Debut en la dirección de Emilio Aragón, conocido cómico, músico, showman y empresario miembro de una ilustre familia de payasos (en el buen y digno sentido de la palabra), con una película escrita también por él (así como la banda sonora) ambientada en los últimos compases de la Guerra Civil (1936-1939) y los primeros tiempos de la dura posguerra.
El resultado es un film aceptable, con personajes bien construidos, más o menos bien ambientado y dotado de una cierta sensibilidad, que transmite a ratos al espectador, pero con deficiencias en el guión y en la caracterización de esos mismos personajes y en la historia que cuenta, así como lastrada por el clásico maniqueísmo de casi todos los largometrajes españoles sobre nuestra guerra civil más reciente, donde quienes ya sabemos son buenos buenísimos sin excepción, en contraposición a "los otros" que también sabemos quienes son.

Nominada a dos Premios Goya, sorprende su alta nota en Filmaffinity (7,1), pues la coloca a la altura de, por ejemplo, dos películas españolas con la misma cifra pero superiores (desde mi punto de vista), como son "El crack" (1981) y "El crimen de Cuenca" (1979), y por encima de otras con peor calificación y mayor calidad (siempre desde mi punto de vista) como la excelente "La venganza" (1958), "Mi querida señorita" (1971), "Patrimonio Nacional" (1981) o "La buena nueva" (2008), ésta sobre la Guerra Civil también. Y son sólo algunos ejemplos.

La película se sustenta sobre todo en la pareja protagonista, quizá mejor Lluís Homar, muy creíble en su papel de cómico homosexual, pues Imanol Arias aunque solvente parece en muchas ocasiones Antonio Alcántara (me temo que ha quedado encasillado para siempre, me cago en la leche); pero los dos son de lo mejor junto a Carmen Machi e incluso el niño, Roger Príncep, quien pese a que es muy cargante tiene cierta gracia. Por contra, y aquí vuelvo a lo del maniqueísmo, el personaje del falangista encarnado por Diego Martín es ridículo, y recuerda a cómo pinta a los fascistas Bertolucci en "Novecento".

Pese al giro "Operación Walkiria" totalmente fuera de lugar, el tono evocador-sentimental-kitsch no se abandona en toda la película, y es evidente que Aragón homenajea a toda su familia de titiriteros, no en vano aparece su padre, el entrañable "Miliki" con un pequeño pero importante (y forzado) papel, y en el cual vemos ya su evidente deterioro físico (enfermo, fallecería sólo dos años después).

Aun con este poco honesto toque emotivo, que ahonda en todo lo anterior igualmente sensiblero (y para más inri la cargante música la recarga de sentimentalismo, valga la redundancia) la película ni transmite con la fuerza necesaria, ni se eleva como debería hacerlo.

En 2004 Woody Allen se alejó por una vez de su querida Nueva York y filmó una película en la capital de Inglaterra, rodeándose de varias estrellas jóvenes y otras veteranas, dando como resultado "Match Point", una de esas películas que fascina extrañamente desde el primer momento y que a cada visionado incluso mejora, descubriéndose nuevos aspectos.

El director estadounidense teje una historia acerca de la lucha de clases y el ascenso social, la sinceridad, la culpa, la verdadera pasión, el amor y la suerte (tan arbitraria y demencial ésta, con la metáfora genial de la pelota de tenis dando en la red), dando como resultado una película hipnótica y redonda.

A destacar:

- El interés por la historia, pues te identificas totalmente con el humilde pero ambicioso tenista Chris Wilton (Rhys Meyers).
- Las actuaciones de los principales actores, tanto la del malogrado Rhys Meyers, verídico en su obsesión e infierno interior, como la de Matthew Goode como "niño bien con la vida resuelta" de una acaudalada familia inglesa y Emily Mortimer como su hermana, inocente y entregada, o la de Brian Cox y Penelope Whilton, como sus padres, forrados, elitistas y envidiables. Pero sobre todo destaca Scarlett Johansson, quien con 20 años realizó una de las 2 o 3 mejores interpretaciones de su carrera, y está realmente sexy, arrebatadora y compulsiva en su papel de "mujer fatal" norteamericana e insegura. Ella se hace con la película.
- El magnífico guión del propio Allen, con unos diálogos repletos de calidad y abundantes en dobles sentidos, ambigüedades y referencias intelectuales, pero también de sarcasmo y humor.
- La fotografía y en general la imagen, que atrae poderosamente con sus tonos pastel. Aunque está ambientada en nuestros días, por temática, personajes y ciertos escenarios bien puede pasar por una película sobre los años 1900-1914, tipo "Una habitación con vistas". Esa atemporalidad es beneficiosa.
- La banda sonora, más bien la maravillosa música que acompaña y enmarca tanta calidad y distinción, y Allen no decepciona y sólo tira genialmente de un repertorio de óperas de Verdi, Rossini o Donizetti interpretadas en su mayoría por Enrico Caruso (1873-1921), por lo que esa sensación de "Belle Époque" de acentúa, a la par que lo hace la intensidad dramática.
- El crescendo del último tramo y el soberbio final.

