Tenía ganas de ver esta película y que está funcionando muy bien con el boca a boca. No me ha decepcionado en ningún aspecto. Me ha parecido una gran película, perfectamente dirigida, interpretada y filmada. Además, ha tenido un punto extra para mí, puesto que me ha producido un efecto catártico… he visto muchos puntos de mi infancia y mi familia en ella. Las personalidades de los padres, los roles que representan y las formas de “querer” , muy a menudo tóxicas, me son muy familiares. Imagino que es “memoria colectiva” de una generación.
El director, Dani de la Orden, nos lleva en un viaje interior a través de un paisaje veraniego, el núcleo de la felicidad familiar, que son las vacaciones en la segunda residencia. A las telarañas y pátinas que han ido dejando unas relaciones familiares tóxicas de cuatro miembros de una familia. Las manipulaciones, los chantajes emocionales, las mentiras, los engaños… todo ello confrontado frente a ese mediterráneo azul en un lugar dónde la tramontana, ese aire que enloquece y que vuelve todo del revés y la casa, que es casi un personaje más. Una caja de Pandora que no debe abrirse. Nuestros personajes se verán envueltos con muchos sentimientos, dejándose llevar inicialmente por la nostalgia que suele envolver el pasado de dulces recuerdos hasta que éstos dejan paso a otras realidades. Una dirección perfecta que ya en la primera escena, terrorífica pero reveladora, nos llevará a una primera idea de lo que será vivir alrededor de la matriarca. Emma Vilarasau, es una actriz de demostrada solidez en el panorama catalán nos demuestra que lo suyo es puramente visceral. Su solidez, dominio del personaje, crea una madre que se ama y se odia. Emma ha crecido con nosotros, pero a mí me parece que sigue teniendo ese fuego y esa fuerza que ha demostrado en la tv y el teatro catalán. Alberto San Juan, presenta a ese padre, que ha vivido de espaldas a la familia sabiendo que ya había alguien que cuidaba de ella, pero que, dado que ha aportado el capital cree que eso ya le da matrícula de honor familiar. Unos hijos, que luchan por salir adelante a pesar de lo que han vivido con esa unión que han formado sus padres, pero que cometen otros errores al tratar de afrontar sus vidas. Enric Auquer, enorme una vez más, construye un personaje creíble que trata de escapar a la presión materna aunque no termina de romper su cordón umbilical y finalmente María Rodríguez, la hija dura, la que asume todos los riesgos y trata de vivir una vida que pueda en el fondo igualar a una madre que siente perfecta a pesar de todo. Todos estos espejos, se romperán en mil pedazos y todos, como en todas las casas, buscan el amor desesperadamente, aunque sea en los cristales rotos del suelo. Y no podemos olvidar a Clara Segura, otra monstrua actoral que ejercerá el papel de la conductora psicológica de los sentimientos familiares desde ese punto, moderno y poco convencional que es el de ser la pareja actual del padre. Tampoco quiero olvidar a Macarena García, el soplo de aire fresco y el personaje más maduro de la película. Su naturalidad y frescura como actriz, como siempre, son su mejor baza.

La fotografía (Pepe Gay de Liébana) es muy buena. Primeros planos que apoyan los discursos de los protagonistas y una luz veraniega y mediterránea que ilumina a esos personajes de claroscuros. El guión de Eduard Solà me parece también sobresaliente.
Para mí, el final, sin desvelar nada, es lo más frágil de esta trama psicológica. No el modo en cómo se produce, ya que lo hace de una forma que uno ve venir dadas las pistas que nos va dando el director, si no por los efectos que conlleva. Pero eso ya es carne de psicólogo.

