¿Qué pasaría si el líder del mundo libre estuviese en peligro? ¿Y si fuese la pieza clave de un plan que pretende provocar la tercera Guerra Mundial? Todos conocemos la supuesta existencia de ese “botón rojo” en el despacho oval del presidente estadounidense que podría desatar el infierno en la tierra, en este caso, ‘Asalto al poder’ se apropia de ese temor hacia un mito y construye a su alrededor una película contradictoriamente mediante la destrucción de multitud de monumentos y edificios simbólicos de la democracia más longeva del mundo.

‘Asalto al poder’ es un buen thriller de acción palomitero que presenta una hipótesis catastrofista, la química entre su dúo protagonista y el saber hacer de los actores secundarios como argumentación principal ante el jurado que representa el público. Por su parte, el fiscal defensor podría alegar que es patriótica hasta el hastío y tiene momentos que pueden ser tomados con buen humor o como una prepotencia heredera de la exacerbada vigilancia de su propio ombligo que tiene todo aquello manufacturado en EEUU (véase la escena de Foxx calzándose unas Jordan para afrontar el resto de la película).

Así, desde el primer minuto somos testigos de excepción de todos los protocolos de seguridad llevados a cabo en “uno de los edificios más inexpugnables de la Tierra”. Cierto es, que la línea que separa realidad y ficción se torna difusa y el espectador debe dejar de preguntarse hasta que punto puede ser verdad o no lo que esté viendo y simplemente disfrutar de 130 minutos de entretenimiento, peleas, disparos y explosiones que llevan al ritmo del film en volandas.

De esta manera, el oscarizado Jamie Foxx y uno de los actores del momento, Channing Tatum, se encuentran además acompañados por unos secundarios de lujo con James Woods (‘Érase una vez en América’) y Richard Jenkins (‘The visitor’) a la vanguardia.

Por otro lado, hasta Sandro Rey podría adivinar que si había un director que debía dirigir esta película ese es Roland Emmerich, realizador de otros metrajes como ‘El día de mañana’, ‘Godzilla’ e ‘Independence Day’ (a la que cita de forma cómica). En definitiva, una eminencia con un doctorado en cataclismos globales y con los efectos especiales escalofriantemente efectivos como su sello personal.

No obstante, ‘Asalto al poder’ es una oda con la que se pretende vanagloriar la figura del presidente Barack Obama (que curiosamente aparece con otro nombre) y al patriotismo (otro tema tratado por Emmerich en un film anterior, ‘El patriota’). En conclusión, la íntegra obra teatral está prevista para que en todos los actos quede la bandera norteamericana hondeando por encima del resto ocultando la carga ideológica en un envoltorio que promueve el esparcimiento del espectador.

Slow West es un western dramático con toques puntuales de comedia negra basado en la famosa región del Oeste estadounidense en el siglo XIX. El debutante director (y ex músico) John Maclean aprovecha el lienzo mental del espectador sobre el despiadado y salvaje Oeste para transmitir una reflexión contraria, apoyada en la moraleja final sobre el “vivir no es sólo sobrevivir”, el compañerismo entre los dos protagonistas y las postales paisajísticas, que actúan a modo de vidrios en una iglesia representando bella y gráficamente cada pasaje del filme.

El largometraje es un harapiento comensal de cantina, que a pesar de los prejuicios que tengamos acerca de su cochambrosa apariencia, nos desliza bajo la mesa un mensaje gentil y agradable, una servilleta con trazos de una filosofía acogedora. Por su parte, ante la ausencia de grandes nombres en el reparto, un Michael Fassbender a medio gas actúa como reclamo para los carroñeros espectadores que se abaten sobre él sin piedad.

Maclean logra que el arquetípico matojo rodante del Oeste no se pasee ni un instante por escena. A pesar de su título, Slow West no se hace ardua, pues alterna pausas con acelerones ofreciendo una visión final de un Oeste en hibernación contemplativa pero con un mortífero (aunque breve) despertar de su letargo.

"Por ti, iría hasta los campos dorados de San Francisco y te traería tu peso en oro". Cientos de veces hemos escuchado las lisonjeras frases de un galán medieval cortejando a una damisela que se presenta inalcanzable. Pero pocas hemos visto contada esta historia como en Stardust (2007), una comedia romántica aventurera que se sale humorísticamente de los márgenes de la encuadernación antigua del cuento arquetípico.

