Esta película es una de las más representativas de este director y de visión obligada para aquel cinéfilo que quiera conocer a Fellini y su mundo particular. Si en “Fellini, ocho y medio” nos introduce en sus recuerdos, su infancia, su juventud y en su madurez; aquí nos lleva a su particular visión de las mujeres y en concreto a su mujer de siempre: a Giulietta Masina. Pero si todos estos aspectos biográficos ya son interesantes de por sí, la forma de narrar marca un punto importantísimo, no solo en su cinematografía, sino en el cine en general.
El argumento es simple, una mujer descubre que su marido le engaña, pero es en los pensamientos y sueños de esa mujer donde se centra la película y eso le permite a Fellini una plasticidad asombrosa utilizando decorados, vestuarios y colores. En el caso concreto del color es curioso como utiliza el blanco para describir el mundo real de Giulietta y el rojo cuando se trata de los espíritus de la protagonista.
La cámara toma protagonismo, como el psicólogo que ayuda a Giulietta a descubrirse a sí misma, desde el mismo arranque de la película y la va siguiendo, rodeando, mirándola en definitiva muy lentamente, con mucho mimo. A ella responde Giulietta Masina con una soberbia interpretación. Fellini utiliza una gran cantidad de estímulos sensoriales para que el espectador se sitúe en su mundo delirante. No dudará de utilizar una vez más el mundo del circo.
La música de Nino Rota, que tantas veces ha compuesto para este director, va acompañando y en algún momento protagonizando la acción.
En definitiva, película de visón obligada. Aunque yo aconsejaría a aquellos que quieran conocer a Fellini que empiecen por una de sus películas del neorrealismo, por ejemplo “La Strada” pasando después al mundo surrealista ce “Ocho y medio” continuando después con “Giulietta…” para terminar en la que es para mi su obra maestra, “Amarcord”.

Francisco quiere cumplir un sueño, que es hacer famosos a sus hijos con la música. Su mujer le acompañará en la consecución de ese sueño desde la realidad. Dos formas de buscar lo mismo y en esa búsqueda conoceremos la realidad de un país, Brasil, con el paso de los tiempos en que los hijos de Francisco van creciendo y la fachada de la casa cambia. ¡Que bién se deja ver! ¡Como se engancha uno a la historia! No hacen falta actores famosos para componer una película casi coral. Como los sueños tiene su parte de ilusión y como la realidad su parte de drama. Bien combinadas esas partes, no te hace llorar, pero de vez en cuando se te anuda la garganta. Y aprovechando que los muchachos van cantando iremos conociendo distintos aspectos de Brasil. Hay que verla.

Si esta película se hubiera realizado al principio de los años 80, hoy estaríamos ante una película valiente que trata el tema del fascismo militar y religioso, en una historia cargada de tensión sexual. Pero en el 2008, después de tantas películas sobre la guerra civil española y la posguerra, esta no aporta nada nuevo. Bueno, si aporta un excelente trabajo de Maribel Verdú que salva la película y Javier Cámara en un momento sublime: cuando lee la noticia del periódico y se derrumba apoyando en el espejo sus manos que le tapan la cara. Además es muy maniquea, los malos muy malos (los curas) y los buenos muy buenos (los profesores de Literatura) y vaya forma de meter con calzador a Pemán frente a Antonio Machado. Yo siempre insisto en que las imágenes tienen que ir contando la historia y aquí la fidelidad a una novela hace que guión tenga demasiadas frases que leidas quedan bien pero en plano – contraplano se hacen pesadas. Y la historia de la hija con el poeta comunista, y los avatares de su huida a Portugal, está muy mal contada. Y que forzada queda la música. ¿A quién se le ocurriría poner esa música en el final de la capilla? Uno espera que en cualquier momento salgan “Los niños del coro” y se lleven a Raúl Arévalo al altar. A la película se le ha hecho muy buena promoción y no responde para nada a las perspectivas que levanta. Lo siento por José Luís Cuerda que hasta ahora me gustaba.