En definitiva, toda una obra maestra.

"El mundo perdido" es una de esas películas que a cada visionado pierde cada vez más, y como secuela, en particular, es de ese tipo de que palidece frente a la primera entrega. Recuerdo que al igual que "Jurassic Park", la vi en el cine, y no me decepcionó, si bien las sensaciones fueron ya agridulces. Van pasando los años y, mientras he seguido idolatrando a la primera, he ido rebajando a la segunda.

El punto de partida no está mal y el comienzo es bueno (con algunas viejas caras de "Parque Jurásico") si bien pronto el guión brilla por su ausencia; todo intenta imitar a la primera pero haciéndolo más espectacular y ostentoso; por otra parte se da una escabrosa combinación de humor y sádicas muertes; la trama se infla innecesariamente con demasiada palabrería científica y abundancia de personajes y éstos son la mayoría estridentes e insoportables, en especial la odiosa niña negra (qué sería de Spielberg sin sus niños y su protagonismo) y el de Julianne Moore, también cargante. Con decir que el "loco" de la primera, Ian Malcolm (Jeff Goldblum) ahora es el más sensato y sereno...

Los dinosaurios son ciertamente espectaculares y contiene unas cuantas escenas meritorias y sorprendentes para ser 1996, pero la impresión ya no es la misma. Se introduce algún matiz interesante, como el ecologismo y el papel del hombre, pero todo se diluye. Luego, la duración: la película apenas tiene 9 minutos más que "Jurassic Park" y sin embargo parecen muchos más, pues se hace bastante más larga que la predecesora.

Siempre digo que, para mí, la mejor época de Spielberg comprende 1975-1993 y que alcanzó su techo en ese último año con "Parque Jurásico" y "La lista de Schindler", y que a partir de entonces de entre sus muchas películas, sólo 3 son verdaderamente grandes (aún no he visto "Lincoln"). En "El mundo perdido" ya empezaba a caer en los vicios de George Lucas y en los que luego caería Peter Jackson: grandilocuencia, secuencias chicle estiradas al límite, que todos veamos lo buenos que son los efectos digitales, etc.

En definitiva, y visto en perspectiva, una secuela necesaria si se quería asombrar y recaudar dinero (eran los 90 y las secuelas millonarias se hacían como churros) y así fue, pero totalmente innecesaria si se quería preservar la magia de una película única que a partir de entonces formaría una trilogía, con una tercera parte en 2001 aún peor...según parece, la "cuarta", recién estrenada y no dirigida por Spielberg, no desentona. Pero aunque la vea y me guste, incluso más que "El mundo perdido", me seguiré quedando con la "Parque Jurásico" de 1993 y las impresiones y sensaciones transmitidas y lo que supuso para mí.

"Entrelobos" es una de esas películas basadas en una historia real, y en este caso esa historia resulta tan sorprendente, dura y maravillosa que resultaba óptima para una adaptación cinematográfica, además de hacer justicia al protagonista.
Pues Marcos Rodríguez Pantoja (nacido en 1946) es todo un "niño salvaje". Este cordobés fue vendido a los 7 años por su padre a un cabrero que vivía en Sierra Morena, y cuando éste muere, se encuentra completamente solo en ese agreste territorio, rodeado de animales y naturaleza, y debe luchar y adaptarse para sobrevivir. Viviendo como un Tarzán o un Mowgli ibérico permanecerá 12 años hasta que en 1965 es apresado por la Guardia Civil. Más de una década sin más compañía que los lobos, los conejos y los pájaros y se había asalvajado hasta tal punto de costarle mucho reintegrarse en la sociedad humana, llamando la atención de antropólogos y estudiosos.