El director Matthew Vaughn probablemente sea uno de los más regulares en su filmografía. Debutó en 2004 con los que en la actualidad serían unos padrinos de excepción (Tom Hardy y Daniel Craig) en Layer Cake. Recientemente, ha estrenado con sorprendente éxito en crítica y público Kingsman: Servicio secreto (junto a Colin Firth) y antes venía de revitalizar la saga X-Men y ejecutar la Kick-ass original, parodia negra y de culto sobre superhéroes que dejó el listón demasiado alto para su secuela. En Stardust, Vaughn toma como premisa la novela de Neil Gaiman llevándola a la gran pantalla con una estética visual cuidada con vaho y frote de camiseta, unos personajes irreverentes (destacando la gran aparición de Robert De Niro, además de la encantadora pareja formada por Charlie Cox y Claire Danes, mucho más sonriente previa a su interpretación de la agobiante y obsesiva protagonista de Homeland) y ese toque de humor inglés que diferencia al filme del resto de largometrajes. Y es que Stardust es un eructo de fish and chips del narrador en mitad de un cuento épico sobre princesas y dragones. Una mofa que busca constantemente el giro cómico de unos acontecimientos tan contrariamente rígidos de las sociedades medievales.

Stardust se confirma como un filme entretenido, con esa peculiar apariencia steampunk (subgénero artístico basado en mezclar normalmente fantasía con tecnologías de vapor encuadrados en la época victoriana) que la hace más atractiva que otras opciones relacionadas como Caballeros, princesas y otras bestias (su rudeza es proporcional a su ausencia de gracia).

El séptimo arte es contexto. Incluso los filmes que tratan ingenuamente de retratar una época futura, son el testimonio y la visión de alguien enmarcado en un tiempo muy concreto. Por eso las películas son como un marco digital de fotogramas al pasado y largometrajes como Spare Parts (Sean McNamara, 2015) son producto de esa evolución de los tiempos y la contextualización.

Hemos dejado muy atrás los rancios westerns demonizando a los de piel bronceada. E incluso las típicas películas Disney dirigidas a un público infantil sobre un niño imperturbablemente norteamericano que peleaba contra las inclemencias para construir su coche de carreras y ganar la competición automovilística del distrito. Ahora las grandes productoras estadounidenses como Lionsgate (en cooperación sorprendente con la mexicana Televisa) son conscientes de la realidad que le rodea. Y así fue como Spare Parts fue concebida. La película trata sobre el drama de la inmigración en EEUU otorgando además un papel importante a esos habitantes de habla hispana que en su creciente mayoría tienen el poder incluso de provocar la mudanza de senadores a la Casa Blanca (el caso Obama). Su director lo hace además con un habilidoso juego de manos, alternando y equilibrando el drama con situaciones cómicas y un ambiente más liviano para el espectador.

Spare Parts es como un zumo. La mayor parte de su composición es drama (apuntalado además por el hecho de ser una historia basada en hechos reales) pero también otorga un porcentaje importante a la pulpa cómica. El resultado es una crítica social suavizada hacia la implacable burocratización que amenaza todo talento por el simple hecho de ser humanos pero no tener un papel que "lo certifique" pero también un filme inspirador. Ahora el niño norteamericano con pecas y peinado con la raya al lado son unos adolescentes "menos perfectos" estéticamente que pelean por sus sueños pero en un contexto donde el daño es real y no hay balas de fogueo. Incluso en la mayor oscuridad siempre hay un fino y valeroso rayo de luz que se escapa por una rendija a ritmo de la BSO de La Gran Evasión.

‘El mayordomo’ es un potente drama basado en hechos reales, una visión retrospectiva de las últimas décadas de historia estadounidense desde la perspectiva única que ofrece el mayordomo que estuvo en la Casa Blanca durante el mandato de 8 presidentes, siendo testigo de las decisiones políticas y en su mayor medida raciales, que afectaban directamente a su propia familia y condición.

Lee Daniels consigue alternar de manera inteligente ambos relatos, el racismo y la igualdad se juegan instantáneamente en dos lugares: en los impecables y burocráticos despachos de la Casa Blanca y en las despiadadas calles atestadas de protestantes y represión.

Cierto es, que la historia es demasiado redonda y consigue aglutinar todos los clichés bajo su causa para redactar su crítica social (la explotación de los campos de algodón, el hijo que se alista para combatir en Vietnam, el otro hijo idealista que pelea por la igualdad y un futuro mejor…) de alguna forma la narración intenta cubrirlo todo, pero el esfuerzo no nos resulta avaro, sino encomiable.

El carrusel de intérpretes conocidos (Oprah Winfrey, John Cusack, Robin Williams...)es otro detalle a destacar, pero todos deben rendirse a la modesta y humilde sobriedad de un gran Forrest Whitaker, que desde el reposo y las sombras consigue más que un estallido de violencia y el grito revolucionario que le antecede haciendo referencia a esa resistencia pacífica que promulgaron grandes pensadores y activistas como Mahatma Gandhi y Martin Luther King Jr.

No obstante, Daniels no compró acciones de Kleenex antes de su estreno, porque su intención central no es conmover al espectador desde el primer instante a pesar de su duro comienzo, el realizador procura ser lo más objetivo posible mostrando una realidad social, las lágrimas son opcionales y a elegir por el propio espectador.

En resumen, ‘El mayordomo’ parte siendo la típica película que los profesores de Historia recomiendan a sus alumnos cuando llegan al temario de la discriminación racial en EEUU pero llega a ser algo más.