*Codicia y caos

Alimañas nos presenta a dos hermanos, Carlos y Paco, interpretados por Carlos Areces y Jordi Sánchez respectivamente, cuyas personalidades opuestas convergen en la ambición común de heredar un valioso edificio de su anciana madre. Este edificio se convierte en su última esperanza para escapar de sus precarias situaciones económicas.

*Dirección estándar con destacadas interpretaciones

La dirección de Jordi Sánchez y Pep Antón Gómez se ajusta a los estándares del género de comedia negra, sin innovar visualmente pero manteniendo a la audiencia entretenida. Sin embargo, lo que realmente resalta en Alimañas es el reparto en su conjunto. Carlos Areces y Sánchez aportan matices interesantes a sus personajes y su química en pantalla es palpable, convirtiendo la dinámica entre los hermanos en uno de los puntos fuertes de la película.

Un homenaje a "La Comunidad" con su propio toque de absurdez
Alimañas a veces recuerda a La Comunidad, una película española icónica que exploró temas similares. Sin embargo, mientras que La Comunidad presentaba una sensación de claustrofobia, Alimañas se siente más desquiciada y absurda, lo que le otorga un carácter distintivo.

*Guion ingenioso con un toque de ligereza

El guion es una parte potente de Alimañas, con diálogos ingeniosos y situaciones cada vez más absurdas que impulsan la trama. Aunque la comedia negra y la crítica social están hábilmente entrelazadas, la película a veces se siente un poco ligera, careciendo de una exploración más profunda de los personajes y sus motivaciones.

Cinematografía que refuerza el caos
La cinematografía aporta dinamismo a la película, con momentos visuales que refuerzan la sensación de desorden y caos. Las escenas en el edificio en disputa son particularmente efectivas, manteniendo la atención del espectador.

*Conclusión

En conclusión, Alimañas es una comedia negra que aborda temas de codicia y ambición con una dosis de humor absurdo. Aunque podría haber profundizado más en su crítica social y desarrollo de personajes, la película entretiene y hace reír al público, ofreciendo una experiencia cinematográfica que resalta por su dinamismo y sus destacadas interpretaciones.

Escrito por Pablo Veiga Carpintero

*La adolescencia en la España rural

En la actualidad están surgiendo numerosas directoras cuyas óperas primas tratan de plasmar la forma de ver la vida de los adolescentes a través de las vivencias de sus protagonistas. Tenemos ejemplos como ‘Libertad’ de Clara Roquet (2021) o ‘La inocencia’ Lucía Alemany (2019), dos grandes obras que cuentan, en clave intimista, los problemas a los que se enfrentan las adolescentes hoy día.

Sonia Méndez ha tomado la decisión de acercarse a las nuevas generaciones a través de un thriller dramático con tintes intimistas y contemplativos. Una conjugación de elementos que no acaba encajando del todo, ya que la simpleza de su trama inicial, no ayuda a que sus personajes consigan expresar sus emociones de forma adecuada. Cae en la redundancia formal y temática, provocando que el espectador esté deseando, en todo momento, que finalice la historia para descubrir el final.


El único momento en el que brilla la dirección y podemos observar una radiografía fiel de los protagonistas, es durante la fiesta del inicio de la película. Filmar una fiesta es algo muy complicado, pero Sonia Méndez consigue mostrar la forma de comunicarse y de concebir la fiesta por parte de los adolescentes de la España rural, donde la vida cada vez difiere menos de la de la ciudad por la globalización y la interconexión, a pesar de estarse incrementando la desconexión entre los seres humanos.

*La naturaleza en el centro

La dirección de producción es lo mejor que tiene As neves. La complejidad de grabar durante un temporal de nieve y mantener el mismo raccord durante todo el rodaje, así como, la búsqueda de localizaciones espectaculares que muestren poco a poco el clima tensional de lo que está sucediendo en la historia, es algo muy destacable. La naturaleza es un elemento que no se puede domar y, sin embargo, parece que en esta obra lo han logrado.

Cabe señalar que, a pesar del esfuerzo realizado por el equipo, las imágenes contemplativas de los paisajes no logran generar el efecto buscado, acaban entorpeciendo un thriller al que le falta algo de ritmo. Este tipo de imágenes cuadrarían más en obras de temática similar y con vocación simbolista como ‘La maternal’ de Pilar Palomero (2022). Conseguimos apreciar la belleza de las mismas, pero no las disfrutamos por el tempo en el que son situadas, no es cuestión de montaje, sino de dirección.

*Conclusión

Se agradece que en As neves Sonia Méndez se atreva a innovar con propuestas de género y climáticas. No logra convencer con este thriller bastante descafeinado, que se centra en mostrar la vida de una generación desconectada que lucha por solventar problemas como la desigualdad o la sexualidad, pero que no consigue desarrollarse personalmente en una sociedad cada vez más exigente.

