La única manera de salvar de la hoguera esta película es que sea interpretable de una manera cercana a la que se desarrolla en la zona de spoiler –a pesar de sus torpezas narrativas, sus muchos elementos más que predecibles, su falta de ritmo en el primer tercio hasta hacerla ciertamente aburrida, y la sombra alargada de un padre convertido en leyenda–, lo cual elevaría un punto por encima a la película situándola en el territorio de lo interesante y marcando un debut para Ishana Shyamalan más que destacable.

Después de ver la película y de leer a la prensa especializada, debo decir que necesito continuar en la zona spoiler.

Daniela Forever es la “versión 1.0 + 3.0” de un Nacho Vigalondo mucho más maduro y profundo de lo que hemos podido ver hasta el momento.

Una oda sintética al proceso creativo, a la creación de mundos imaginarios. En definitiva, al cine.

En esta reflexión sobre la pérdida y el duelo, Vigalondo saca toda su artillería imaginaria y nos habla del proceso de aceptación, de disfrutar el camino por encima del resultado. De las complejidades del ser humano, de la aceptación del otro, de la creación de historias conjuntas, de la toma de caminos opuestos, como sombras incoherentes. La luz en la noche y la noche en la luz. Alucinaciones sintéticas como un tiburón con pistola. Pura creatividad la de este Vigalondo desatado.

Avisadas estáis. El rey ha vuelto.

Una mirada atrás a un momento muy concreto en la contidanidad de una isla arrasada por la mafia.

Algunos ecos a 'As Bestas', donde también encontrarás escenas mucho más costumbristas y un lenguaje crudo que se expresa desde la primera secuencia donde vemos al grupo de caza regresar a la zona de descanso para abrir en canal el cuerpo de un jabalí.

The Kingdom cuenta la historia entre un padre y una hija que viven muy alejados. Una historia sencilla de perdón y venganza donde Ghjuvanna Benedetti hace un trabajo excepcional.

A estas alturas, pedirle a Paolo Sorrentino que abandone su barroquismo melancólico es como pedirle a un niño que deje de mirar el mar: una crueldad innecesaria. En La Grazia, el director napolitano no solo vuelve a su zona de confort estética, un poco más minimalista de la habitual si esto es posible, sino que la expande para hablarnos de algo mucho más frágil que la propia belleza: la levedad. Si en La Giovinezza el tiempo era una herida abierta por la que se escapaba el talento y el cuerpo, aquí el tiempo es una propiedad privada que nadie parece saber administrar.

La película se construye sobre una tesis casi invisible: la de estar "todo roto por dentro" mientras se mantiene una fachada de cemento impecable. Sorrentino filma esa fractura interna con una delicadeza abrumadora, gracias a entre otras cosas, a un Toni Servillo siempre en "estado de grazia". No busca el drama de lágrima fácil, sino la vibración de lo que está a punto de quebrarse. Es un cine de estados de ánimo, de silencios que pesan más que los diálogos, de diálogos que lo dicen todo, pero que también no dicen nada y de una puesta en escena donde cada encuadre parece una pregunta sin respuesta.

El eje sobre el que pivota este carrusel de emociones es la pregunta que lanza Dorotea: “¿A quién pertenecen nuestros días?”. Simbólicamente, esta duda es el corazón de la película. ¿Son nuestros los días que vivimos para los demás? ¿O pertenecen a ese rastro de experiencias dolorosas y herencias que arrastramos como sombras? La ligereza no es aquí la ausencia de peso, sino la capacidad de poder dejar atrás el lastre que suponen esas grietas dolorosas de un pasado que ya nunca se podrá recuperar. Como dice un primo mío: "llega un momento en la vida de uno donde sabes que todo lo mejor ya ha sucedido y todo se convierte en una cuesta abajo". Y no por eso el futuro deja de ser posible y sorprendente, desde poder pasar desde la "música culta" al rap o poder ver perros carabinieri robots escoltando al Presidente de la República durante un tranquilo paseo de regreso a casa. Para Sorrentino parece que la belleza no cura aquello que ya está irremediablemente roto, pero puede llegar a hacerlo, de algún modo, un poco más soportable.

La música, como es habitual en el universo sorrentiniano, no es un mero acompañamiento; es el tejido conectivo de la memoria pasada con el futuro que se abre paso de forma inevitable. Funciona como un gatillo emocional que dispara la nostalgia justo cuando la imagen se vuelve más abstracta, recordándonos que, aunque estemos o nos sintamos solos y rotos (al fin y al cabo, hoy todos estamos un poco menos rotos y menos solos que mañana), aún así todavía podemos vibrar y buscar esa ligereza que nos vuelva a hacer flotar en algún lugar indeterminado del espacio infinito, en ausencia total de fuerza gravitatoria alguna.

Que las producciones de A24, posiblemente, sean de lo más interesante que se realiza a día de hoy, nos es ningún secreto. Como tampoco lo es que esta tendencia va de más a menos y de menos a menos.

Es en ese menos del menos donde yo ubicaría ‘A different man’. Y esto, básicamente, sería así porque en las dos dimensiones donde su director y guionista, Aaron Schimberg, trata de contarnos esta historia con su moraleja vista, revista y revisitada decenas de veces, no termina de encontrar esos gatillos que disparen en el espectador el aviso que separa la dimensión kafkiana, incluso kaufmankiana, si se quiere, de la evidente moraleja que se desprende de la película en su forma más clara y superficial. En este sentido, la cinta va a cara descubierta. Ni tan siquiera cuando se pone la máscara puede ‘ocultar sus defectos’, quedando en evidencia así su descarada pretensión.

A pesar de todo esto, agradezco el ingenio y humor al introducir en el segundo acto al personaje de Oswald.