde que vi hace 6 años Hamlet, consigue una película redonda sobre este dios del trueno de Marvel. Momentos graciosos, momentos de referencias para los nostálgicos como el cameo que siempre hace Stan Lee en sus películas (os reto a encontrarle)... La historia a mí personalmente me recuerda a la estética de las obras de teatro del gran William Shakespeare, esa familia real de sabiduría, problemas y traición... no se em ocurre nadie mejor que Kenneth Branagh para llevarla a cabo.

Recomiendo esta película sin dudarlo, eso sí, no os esperés un película redonda. Es una película comercial en todos los sentidos, pero se deja ver, es muy amena, gusta y no te deja indiferente.

PD: ver la escena postcréditos

Increible obra de Kenneth Branagh sobre una de las obras maestras de Shakespeare. La realización es más que correcta, llega a ser sublime en muchos momentos.

Otro detalle es la estética teatral, siendo muy fiel a la obra y usando escenarios muy parecidos, como es el caso de que la mayor parte de la acción transcurre en el salón del palacio al igual que en la obra de teatro (algo debido a lo dificil que es cambiar los escenarios dentro de la función).

El elenco de actores es muy conocido, resaltando el pequeño papel de Robin Williams. La interpretación de Kenneth Branagh es verdaderamente sublime. El monólogo es verdaderamente creible. Personalmente uno de los mejores momentos es cuando Hamlet empieza a hacerse pasar por loco, algo que Kenneth Branagh muestra a la perfección.

En resumen, y siempre resaltando que es mi opinión, es una película redonda que no deja indiferente a nadie, y que, a pesar de su duración y de ser una obra muy conocida, no deja que el espectador pueda ni bostezar.

Iván el Terrible es una película en dos partes sobre Iván IV de Rusia dirigida por Sergéi Eisenstein. La primera parte se estrenó en 1944 pero la segunda parte no se pudo estrenar hasta 1958 debido a la censura política. En principio debía ser una trilogía, pero Eisenstein murió antes de terminar el rodaje de la última parte.

Nos encontramos ante una obra grandiosa en todos los sentidos cinematográficos, que en términos de estilo visual y logros formales resulta insuperable. La sublime y milimétrica puesta en escena permite a Eisenstein mostrar su portentosa capacidad expresionista, sólo comparable con la de Orson Welles.

Respecto a la imagen, lo primero que debemos comentar es la cámara. La cámara apenas se mueve, es decir, no hay casi travelling, y la acción fluye a través de un magnífico montaje como es de esperar en la obra de Eisenstein, alguien que revolucionó el mundo del montaje de películas.

El film está lleno de planos antológicos, destacando el uso de primeros y primerísimos planos, donde las miradas juegan un papel fundamental y que le ayudan a transmitir una mayor expresividad sin necesidad de palabras. Uno de estos que impacta bastante al espectador es el primer plano de Iván de perfil con un fondo de nieve con personas marchando en hilera sobre él o en la coronación la mirada que Iván hecha de reojo sobre los Boyardos dando a entender que él ya sospecha de ellos.

El juego de sombras también es muy impactante para mostrar la soledad del zar o su poder. Una escena clave es la sombra en la pared de Iván cuando decide ayudar a Isabel de Inglaterra, que mientras dice: “Así se mostrará el poder del zar”, en la imagen vemos la sombra de este se proyecta sobre la pared del fondo junto a la sombra de una esfera armilar, como si fuera el soberano del mundo.

Respecto a la interpretación, volvemos a ver una interpretación exagerada por parte de los actores, en especial de Nikolai Cerkassov, el zar Iván, al que también recordaremos por la película también de Eisenstein Alexander Nevski (1938). Si comparamos las dos actuaciones de este mismo actor en las dos películas, encontramos una mayor expresividad en esta segunda con quizás demasiada exageración en algunos momentos como cuando levanta el puñal con el emisario de Kazán. Posiblemente este hecho se deba a una influencia del teatro chino y del Kabuki japonés.

Una mención especial se merece la fotografía de Eduard Tissé y Andrei Moskvin.
Por último, una mención especial se merecen la banda sonora compuesta por Sergéi Prokófiev, habitual de Eisenstein; y el sonido ambiente que crean ambientes impactantes junto con la banda sonora como es el sonido de las campanas.

La historia transmite la tradición japonesa pero con una estructura narrativa muy parecida al western norteamericano. Trata de infundir valores como la valentía, la dignidad, buscando el bien del grupo por encima del individual.

Durante toda la película, la atención del espectador se mantiene gracias a la presencia latente del enemigo, que está ausente pero al acecho. Este fondo se alterna con las líneas narrativas paralelas que incumben a los campesinos: la búsqueda de los samuráis, la preparación defensiva de los campesinos en su lucha, las estrategias de defensa, la introspección en algunos personajes a raíz de algunos hechos, etc.

Los civiles se muestran más bien reticentes en lo relativo a la lucha, y sólo les mueve el deseo de poder seguir con sus vidas. Llegan incluso a plantearse la guerra por miedo a que los guerreros les arrebaten a sus mujeres e hijas. Sin embargo, los samuráis parecen actuar más bien por la lucha contra el mal, la lucha por el honor, aunque desde el principio algunos no aceptaran el trabajo por la escasa remuneración.

En lo que refiere a la técnica, me llama la atención el ritmo externo de una de las primeras escenas, en la que los campesinos lloran por la presión de los bandidos. Aquí el montaje es muy acelerado de repente y seguidamente parece volverse más calmado y regular. Resulta chocante.

El lenguaje visual está más próximo al occidental que al soviético. Sin embargo hay algo personal: un ritmo muy lento en la narración. En la escena en que un secuestrador captura un niño y se esconde en el granero, no se cuenta de la manera en que estamos acostumbrados.

La imagen y la música son más elocuentes que los propios diálogos. La música contribuye notablemente a acentuar los momentos de más tensión y viceversa. Está muy compenetrada y correspondida en el desarrollo de la historia. Se ve una mímica, un modo de gesticular en algunos personajes que se encuentra también en los dibujos animados japoneses, posiblemente producto de una tradición teatral.

Kurosawa se ha convertido en un símbolo de la cinematografía japonesa con películas como esta. En este caso, Los siete samuráis, ha sido un “ejemplo a seguir”, prueba de ello es la película Los siete magníficos, esa versión en western de la película de Kurosawa con un ritmo más rápido como dicta el cine Hollywoodiense. Así como esa clásica presentación de personajes uno a uno y que nos enseña como son cada uno, aunque luego se irá descubriendo como son completamente según avance la película.

En resumen, la película es una auténtica obra maestra, que, aunque es cierto que se puede hacer algo pesada debido al lento ritmo de su trama, consigue atraer al espectador. Desde el punto de vista técnico es una maravilla visual que refleja perfectamente el cine y la tradición japonesa, términos que en este cine van de la mano, y la obra de uno de los grandes directores de la cinematografía de este país, Akira Kurosawa.