Las imágenes del entorno rural son muy sugerentes, pero quizá no lo suficientemente atractivas como para considerarla una obra destacable. Es una ópera prima algo fallida, pero que demuestra que detrás hay una gran autora con ganas de contar historias y de mostrar al mundo entornos con conflictividades distintas a lo hegemónico.

Escrito por Santiago Varela Antúnez

*Una inmersión profunda en la huella del franquismo

La voz del sol, bajo la dirección de Carol Polakoff, nos ofrece una narrativa rica y emotiva que explora el exilio y el impacto del franquismo en la vida de sus protagonistas, Maruja y Manolo. La trama conmueve y lleva al espectador en un viaje de reflexión sobre el pasado y la necesidad de confrontarlo. El viaje de Maruja a España añade un elemento de tensión y resolución que agrega capas de complejidad a la historia.

*Actuaciones emocionalmente cargadas que resaltan la profundidad de los personajes

Las excepcionales actuaciones de Carmen Machi y Karra Elejalde capturan la riqueza emocional de sus personajes. La autenticidad y la potencia de su conexión en pantalla agregan un nivel adicional de profundidad a la historia. Además, Alicia Lobo brilla en su papel, contribuyendo al impacto general de la película.

*Dirección sólida que prioriza la exploración profunda de los personajes

Aunque algunos puedan encontrar el ritmo lento de La voz del sol un desafío, la dirección de Carol Polakoff es sólida y permite una exploración más profunda de los personajes y sus historias. Este enfoque pausado enriquece la experiencia cinematográfica al sumergir al espectador en las complejidades emocionales de los protagonistas.

*Diseño de producción y cinematografía que transportan a la década de 1950

El diseño de producción logra una representación convincente de la época, sumergiendo al espectador en la década de 1950. La voz del sol no depende de efectos especiales llamativos, lo cual es apropiado para su enfoque en las relaciones humanas y las emociones. La partitura emotiva y la cinematografía adecuada complementan eficazmente la narrativa, ayudando a transmitir la atmósfera y la emoción de la historia.

*Conclusión

En conclusión, La voz del sol es una película que, a pesar de su ritmo pausado, ofrece una experiencia cinematográfica emotiva y conmovedora. Las actuaciones excepcionales, junto con la exploración de temas profundos como el exilio y la redención, la convierten en una película que te deja reflexionando sobre la importancia de enfrentar el pasado y buscar la sanación. Es una obra que resalta la necesidad de confrontar nuestras historias personales y colectivas para encontrar la verdadera libertad y redención.

Escrito por Pablo Veiga Carpintero

*Una inmersión profunda en el pasado

Nina, dirigida por Andrea Jaurrieta, nos sumerge en la historia de Nina, una mujer que decide regresar al pueblo costero donde creció con una única intención: vengarse de Pedro, un escritor famoso al que el pueblo ahora rinde homenaje. Sin embargo, su viaje despierta recuerdos del pasado y la confronta con la posibilidad de que la venganza no sea la única salida. La película nos lleva a través de un viaje emocionalmente turbulento, explorando temas de dolor, perdón y redención en un entorno cargado de secretos y resentimientos.

*Actuación magistral de Patricia López Arnaiz

El punto más destacado de Nina es, sin duda, la actuación sobresaliente de Patricia López Arnaiz en el papel principal. Arnaiz cautiva al espectador con su interpretación visceral y emocionalmente intensa de Nina. Su habilidad para transmitir las complejidades emocionales del personaje es verdaderamente notable, convirtiendo a Nina en un ser profundamente humano y conmovedor. Cada mirada, cada gesto de Arnaiz está imbuido de una autenticidad que cautiva y conmueve, elevando la película a nuevas alturas emocionales.

*Una propuesta narrativa original y atractiva

La trama de Nina presenta una premisa intrigante: una mujer en busca de venganza en un entorno rural y aislado. Sin embargo, lo que realmente hace que la película destaque es su enfoque narrativo único y atractivo. Andrea Jaurrieta combina elementos de thriller psicológico y western moderno para crear una experiencia cinematográfica que es a la vez emocionante y reflexiva. La tensión aumenta gradualmente a medida que la historia se desarrolla, manteniendo al espectador completamente absorbido en el drama y la intriga.

*Un despliegue visual impresionante

La cinematografía de Nina es simplemente impresionante. Cada fotograma está cuidadosamente compuesto para resaltar la belleza y la brutalidad del paisaje costero. Los tonos oscuros y sombríos crean una atmósfera de tensión y misterio que se suma a la narrativa emocionalmente cargada de la película. Los planos amplios y las tomas íntimas nos sumergen por completo en el mundo de Nina, permitiéndonos experimentar cada momento junto a ella de manera visceral y poderosa.

