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España España · badajoz
Críticas de deivi
Ordenadas por:
95 críticas
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8
25 de diciembre de 2008
64 de 75 usuarios han encontrado esta crítica útil
Eastwood se fabrica en Gran Torino un papel a medida, una exacta replica de lo que su admirado/entregado fan quiere ver, todo un touchdown en cuerpo y alma, un golpe ganador de un rey imbatible.

Sorprende en su noble y desnuda mirada el vehículo elegido para su retirada interpretativa, una despedida triunfal que le ennoblece, una historia sencilla, despegada de excesos, cotidiana y mordazmente cautivadora. Gran Torino puede y debe verse como un film modélico, un copioso manjar para paladares selectos, una película que guarda en su sereno y adulto mensaje un bello relato de amistad, dolor, fe, redención, recuerdos y sentimientos, un alegato perspicaz contra el racismo y la difícil cohabitación entre culturas, otra (y van…) demostración de sabiduría de un viejo zorro que hoy por hoy se vuelve a posicionar como el último cineasta clásico en vida, algo que no le priva de seguir evolucionando en cada nuevo sacrificio cinematográfico, avanzando velozmente en su particular escala de valores, unas manos de artista que moldean una creación del todo milagrosa.

Clint Eastwood, en su genial encarnación de veterano de guerra gruñón y atormentado, divisa sentado desde su porche un vecindario multirracial, violento y desdibujado, con la amenaza constante de bandas callejeras y la desaparición de principios y valores, una sociedad muy bien radiografiada por el objetivo limpio de un director enfurecido con el mundo, una furia que se refleja sentida en la relación maestro/aprendiz del protagonista con el tímido Thao, un chico oriental que albergará esperanzas en el dolorido corazón de un hombre angustiado, un Kowalski que emprende su viaje final en solitario, sin el apoyo ni el cariño de una familia aterradora o el perdón definitivo de sus pecados en batalla.

El realizador de Sin perdón presenta insuperable doblete (El intercambio y Gran Torino) en su posible y merecida presencia en los próximos Oscar, unas candidaturas que podrían premiar por fin su intachable trabajo como actor, Gran Torino es su llave a la puerta del definitivo reconocimiento.

LO MEJOR: La cada vez más interesante faceta del Eastwood compositor, aquí atreviéndose incluso a cantar en la hermosa canción final. Todos los actores asiáticos, en especial los dos jóvenes hermanos. La fotografía de Tom Stern (virtuoso iluminador del maestro en sus siete últimas películas) y su falta de pretensiones.

LO PEOR: Falta desarrollo en algún que otro personaje secundario y huele (esta vez sí) a retirada definitiva de Clint frente a las cámaras.
deivi
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9
7 de enero de 2009
39 de 43 usuarios han encontrado esta crítica útil
Darren Aronofsky consolida poco a poco su innegable condición de autor prodigio dentro del actual cine americano, un cineasta salvaje con alma indie que realiza obras de notorio riesgo, películas experimentales y a contracorriente, un cine cada segundo más personal y tremebundo, así, sin parches ni excesos disecciona en The wrestler una reflexión triste y fulminante de un personaje que viene a engrosar dignamente todo el glosario bendito que el 7º arte ha dado y dará de los perdedores, un solitario que vaga sin rumbo hacia los infiernos, un Mickey Rourke que logra (papelón creado a su imagen y semejanza) esa fragilidad necesaria para raptar sentimientos y ganar fieles seguidores en su oscuro sacrificio interno.

El luchador se representa en arrebatadora catarsis emocional, puro terrorismo cinematográfico, una plegaria que Aronofsky inmortaliza en la piel de un guerrero agotado, un ritual de dolor y filosofía vital, una de las más directas confesiones sobre la propia existencia.

Randy “The Ram” no cicatrizará del todo sus heridas en la hermosa historia de amor, mimada por Aronofsky con romántica melancolía, con una madre stripper, papel que Marisa Tomei materializa en milagro, quedando ya muy lejos su polémico Oscar de manos de Jack Palance y demostrando una increíble madurez tanto física (luce una figura despampanante) como interpretativa, una mujer que verifica su buen gusto a la hora de elegir sus trabajos, ella junto a Rourke son la química que hace rodar esta magullada colección de lamentos. Un mártir (muy bueno el momento en que Cassidy le dice a Randy si ha visto o no La pasión de Cristo) que busca en el fin del abismo una familia perdida, una hija despechada por la ausencia de un padre en el tiempo, una paz que solo habitará en su dura profesión de batalla, de rugir en un cuadrilátero que no podrá dejar jamás. Aronofsky filma un trozo de vida con la naturalidad y fiereza de un drama TOTALMENTE RECOMENDABLE.

