Su director nos propone un juego de terror en el que combina lo que más podemos temer, el paso del tiempo, la enfermedad, y finalmente la muerte, un sueño convertido en pesadilla. El film es un reloj de arena que se mueve de manera vertiginosa, que te deja atrapado, hipnotizado sin poder escapar como el ángel exterminador de Buñuel. Propuesta muy interesante y realizada de manera brillante en el que la cámara se mueve de forma precisa, con gran aportación a la narración de la trama. La colocación de los personajes en cada secuencia, incluso cuando se añaden extras, es pura delicia. Colores de gran viveza, como no podía ser de otra forma en un maravilloso día de playa y buen manejo de la luz. Técnicamente, está a un gran nivel en el que el sonido juega un papel muy importante. En alguna ocasión se desvanece, pero no hasta el punto de sacarte de la historia, buen ritmo en general.

Pero… Como ocurre en la vida misma, generalmente, lo bonito está en el comienzo y lo malo en el final. Y en este metraje, tratando sobre la existencia vital no podía ocurrir de otra manera, comienza y se desarrolla muy bien, pero ha quedado muy mal rematada, un final para olvidar. Menos mal que el tiempo lo cura todo.

El tiempo es una metáfora de sí mismo, la fina arena de la playa que se escapa entre los dedos que solo se puede detener volviendo al principio, jugando a ser un niño.

Cuando lo secundario se vuelve capital. Entre otras, hay tres maneras fundamentales de acercarse al mundo de la interpretación que son el exhibicionismo, la megalomanía o el simple amor al arte. Su director desnuda a los secundarios en esta trama, tres actores en ciernes que luchan por perseguir un sueño, una quimera que cuanto más la desean más se les aleja, mostrando sus inseguridades, su lucha, su afán para finalmente irlos vistiendo de pasión, humanidad y dignidad.

Comedia dramática de lo real, donde lo difícil es reír frente al rechazo. No es una comedia de carcajada al uso, sino que es de las que te dibuja una sonrisa casi permanente que difícilmente podrás borrar durante su ajustada duración. Puro meta-cine que ubica de forma metafórica y precisa, gracias a su guion ingenioso y perfectamente armado, a cada uno de los personajes del metraje en relación con las distintas disciplinas dentro de las ciencias cinematográficas, espectador incluido, dando de paso algún que otro capón de monja.

Producción extraordinaria no solo en su realización, ya que con medios austeros obtiene un gran resultado, sino también por la originalidad su propuesta. Como se diría en el argot boxístico, libra por libra “Los Secundarios” no tiene rival.

Y me justifico. Esta parte es más densa (bonus track):
Su estilo es clásico en su montaje, dinámico con buen ritmo, mediante la utilización de planos secuencia de media duración combinados de vez en cuando con algún que otro contraplano, usando planos de perfil para marcar la distancia física y vital entre los personajes. Los encuadres se ajustan de forma férrea a sus intérpretes, transmitiendo que son incapaces de escapar a una realidad que les atrapa. El casting (todos secundarios ;), en general, tiene unas actuaciones más que acertadas y en particular significar la de Helena Lanza, que está pletórica. En el apartado artístico, el inventarse un aeropuerto con cuatro luces y dos chapas de metal es algo formidable y genial, digno de alabar, dando por buena la expresión de que el dinero determina el talento, no se malinterprete, menos dinero exige un mayor talento y en esta producción hay a raudales de lo segundo. Colores y tonos vivos para no estropear la parte cómica y solo se cierra el diafragma en contadas ocasiones para pausas reflexivas o más íntimas de los personajes. Buena y acertada banda sonora que aporta frescura y ritmo. El ojo más observador también encontrará recompensa en pequeños gags o guiños.

Los Secundarios evidencian, una vez más, que no es Hollywood todo lo que reluce.