Muy al estilo Nicholas Ray cuando ha realizado una película con absoluta libertad el arranque es impactante con los planos del arponeo de un oso blanco sobre un fondo de nieve y hielo absolutamente blancos. Utilizando hermosísimos paisajes naturales árticos que para el momento de realización supo perfectamente combinar con planos de estudio Ray nos plantea una historia de un inocente esquimal salvaje. Esta historia está incluida en una especie de documental sobre el espacio ártico, sus animales, y muy especialmente el hombre que en origen ocupaba estas tierras. De forma magistral el director nos presenta las relaciones entre el hombre salvaje y la naturaleza, así como las relaciones humanas entre los miembros de ese grupo que se llaman a sí mismos “los hombres”. Pero esto está planteado como una historia dramática y empieza el verdadero drama cuando la civilización entra en el mundo de “los hombres”. Primero mediante las armas, después el alcohol y cuando intenta introducirse la religión es cuando se producirá el inicio del auténtico drama. De una forma increíble, Ray nos atrapa primero en un mundo ideal para conducirnos de forma inexorable al mundo dramático. Las relaciones entre Inuk, el salvaje inocente magníficamente interpretado por Anthony Quinn, con la civilización personificada en el policía que interpreta Peter O'Toole, conducirán a un enfrentamiento en la forma de entender la vida. Pero Ray es un hombre civilizado y al final, un final sorprendente, tomará postura. Hacer notar un relato en off absurdo que se introduce de vez en cuando en el relato cinematográfico innecesariamente, a no ser que se pretenda moralizar pues esta voz nos informa que para los esquimales “reír” con una mujer es casarse, para ver a continuación que “reír” es tener relaciones sexuales. Alrededor de este tema se producen momentos muy divertidos durante toda la película. Según declaraciones del propio director esta es su mejor película, no para mi, pero sin duda imprescindible para los que nos gusta el cine.

Un jinete sobre su caballo en lo alto de un monte. Mira a la izquierda y ve venir por el valle a cuatro jinetes cabalgando por el río. Mira a la derecha y ve venir a otros cuatro jinetes cabalgando por un desfiladero. Al final, los dos grupos se juntan con el primer jinete. Si yo les preguntara quien rodó esa escena, entre unos pocos directores, casi seguro que me contestarían: “John Ford”. Pues no, fue Jack Ford, nacido como John Martin Aloysius Feeney, más conocido como Jack Feeney, o entre los amigos del instituto como “Toro” Feeney, estrella de fútbol americano de los Pórtland High Bulldogs en su ciudad natal, y que más tarde adoptaría el nombre que se ha hecho mítico en el mundo del cine: John Ford. En 1917 rodó siete películas con Harry Carey como protagonista, cinco largometrajes y dos cortos, con un sueldo de 35 dólares a la semana, mientras el protagonista cobraba 150. Durante todos estos años Ford trabajó con conciencia de que las películas que hacía eran básicamente obra de él mismo, y por eso realizaba la mayoría de las veces una sola toma para que después, en los estudios, se vieran obligados a montar las películas como él las había concebido. Esta es, sin duda, una de esas obras suyas de experimentación, y prueba de ello es que abandona los paisajes del oeste, deja los “saloones”, y traslada buena parte de la acción a los salones y terrazas de un gran hotel en Nueva York. Experimenta hasta llegar a introducir una escena de los amigos del protagonista galopando por el centro de Nueva York (en realidad esta escena fue rodada en el centro de Los Ángeles). En general John Ford es conocido por su introspección humana en el mundo del oeste, pero tiene siempre ciertos golpes de humor con sus personajes, y buena muestra de ello es la escena de “Bucking Broadway” en la que Cheyenne Harry, el protagonista, es pillado por una vieja puritana cambiándose los pantalones detrás de un mostrador. Por lo demás, no faltan escenas de rodeo y la que podría ser su firma: el encuadre de un personaje en una puerta con un paisaje exterior.