LO MEJOR: La curiosa y detallista ojeada al oficio del wrestling, el respeto y cariño entre compañeros de profesión. La colosal performance de Rourke, el otrora sex simbol de los 80 resucita en un acierto de cast inaudito. Marisa Tomei, de un atractivo cegador, el combate/discurso final, la relación triangular entre Randy, Cassidy y su hija Stephanie (Evan Rachel Wood, la dulce chica de Across the Universe) y la faceta de Darren Aronofsky como director/productor.

LO PEOR: Que las vivencias de los “loser” sean un redil común en el cine y que pueda tener ciertos ecos de Rocky Balboa, última y decente entrega de la famosa saga pugilística.
deivi
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6
5 de enero de 2009
56 de 78 usuarios han encontrado esta crítica útil
Eventualmente aparecen ante nuestros ojos pequeñas películas que casi sin avisar reavivan la esperanza en el cine moderno, estas pasan por denominarse crowd pleaser, agradables sorpresas que alimentan de forma natural al corazón de medio mundo dentro del insípido panorama cinematográfico. Danny Boyle, cineasta poco dado al encasillamiento, se resarce de su último y algo más ambicioso fracaso (Sunshine) para lograr una cinta simplemente extraordinaria.

Slumdog millionaire, obra que podría emparentarse con la modesta y poco conocida Millones, es una maravillosa odisea espacio- temporal que arropada de una bella historia de amor fecunda un dibujo desolador de una India tristemente hermosa y pobre, una ambigüedad que Boyle desempolva surcando en rítmico frenesí un mosaico audiovisual impresionante y vertiginoso, una joya que explosiona en su esplendorosa dirección multiángulos.

La entrañable historia de Jamal Malik, demuestra la fuerza constructiva de un texto imaginativo, fresco y original, una crónica duramente realista por las calles de Bombay, un honesto cuadro costumbrista salpicado de magia y ensueño. Nuestro protagonista será el millonario concursante de la versión hindú del célebre programa ¿Quieres ser millonario?, utilizado como escaparate para el reencuentro con su amada (Latika), una hermosa y ágil historia romántica que llevará al joven huérfano por situaciones de peligro, enfrentamientos y penurias en su búsqueda desesperada del verdadero amor. Slumdog Millionaire es una entusiasta delicia que dará mucho que hablar durante los próximos meses, una película que irradia vitalidad y desparpajo en cada rincón de su milagrosa existencia, todo un descubrimiento de fragancia exquisita, una verdadera experiencia de luz, color, transparencia y talentos.

LO MEJOR: El poderoso arranque y su emocionante desenlace, un círculo perfecto de maquinaria narrativa. La naturalidad y sencillez de todos sus intérpretes, la utilización de la música dentro del relato, la fotografía, la dirección de Boyle, los geniales títulos de créditos finales, un homenaje al mejor Bollywood. La cruda mirada a una India sufrida y descompensada. La poesía de su mensaje, la relación amor/odio de Jamal con su hermano Salim, la respetuosa representación de la infancia, el guiño a Los tres mosqueteros, TODO.

LO PEOR: Que la avalancha de premios conseguidos y los que quedan por venir (Oscars inclusive) le resten gramos de espontaneidad y frescura para ciertos sectores que se acerquen a ella con expectativas preestablecidas.
deivi
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10
15 de agosto de 2008
38 de 45 usuarios han encontrado esta crítica útil
Uno de los mejores trabajos de Todd Haynes(Velvet goldmine), cineasta tan atrevido como interesante, fue un intento(logrado) de volver a la esencia del cine melodramático, ese que se hacía tanto y tan bien en los años 50, ese que muchos llaman clásico, ese que Douglas Sirk realizó con tanto brio y fascinación en películas como Escrito sobre el viento o Solo el cielo lo sabe, ese cine que ya no se ve, el que se agarra al corazón y lo encoge en un puño, el cine de toda la vida.

Lejos del cielo puede y será tachada por muchos como un mero ejercício de estilo(que haberlo hailo y de que manera) y por otros como una copia mimética de los esquemas clásicos hollywoodienses, pero para un servidor la excelente y compacta composición que el señor Haynes lleva a cabo en el "filme" es digna del mayor de mis respetos, reconstruye el sueño americano, para poco después dilapidarlo en una bajada directa a los infiernos, consigue dar una LECCIÓN DE CINE y arrancar sentimientos enterrados, fabrica un PRODUCTO DE LUJO de una fascinación visual y sonora sorprendentes, hace gala de un dominio del encuadre, de puesta en escena para quitarse el sombrero, borda la narrativa como un maestro y no solo homenajea a los clásicos sino que supone un refuerzo tan necesario como urgente.