La extraordinaria historia de Marcos vertida en la pantalla da como resultado una película hermosa, cálida, preciosista y emotiva, con varios mensajes, entre ellos el de la llamada y el respeto de la naturaleza, lo maravilloso de la especie animal y todo lo que el ser humano tiene que seguir aprendiendo de ella, o la capacidad del ser humano para adaptarse a diversos ambientes (aunque podría hacerse un debate sobre la vuelta no tan traumática del hombre a sus orígenes), todo ello extrapolable a unos tiempos tan tecnológicos y tan violentos contra el ecosistema como los nuestros. También se dan unas interesantes pinceladas sobre la sociedad del campo andaluz durante buena parte del siglo XX y la importancia del maquis durante el franquismo.

Todo lo dicho en el anterior párrafo es muy de valorar, y constituyen los puntos fuertes de la película, así como la bella fotografía de Óscar Durán, tan detallista y ambiental que pareces estar junto a los animales y en plena naturaleza, o el esfuerzo de producción por rodar con lobos, aves y roedores reales, hermosos y únicos, notándose el esmero y la implicación; no siempre se hacen películas que harían llorar de verdad a Félix Rodríguez de la Fuente. También es un punto fuerte la interpretación de los actores principales, sobre todo el Marcos niño (Manuel Camacho, nominado al Goya, quien con sus ojos lo dice todo) ya que Juan José Ballesta (como Marcos joven) sale menos; mención especial para el gran Sancho Gracia, a quien ya se le notaba que estaba gravemente enfermo, si bien estuvo al pie del cañón casi hasta su último año. Su actuación como el pastor es intensa y emotiva, veraz.

Los puntos débiles están en su falta de ritmo palpable en ciertos segmentos de la película, así como que la fuerza de la misma a veces recae más en los animales que en el propio Marcos; además, la parte final es precipitada.

Con todo, es una muy estimable y esforzada película recomendable para antropólogos, amantes de la naturaleza, aquellos a los que interesa la llamada de lo salvaje o sienten curiosidad por de dónde venimos, o simples curiosos que quieran acercarse a la impresionante historia de Marcos Rodríguez Pantoja, el niño salvaje de Sierra Morena.

Si de algo sirven estos "remakes" es para confirmar que no se deben hacer. ¿Son realmente necesarias nuevas versiones de películas clásicas y/o visionarias?

Pues no, y menos en nuestros posmodernos tiempos. Este "Desafío Total" de 2012 es un potaje de difícil digestión, mezcla de "Blade Runner", "1984", "Minority Report" y unas cuantas más, aderezadas con algunos guiños a la bizarra joya original del año 1990 de Paul Verhoeven. Vale que ésta no es de las mejores películas de la historia, pero sí es bastante más esmerada, más entrañable, más emocionante, más fascinante y más entretenida que la de Wiseman. Realmente parece una versión actualizada/copia de "Blade Runner", con ese ambiente oscurecido y lluvioso y el predominio de lo asiático. El interesante trasfondo político y social insinuado se diluye enseguida con tanto ruido y efectos especiales generados por ordenador, mareantes.

Y los actores...Colin Farrell actúa peor que Schwarzenegger y tiene la misma cara toda la película. Jessica Biel compite en inexpresividad y músculos con él. Kate Beckinsale, muy mona, sí, pero sigue encasillada en "Underworld". Bill Nighy sale 2 minutos y Bryan Cranston queda lejos del Cohaagen original. Se echa de menos, aparte de a Arnie, a Michael Ironside, a Sharon Stone, a la que hacía de Melina y por supuesto a Kuato.

Posiblemente en nuestros tiempos tan informatizados, una película que abuse de ello no impresiona tanto, por eso, la de 1990 sigue siendo tan entrañable, porque la mayor parte de efectos especiales eran máquinas y decorados reales, y el futuro que mostraba era más fascinante y verídico que el de este remake. Pero es que también había más humor, interés y emoción en el guión. Por no hablar de la mítica banda sonora de Jerry Goldsmith.

Esta versión de 2012, aparte de hastío, me ha provocado unas ganas enormes de volver a ver por enésima vez la de 1990.