Del director Denis Villeneuve, que adapta el guion de la novela del escritor Frank Herbert, en esta primera parte pone de relieve el choque de civilizaciones y culturas en su lucha por la explotación de recursos naturales geopolíticos básicos. En esta ocasión, el liderazgo encabezado por un adolescente en pleno camino de iniciación, va a ser ostentado por la raza de tez clara (casualidad). Viéndose el resto de las razas (de tez no tan clara) relegadas a esta debido a su “inferioridad” cultural y tecnológica, en oposición a un ente malvado que ostenta el máximo poder y que lo ejerce con tiranía y despotismo.
Arrakis que es el planeta objeto de la disputa (que recuerda inexorablemente a Afganistán, o cualquiera de sus países vecinos, en su historia a lo largo del último siglo), es una visión distópica del planeta tierra en un futuro lejano en el que la lucha por el ecologismo ha fracasado (no tan lejano ni tan distópico).

Con una puesta en escena y dirección artística mezcla de entre Juego de Tronos y de The Mandalorian que se queda a medio camino, transcurre de forma lenta, pesada e incluso tediosa en ocasiones. Apoyada por una banda sonora de la que se abusa y llega a resultar machacona, sobre todo cuando se integra en escenas de diálogos, pretende realzar la épica de la atmósfera, pero que consigue su efecto contrario. Resaltar, eso sí, la magnífica cinemática, efectos especiales y de sonido que es donde se encuentra el punto fuerte de esta producción y por lo que será más que probable que se lleve el Óscar en este apartado.
Por lo que respecta al lenguaje cinematográfico, cine lo que se dice CINE más bien muestra poco. Aunque tiene un buen tratamiento de la luz, el ritmo, el montaje, el tono y color no consiguen transmitir. Carente de alma, se muestra vacía y yerma como la arena de su universo, quedando reducida a un fuego de artificio que no transciende más allá de la explosión del último de sus cohetes de colores. Con respecto a la parte actoral, se muestra hierática, sin capacidad de transmitir, con el freno de mano echado.

Obra de tintes supremacistas con evocación clara al conflicto conocido como Guerra Fría. Esperemos y deseemos que el Sr. Villeneuve tenga mayor suerte y tino con la segunda entrega y que no sea, junto a Blade Runner, dos, las obras de culto que haya desertizado.

No es habitual que en una producción participen componentes de una misma familia, sin embargo, no es una anomalía, ya que hay más de un par de decenas de ejemplos de este fenómeno. En esta ocasión son tres los coincidentes, dos delante de la cámara, Charlotte Gainsbourg y su hijo Ben Attal, y otro no menos conocido detrás, dirigiendo a ambos, Yvan Attal.

`Les Choses Humaines´, en su título original, quizás este mas apropiado, está guionizada a partir de la obra literaria del mismo título escrita por Karine Tuil. Desgraciadamente, este libro no está editado en castellano, al menos yo no lo he encontrado, y sumado a mi insuficiente nivel en la lengua francesa para poder degustarlo, no voy a poder repartir méritos entre guionista y obra original, es decir, si se trata de un libro de fácil adaptación cinematográfica por su redacción estructural. Me atrevería a pensar que sí, a tenor del resultado obtenido. Sea como fuere, me atrevería así mismo a aseverar que, como suele ser habitual y por razones evidentes, el papel supere por mucho al celuloide.

El planteamiento;
Acto primero: Chico conoce chica.
Acto segundo: Chica denuncia por violación.
Acto tercero: La Justicia pide cuentas al chico.
Acto cuarto: Cada espectador se lo lleva a su casa.

Si bien el planteamiento es muy simple, la cosa se complica y mucho en su desarrollo. El director rompe la cuarta pared y reparte entre los espectadores togas negras para investirlos como jueces del pleito, aportando, además de las pruebas de cargo y de descargo, toda suerte de testimonios fundamentales para fallar en un sentido o en otro sobre el caso que ocupa. No solo se deberá dictar sentencia sobre el hecho en sí, sino que también se juzgará, entre otros, al machismo, al feminismo, al clasismo, a la sexualidad, a la educación, al poder, a la propia administración de la justicia, en definitiva a los fundamentos de una heterogénea sociedad.