*Conclusión

En última instancia, Nina es mucho más que una historia de venganza. Es una reflexión profunda sobre el dolor, el perdón y la redención. A través del viaje de Nina, la película nos invita a examinar nuestras propias heridas emocionales y a considerar la posibilidad de dejar ir el pasado para abrazar un futuro más luminoso. Es una obra cinematográfica poderosa y conmovedora que dejará una impresión duradera en todos los que la experimenten.

Escrito por Pablo Veiga Carpintero

*Un enfoque distinto

Ya lo dijo en su momento el propio Wes Ball, director de El Reino del Planeta de los Simios, que se priorizaría en todo momento trabajar bien en el guion y el resto de aspectos importantes de la producción. Más que nada por ser una de las grandes marcas de la propiedad. Los grandes resultados requieren de paciencia, y tenía toda la razón. Esta primera película del nuevo comienzo es prueba de ello, que lo bueno ha de cocerse a fuego lento. Es la experiencia de los últimos años, sobre todo lo hemos visto en Marvel y sus agotadas fases, que correr no sirve para más que desperdiciar recursos, tiempo y enormes cantidades de dinero.

Es decir, que el presupuesto no es lo más relevante, incluso aunque estemos hablando de una apuesta tan requerida de efectos especiales. Este es el enfoque distinto del plan renovación de la franquicia, y parece que ha ido bien. Es obvio que debe juntar grandes dosis de acción y un apartado visual lo más pulido posible, e incluso hay ciertos aspectos de serie con los que uno puede tragar, como el asunto de la extensión. ¡Cuándo dejarán de producir películas de más de dos horas!

Respecto al primer pilar, cumple con creces en los momentos propicios, con luchas y combates que enriquecen la eterna guerra por la dominación de la tierra. Si hablamos de los exteriores, los efectos especiales y todo lo que va en este sentido, es imposible no quedarse boquiabierto. Incluso diría que la sensacional recreación post-apocalíptica de este mundo alternativo solventa en gran medida el inconveniente de estar mirando a la pantalla 145 minutos de tu vida. ¡Demasiado tiempo! Casi tres horas nada menos, aunque he de romper una lanza a su favor diciendo que es un tiempo bien invertido. Cansa, porque física y psicológicamente es inevitable, pero literalmente te pierdes, en el buen sentido, maravillado con lo que ves, entre acero oxidado, caballos y flora en abundancia.

*La historia en el centro

Es decir, lo menos importante de todo lo relevante de El Reino del Planeta de los Simios está asegurado. El objetivo, y sigo con lo de Wes Ball, siempre fue dar peso a la historia, a lo que verdaderamente trasciende. Sí, estamos hablando de un relato contado cientos de veces, que además se incluye en un conjunto inverosímil como es la guerra por la supervivencia entre la especie humana y su pseudocreación peluda. Pero es crucial dotar a la ficción de poso, al menos de vez en cuando, es posible. Los guionistas de esta nueva entrega lo han hecho muy convincentemente. Tanto que el mismo César, auténtico corazón de esta movida, estaría contento con su legado.

Estamos ante una narración de digno recorrido, y por ende gran potencial para seguir desarrollando. ¡Tiene alma! Y qué difícil es verlo en este tipo de géneros. La corteza es la misma, una metáfora incesante sobre sangre, poder y sometimiento a lo diferente, esa lección que ya recibimos y tristemente sigue afectándonos en 2024. Claro, somos humanos y no aprendemos del todo. Personas y simios representan lo mismo, ambas caras de la misma moneda, para lo bueno y para lo malo.

Y en esta travesía a dos y cuatro patas, entre vuelos de águila y escaladas de montañas, se transpira también lo peor de lo peor, la parte más oscura, la que refiere a la corrupción, la ambición desmedida y los planes endiosados. Ahora, la contraparte que llena el espíritu aparece con más fuerza. Porque siempre es así, con un tamaño más reducido, casi rebuscándolo, pero irrumpiendo para cambiarlo todo. También vemos una historia sobre familia, sentido de pertenencia y lazos inquebrantables, se respira mucho sacrificio, perdón y reconciliación, y hay compasión a raudales.

Y esto es posible porque se ha pensado muy bien a la hora de escribir las páginas que determinarían esos 145 minutos de película. No solo se alegra uno de ver que la historia está muy bien conectada con la trilogía de César, con los valores que conlleva, sino que continúa a paso firme, seis años después, y los que quedan. Más que nada porque los personajes están muy bien definidos y desarrollados, y terminan cautivándote para hacerte uno más del clan. ¡Hay futuro amigos! Los simios nos lo prometen.

*Conclusión

Ya no hay Andy Serkis ni César, nos situamos 300 años más tarde y sus cenizas han dado paso a la leyenda. ¿Cómo será interpretada por los futuros simios y humanos? Solo has de reservar butaca para comprobarlo y de paso pasarlo muy bien. Una gran película para cualquier amante del cine. Imprescindible para los seguidores de la franquicia. El Reino del Planeta de los Simios será un éxito rotundo.

Escrito por Gabriel Sales