Maravillosa producción seriada, de Netflix, bellamente fotografiada, que funcionando como un “road trip” da vueltas sobre sí misma para atrapar y no dejar escapar a su protagonista, una joven talentosa, de la miseria que la envuelve. Muestra la lucha frente a la desesperación en la que siempre se abre una puerta frente a otra que se cierra y otra se cierra al pretender abrir una tercera, un puzzle imposible de resolver en que cualquier decisión tomada será la desacertada. Interpretada magistralmente, hace difícil decantarse por decidir cuál de los personajes ha sido el mejor retratado, sus actores destilan talento por cada poro. Significar los recursos técnicos narrativos utilizados con maestría que dejan al desnudo cada una de las emociones plasmadas.

Dramática exposición de lo cruel que puede llegar a ser la realidad y las personas que la rodean, de la individualidad enfermiza de esta sociedad en la que nadie, o casi nadie, da algo a cambio de nada. Crítica al cinismo que nos envuelve y nos arropa como un ángel protector, que permite que nos miremos al espejo sin sentir náuseas.

Dicen los expertos en psicología que limpiar y ordenar nuestro entorno da a la mente tranquilidad y sosiego, justo lo contrario de lo que pretende, “La asistenta”. Aunque, quizás, no esté basada en un hecho real concreto, es un hecho que cada uno de los personajes descritos y situaciones narradas, por gracia y por desgracia, son de lo más cotidiano en esta sociedad nuestra. Esta obra cuenta una historia universal que bien podría encajar en un género, edad, país, y entorno social distinto, cuenta la dureza de la supervivencia y las barreras que son necesarias atravesar para no caer en el intento.

Maid es el viaje vital de una joven timonel que se ve lastrada por tres anclas que la aferran al pasado, su expareja, sus progenitores y los roles individualistas, machistas y burocráticos de la sociedad e impulsada por una única vela, su hija, que le empuja hacia el futuro, hacia la autorrealización y liberación.

Muy buena serie, aunque más correcto sería describirla y calificarla como una muy buena pieza de cine seriado.

Si no recuerdo mal, esta es la segunda serie que reseño en estos foros, ya que habitualmente no suelo pasar del segundo episodio en la mayor parte de las series que he visto. Con esta ha ocurrido una excepción.

Habitualmente y por distintas razones, si en una producción de cine nos encontramos con un riesgo más que controlado respecto a la apuesta en la experimentación y exploración de nuevas ideas, en las series o cine seriado este control se eleva exponencialmente. Encomendando su viabilidad a la infalibilidad de los santos algoritmos que todo lo saben respecto al retorno económico de la apuesta.
Después de haber visionado y disfrutado de los seis capítulos de esta serie de H.B.O., encargada al comediante y creador canadiense Nathan Fielder, me pregunto si acaso se les ha roto la maquinita en la productora para haber dado luz verde a este proyecto, ya que a priori no parece una serie que vaya a llegar y a gustar al gran público.

La propuesta es, sin duda arriesgada, un tipo que ayuda a personas en la toma de decisiones vitales, simulando, con la ayuda de enormes recursos tanto humanos como materiales, las distintas situaciones que el sujeto se pueda encontrar para explorar todas ellas e ir aislando todos los errores y fallos posibles para alcanzar la acción acertada. Suena raro, a locura, ¿verdad?, sin duda lo es, una maravillosa locura donde el protagonista, su creador, jugando a ser Dios, quedará atrapado en su propia simulación y tendrá que lidiar con daños colaterales replanteándose sus fundamentos éticos y morales.

En su clasificación me queda la duda de si se trata de una comedia cínicamente surrealista o de una comedia surrealistamente cínica. Por lo que la calificaré como una comedia existencialista digna, heredera de “El Show de Thruman (1998)”, con la diferencia de que en este caso los sujetos son conscientes de que se encuentran en una simulación (casi todos, casi todas las veces).

Rodada al estilo de falso documental, llevando el “docureality” a otro nivel, no escatimando en recursos como ya se ha dicho, nos encontramos con unos actores (niños incluidos) de un nivel sobrecogedor que imprimen una naturalidad y realismo a sus trabajos que durante la proyección se llega dudar si se está ante una ficción o un documental al uso.
Obra inteligentísima que va más allá de una simple comedia, riéndose de todo y de todos, se convierte en un completo tratado filosófico fundamental.

Muchas y variadas son las interpretaciones en relación con el simbolismo de la araña, ya sea, en el plano teológico, en el psicoanalítico, en el metafísico, en el mitológico, en el de los sueños… Su concepción, así mismo, varía ostensiblemente dependiendo de la cultura desde la que se defina. Sin embargo, hay una característica común a todas ellas: La araña es símbolo inequívoco de la trampa y del engaño. Mary Howitt, hace ya casi dos siglos, aprovechó su figura y puso de relieve su simbolismo en el poema “La araña y la mosca”. A la postre inspiraría, entre otros, y particularmente en el género musical, a “The Rolling Stones” o a “The Cure” en los temas “The spyder and the fly” y “Lullaby”, respectivamente.


El director Ali Abbasi, recordado por el relato fantástico, protagonizado por unos "trolls", plasmado en “The Border”, esta vez, cambiando de género, le da una vuelta a lo anteriormente expuesto y lo adapta a unos hechos ocurridos no lejos de su ciudad natal en Irán. En esta ocasión, la araña no toma forma de poema ni de canción, sino, de monstruo. Uno muy real que mediante el engaño atrapó a más de una decena de mujeres en su red mortal. Mandato divino aseguraba la araña, despreciable vil monstruo asevera el que se encuentre medio cuerdo.