Al estilo de clásicos como `La Pasión de Juana de Arco (1928)´, `12 Hombres sin Piedad (1957)´, `¿Vencedores o vencidos? (1961)´ o `Matar a un Ruiseñor (1962)´ entre otros, se fundamenta en un juicio de valor moral o mejor dicho, ¿a partir de que punto lo inmoral pasa o debe pasar a ser punible penalmente?, y como estandarizar esa norma consensuadamente. No es fácil.

Muy buena, notable, a pesar incluso de su larga duración. Lo que más me ha gustado de ella es el acto cuarto, de hecho lo que más me gusta del buen cine es ese cuarto acto, que no todas lo incluyen.

Saludos,


P.D. Sin duda, mejor en su versión original (las actuaciones no se desdibujan), aunque sea apoyándose en los subtítulos, como es mi caso.

Producción española capitaneada por Isaki Lacuesta, basada en el autobiográfico libro de Ramón González, ‘Paz, amor y death metal’, en la que durante sus casi dos horas de duración se personifica en las espaldas de dos jóvenes, un español (Ramón) y su pareja francesa, la tragedia más irracional y absoluta a consecuencia de un acto de igual irracionalidad cometido por el hombre, creado a imagen y semejanza del Demonio, que es la acción terrorista. Más concretamente, pone el foco en los hechos acontecidos en la sala Bataclán en el París de aquel funesto viernes 13 de 2015.


Esa mirada se mantiene fija en el análisis desde el estricto punto de vista de la víctima/s, pasando por alto cualquier variable ajena a este parámetro, señalando únicamente el ‘cuándo’ y el ‘dónde’. Por otra parte, se obvia deliberadamente el ‘quién’ y el ‘por qué’, pues nada aportaría al enfoque pretendido y a su vez pretendiendo con ello darle un carácter, un sentido más universal con el que entender tragedias, desde el estricto punto de vista marcado, de dimensión similar con un distinto ‘cuándo’, ‘dónde’, ‘quién’ y ‘por qué’.


Un evento de estas características lleva ineludiblemente asociadas una serie de preguntas que puedan llegar a dar una certera explicación de lo ocurrido, sus causas y sus consecuencias. En este caso, como ya dijimos, se centrará únicamente en bucear en las consecuencias en el ámbito personal e íntimo. Dicho hecho traumático provoca un inexorable duelo que lleva implícito una serie de preguntas asociadas, así mismo a, una serie de procesos que definiera Klüber-Ross, en la teoría a la que da su nombre, que se divide en 5 etapas: 1. Negación; 2. Enfado; 3. Negociación; 4. Tristeza; 5. Aceptación. El director conforme avanza el metraje va poniendo de relieve cada una de ellas y en su orden, pero sin duda alguna la que mejor tratada y retratada, y que, por otra parte, más nos va a marcar, es la última de ellas, la desoladora aceptación, último y primer paso necesario para el comienzo del proceso de superación.


En el aspecto más prosaico nos encontramos con una producción bien tratada en el aspecto fotográfico, donde el punto fuerte se encuentra en el buen manejo del plano detalle, junto con el excelente trabajo de montaje que le otorga la fluidez y la ralentización necesaria a demanda para ir creando las atmósferas requeridas. Destacar así mismo el bautismo actoral dramático de ficción, del músico Antón Álvarez Alfaro, conocido por ‘C. Tangana’ que regala una más que correcta actuación.


Se trata de una mirada profunda, lejos de maniqueísmos, estereotipos y sensiblería, que destila verdad por cada poro de cada fotograma. Se presentan unas vidas rotas, fragmentadas en múltiples piezas, en un relato igualmente fragmentado, que se tendrá que recomponer como si se tratara de armar un puzzle.

Un saludo,