La película fluye con exquisita sobriedad, se sustenta en un mecanismo de relojería perfecto, la dureza del film contrasta con la fragilidad plástica y es que tratar temas tan grandes como xenofobia, homosexualidad, adulterio, machismo, rechazo, libertad, amor, odio, etc... no es tarea facil, pero si se cuenta con un trabajo tan equilibrado de ese portento llamado Julianne Moore el empeño puede ser mucho más llevadero y es que la actriz logra una de esas actuaciones memorables, de las mejores vistas en los últimos tiempos, un gesto, una mirada y está todo dicho.

Es por esto por lo que Lejos del cielo representa con dignidad lo mejor del cine contemporáneo, y demuestra como si se quiere se pueden hacer películas(casi) tan buenas como las de antes, obras imperecederas, dramas inmortales que emocionan hoy igual que hace décadas, grandes historias contadas con el arte y el poder de la imagen, CREACIÓN por encima de todo.

LO MEJOR: Hay tanto donde esconder que me pierdo, los actores, la esplendorosa partitura de Elmer Berstein, la fotografía de Ed Lachman, la escena del pañuelo, su final en la estación de trenes, que hermoso...todo!!!

LO PEOR: Nada, aunque el riesgo de que desgraciadamente su repercusión hoy día no sea la merecida, por tanto es necesario su reivindicación yo desde aqui lo puedo decir más alto pero..
deivi
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1
15 de febrero de 2009
37 de 44 usuarios han encontrado esta crítica útil
En un principio no me resultaba del todo chocante que Nispel y Bay se propusieran hacer el remake, o mejor dicho redux, de un film como Viernes 13, uno de los hits de género más cacareados de principios de los 80, una película que vista hoy pierde gran parte de su supuesta capacidad terrorífica y pone en entredicho sus escasas cualidades, por ello podría esperarse un mínimo afán de relectura, de actualización y mejora de aquella primera entrega de la famosa y duradera saga, una puesta a punto del slasher más descerebrado, una estrategia que visto los resultados nunca debió ni imaginarse.

Marcus Nispel parece haber dirigido este horrible engendro con los descartes de su anterior revisión de otro clásico del terror moderno, la muy superior La matanza de Texas, un producto bochornoso que utiliza a modo de remezcla las incontables secuelas del psicópata Jason para no menos que destruir la figura de uno de los personajes más icónicos del horror contemporáneo, un batiburrillo sin gracia que no puede sino contaminar al género con la desvergüenza de un producto que aprovecha la base argumental del primer Viernes 13 para no molestarse en contar nada, siendo más que una película una sucesión de sketchs, involuntariamente cómicos, en donde el pobre de Jason mata sin piedad a esos pobrecitos y siliconados jóvenes imbéciles que se atreven a pisar las cercanías del ilustre y mortal campamento de Crystal Lake para acabar despedazados por las manitas del marginado psicópata. Jason Voorhees es presentado aquí casi como un superhéroe que corre, salta y mata como si del mismísimo caballero oscuro se tratara, un planteamiento que cansa en su colección inagotable de clichés y esquemas repetitivos, no esperábamos originalidad pero sí, al menos, una pizca de entretenimiento.

Además Nispel viste con el clásico atuendo a nuestro celebre protagonista, mascara de Hockey inclusive, teniendo en cuenta que este no salía así hasta la tercera entrega de la franquicia, con la única excusa del mitómano abnegado, una secuela más que vuelve a poner en entredicho las escasas ideas de los cerebros hollywoodienses, un flaco favor al cine fantástico, al esquema ya agotado de asesinos en serie y al cine en particular, un gazpacho estrepitosamente malo.

LO MEJOR: Pues la verdad y por decir algo el alto contenido voltaico en cuanto a sexo y carne se refiere, destetes variados y silicona power para lo único potable de tan ínfimo subproducto y el larguísimo prologo, algo más de 20 minutos, en donde al menos no se llegan a las cotas de subnormalidad del resto del metraje.

LO PEOR: Todo lo demás, que no es poco y la caradura de vendernos esto como un revival de la inocente pero divertidísima reina de la casquería dirigida hace unos 30 años por Sean S. Cunningham, una obra maestra al lado de bodrios como este.

AUN PEOR: Que sus intenciones sean ahora destrozar la excelente y nada caduca Pesadilla en Elm Street del artesano Wes Craven, temblemos.
deivi
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