Construida en tres actos, se destacarían el primero y el último frente al intermedio en el que desgraciadamente se “enmaraña” un tanto. Impecable presentación y perfilación de los personajes con la utilización de apenas unas pinceladas, que deriva en un thriller muy al estilo y al gusto del consumo occidental, para rematar con un fenomenal y revelador final. Para contextualizar y aportar profundidad, no solo se retrata a la araña, también se plasma su ecosistema del cual se alimenta, para que podamos entender la idiosincrasia del arácnido. Esto último, quizás, le haya resultado más fácil a su director, al poseer doble pasaporte y residir, desde hace ya un par de décadas, fuera de esa realidad. Por otra parte, tampoco se ceba sacando trapos sucios. No más de los ya conocidos o que se puedan intuir.


Cuando algo o alguien incomoda, hay dos simples caminos, afrentarlo o ignorarlo. Es un hecho que la imagen de la mujer incomoda en el oriente próximo, entre otros lugares. Ante la disyuntiva se toma como solución la segunda opción, ignorarla, ocultarla, invisibilizarla. Para lo que se utiliza, entre otras estrategias, el pañuelo o velo. Cuando un problema se cubre con un pañuelo, este parece, al menos a ojos y razonamiento de una cultura hipócrita, no existir. Abbasi hábilmente nos hace ver que el velo, es el elemento de control y sometimiento tan dañino que llega a matar. El velo es la tela de la araña.


Relato que muestra las miserias de una sociedad, y las de un justiciero excombatiente, de un “Taxidriver” a la inversa, de un "Buffalo Bill" sin hilo ni aguja, que recorre las calles en su moto para impregnarlas de su mal. Un hombre-araña que no es capaz de escapar a su propia trampa, a su propio engaño.


Saludos a quiquetex.

Estrenada hace ya unos tres meses en España, esta producción Noruega estampada con el sello de calidad de Zentropa (productora fundada por Lars Von Trier) ha pasado un tanto desapercibida, debido posiblemente a la saturación en la extensa oferta de la que disfrutamos. Por segunda vez, el guionista de, entre otras, “La Peor Persona del Mundo (2021)”, Eskil Vogt, se coloca a los mandos detrás de la cámara, como ya hiciera allá por el 2013 con “Blind”.


Mezcla de géneros, clasificar esta cinta no está carente de cierta complejidad, ya que es difícil encontrar referencias filmográficas que se asemejen. Quizás una referencia en cuanto a la forma podría ser la clásica “El pueblo de los Malditos (1960)” que John Carpenter reeditaría en 1995. Atendiendo al fondo, quizás otra referencia podría ser la también nórdica “Déjame Entrar (2008)”, o incluso tangencialmente en tanto a la representación de la maldad absoluta, la también clásica “La Profecía (1976)”. Sea como fuere, este relato de género preeminentemente fantástico, no siendo su única lectura, podría estar firmado por el mismísimo Richard Bachman.


Rodada con mucho cariño, pulida al último detalle, con una excepcional fotografía que saca petróleo de su minimalista y “brutalista” escenario (unos bloques residenciales), y con un sentido del ritmo digno del mejor director de orquesta, consigue que fluya con fuerza durante las casi 2 horas de duración. Mención especial para su cuarteto actoral infantil que con el apoyo del director realizan un trabajo increíble, de frotarse los ojos, sobre todo la autista en la ficción Alva Brynsmo Ramstad.


Tengo que reconocer que el género denominado de fantasía no se encuentra entre mis preferidos, sin embargo, tengo igualmente que reconocer que esta película me ha gustado, es muy buena.


Pretendidamente, no hago sinopsis de la misma, así resultará más “fantástica” para el que no sepa de ella y se anime a “fantasearla”. ;-)

… Y mucho, pero también te va a hacer reír, reflexionar, concienciar, empatizar y aprender.

Vengo a recomendaros esta cojonuda serie británica codirigida por Lucy Forbes, (que a su vez codirigió la también cojonuda `In my skin´), basada en el best seller homónimo y autobiográfico de Adam Kay que a la postre se encarga de la adaptación del guion.

Un médico especialista en obstetricia de la sanidad pública londinense que pasa por serias dificultades en su entorno laboral, personal y familiar que pone de relieve, ayudándose de sus respectivos alter ego, las carencias vitales sufridas como persona, como componente familiar y como componente social.
Comedia de inconfundible toque inglés, sarcástica, ácida, cínica que te va pateando hasta conseguir sacarte la carcajada, en ocasiones con situaciones inverosímiles que paradójicamente la hacen tan real.
Crítica social que denuncia y retrata sus demonios (cinismo, clasismo, racismo, violencia) a través de las vivencias de su protagonista en el hospital público, carente de los suficientes recursos tanto personales como materiales, en el que trabaja, donde es, al igual que sus compañeros, explotado.

Cada uno de sus siete capítulos, de unos 45 minutos de duración, discurren de forma ágil y fresca gracias a un espléndido guion que va acentuando sus compases.

En definitiva, un drama social que bien podría firmar Ken Loach, regada de cinismo y mala leche.

Saludos,

Casi se me pasa reseñar el magnífico trabajo actoral, no solo del siempre hipnótico Ben Whishaw - `El perfume (2006)´, así como la estupenda selección de temas musicales.