Me parece que Terry Gilliam consiguió con esta película, (basada en la novela de Hunter S. Thompson), demostrar que una generación entera, estaba confudiendo el fondo y la forma de querer cambiar el mundo. Como bien sabe cualquier persona que haya jugado con drogas y principalmente con ácido, todo es muy bonito hasta que los excesos te hacen entrar en un estado de consciencia fuera de cualquier conocimiento lógico y mediante el cual se puedan obtener resultados adecuados para superar el paso del marco espacio-temporal existente. Como clarificantemente nos muestra el film, la espiral de drogas , es una camino inadecuado para conseguir un conocimiento real de la mente humana y personal. A pesar de todo, es sin duda, una maravillosa y delicada forma de plasmar lo que se pretendía retratar y de mostrar la visión de muchos de nuestros homónimos en el movimiento contracultural americano.

Desconcertante y alucinógena, enajenación mental como hilo conductor de un film que denota experiencia y genialidad. Scorsese nos muestra como el cine mainstream, el cine comercial (...porfavor, hollywoodienses adinerados y egocéntricos dejen de malgastar dinero, aprendan de los maestros!), el cine que te lleva a los cines, puede ser también cine del bueno. El director neoyorquino vuelve a demostrar la capacidad de muy pocos para hacer suyos los movimientos de la cámara, y demostrar que el paso de cine de autor al cine industrial está totalmente justificado cuando la adaptación a los tiempos se convierte en evolución, muy pocos han sido los elegidos para conseguir esto. Adaptarse no es perder el talento, ¡no nos equivoquemos!.
La novela de Dennis Lehane ha sido llevada a la pantalla de una manera brillante. Los grandes directores sufren la controversia con cada uno de sus estrenos, pero hoy después de ver SUTTHER ISLAND, puedo afirmar que la línea del director ha variado pero no ha empeorado en manierismo.
Leonardo di Caprio realiza una más que sobresaliente interpretación le pese a quién le pese, gran actor y encargado de sostener en pantalla la atormentado conciencia del genio.
(deberíamos ir olvidando, y pensando que momentos de crisis los tenemos todos).
En definitiva, el Martín más Scorsese y VESÁNICO que podíamos esperar, esta en los cines.

"Vivir en los corazones que dejamos tras nosotros, eso no es morir" Thomas Campbell

P.D Guión; Laeta Kalogridis.

Agradecimientos a Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Emily Mortimer y como no a los olvidados Robert Richardson (fotografía) y Thelma Schoonmaker (montaje).

Simplemente magnífica, Fernando Meirelles y Kátia Lund desplegaron en este film todos sus conocimientos cinematográficos de dirección y con ello consiguieron mostrarnos mágicamente, la vida del día a día en las favelas brasileñas. Su crueldad y belleza son un fiel reflejo de las diferencias existentes entre el mundo desarrollado y un mundo, en el que lo único importante, es seguir viviendo cada vez que el sol vuelve a levantarse para iluminar la barbárie humana.

Película de una belleza exquisita, en la que cada escena está pensada al milímetro. Wong Kar-Wai, nos muestra con sutileza inusitada, la maravillosa paradoja humana del amor imposible.

Una cruel historia del pasado, narrada desde la lejanía por uno de sus protagonistas, es convertida en una prueba moral para cualquier espectador que después de verla, se detenga a pensar el porque de los acontecimientos acaecidos en un pequeño pueblo del norte de Alemania en el año 1913, poco antes de que estallara la Primera Guerra Mundial.
La película del director Michael Haneke es sin duda una reflexión desde el futuro para mostrarnos unos hechos ocurridos años atrás, un flash-back de la misma duración que el film, que nos muestran la incomprensible educación protestante que sufrieron muchos niños y que desde luego no supieron ó no pudieron asimilar. Las bellas, y a la vez saturadas imágenes en blanco y negro, denotan un ostentoso trabajo de fotografía que nos transmiten el misterio, el miedo y el secreto que se esconde detrás de cada persona, de cada grupo social,de cada educación, de cada época. El narrador nos advierte que no existen respuestas, que ni si quiera él tiene la certeza de los acontecimientos ocurridos en la villa y que tampoco sus habitantes llegaron a comprender el porqué de actos de tan inusitada atrocidad. El director nos deleita con un trato de la imagen que consigue sin ninguna duda, trasladarnos al pasado, y captar una impresionante representación de los personajes en los espacios estáticos. Haneke realiza un trabajo virtuoso, utilizando fórmulas que se nos quedan lejanas en el tiempo, formas que en la actualidad enajenada en que vivimos, se arriesgan a no tener cabida, no obstante, el autor consigue una composición tan poética, tan pictórica, que el hipnotismo de los sentidos del espectador, se hace inevitable. Un trabajo exquisito y de una dificultad colosal que hacen de este largometraje una auténtica demostración de conocimientos aplicados al tratamiento de las imágenes, de las formas, de la experiencia y evidentemente, de la genialidad de unos pocos, de esos directores de cine que permanecerán en el recuerdo por haber conseguido lo imposible, lo infinito, lo invisible.
La supuesta tranquilidad de la villa alemana comienza a verse alterada por sucesos trágicos que no se ven, que parecen incorpóreos. Haneke deja a nuestra elección la manera de entender su film. El director austríaco ha conseguido alcanzar un objetivo sumo, una crónica que cristaliza un equilibrio único entre las formas y el fondo, entre lo subjetivo y lo objetivo. La libertad de conclusiones con la que Haneke obsequia al espectador y su inmejorable amplitud en el tiempo, hacen de “ La Cinta Blanca “ una película magnífica e imprescindible en la retina de cualquier persona que aprecie el buen cine.