Preciosa Los Domingos. Alauda Ruiz de Azua ha hecho una película que describe nuestra sociedad desde una perspectiva que puede parecer un tema marginal o poco común. Alauda ya me encantó con Cinco Lobitos y con la serie Querer. Sensibilidad lúcida para señalar realidades sociales y emocionales sin necesidad de finales felices o soluciones del último momento. Vivir e ir aceptando las cosas como vienen, tratando de coger lo mejor de todo momento, aunque no siempre nos reporte una felicidad constante que, hoy en día, está sobrevalorada y no estamos preparados para vivir en frustración.
Ainara de 17 años, está sopesando seriamente entrar a ser monja de clausura en el monasterio dónde va y canta en el coro. La familia vive y es de Bilbao. Cuando Ainara era aún una niña su madre murió. Su padre, restaurador con dificultades económicas, se ve una personal emocionalmente poco trabajada seguramente fruto de una educación convencional. Tiene dos hermanas más pequeñas y una tía, que es todo lo contrario del padre. Emocional y emotiva, realista, insegura, que adora a su sobrina y … atea. Bajo mi punto de vista, Ainara tiene sus propias carencias e inseguridades, traumas y dudas y el Monasterio le ofrece una paz que no encuentra en ningún lugar. No importaría que no habláramos de religión, en realidad El Monasterio significa ese lugar dónde uno quiere huir, escapar, esconderse. El padre bajo el imperativo del respeto a las decisiones de su hija, no se involucra excesivamente, no pregunta, no inquiere, no siente curiosidad ni ansiedad lo que me parece a mi quizás, las preguntas más importantes de la película. En cambio su tía, si quiere hacer las preguntas pero se encuentra callada por no ser la madre ni el padre. Esas comidas de Domingo todos juntos, escondiendo secretos, tan sólo dispuestos a hablar si hay reproches en el aire. Familia, ese concepto divicil de construir, pero que, no es lo que muchos hemos vivido, ni lo que Ainara vive.

Roy Galán cuando vio la película se preguntó que haríamos si un ser muy cercano a nosotros decidiera dejar el mundo para encerrarse en un lugar aislado de todo. Cómo puede querer alguien salir del mundo, de nosotros (su familia), de una vida llena de experiencias que a los 17 años desconoces y que a lo mejor llenarán tu vida?
La iglesia para mi, a pesar del éxito de esta película entre un sector de la población, no queda muy bien parada. Obviamente es una decisión libre la de dedicar tu vida a Dios, pero tanto la directora del monasterio como el padre que aconseja en el periodo de decisión, sacan de tí el poder de la decisión, porque es Dios quién te escoge y por tanto quién guía tu camino. Así que de libre albedrío nada. Del mismo modo encara la directora algo que espera que Ainara le cuente, usando el chantaje emocional con frases como “a mi puedes contármelo todo”, “que raro que no me lo hubieras contado si tú sabes que puedes contármelo todo”… no sé, En esa sociedad te aprietan igual que en las demás, pero parece que todo sea para bien cuando en realidad lo forman personas (unas buenas y otras no). En la conversación con la tía de Ainara el juego lo lleva la directora con gran poder de manipulación y contando con el respeto con que los demás se dirigen hacia ella como arma.

Ainara (Blanca Soroa) hace una interpretación soberbia. Su rostro, inexpugnable no te deja ver que siente o que está pensando. Tan sólo en el coro la vemos feliz y libre y después en su vida en el Monasterio también se la ve libre. Nagore Aranburen, protagonista también en Querer, es una actriz extraordinaria que mesura sus gestos y miradas con gran solvencia. Es un papel que creo se llevará un montón de premios. Y finalmente la tía Patricia López, en su contención, pesar, tristeza y explosión hace un viaje interpretativo muy interesante. La música, la mayoría los coros juveniles son maravillosos. La canción de entrada de Quevedo, el quédate es como un preludio de que quieren todos o algunos y no expresan.

Aconsejo la lectura de lo que escribió Roy Galán en Instagram sobre esta película.

Hoy he visto el47 y me ha impresionado bastante. No porque me viniera a nueva esta historia, si no por las personas a las que les pertenece. Me he acordado de Mariano y Josefa, de Antonio y Carmen, de Maria y José de tantas personas que vinieron de otras partes de España buscando mejores oportunidades de vida. Mariano, me contaba como él y los que llegaron con él, construyeron el Carmelo. Primero con barracas, que fueron llenando los terrenos. De vez en cuando venía la policía y derribaban una barraca, o se llevaban algunos hombres al castillo de Montjuïch (que era una prisión militar y en tránsito para otro tipo de presos). Luego hicieron el alcantarillado, asfaltaron las calles.. y en fin, construyeron todos esos barrios periféricos de la ciudad, como son Torre Baró y el Carmelo. Así que todas estas historias han cobrado vida en mi mente con las primeras imágenes de la película. Y he sentido su sufrimiento en las lágrimas que me caían en la introducción situada en 1958.

Tras esta introducción la película nos sitúa en el año 1978, un momento dónde llevábamos 3 años en democracia y la política empezaba a ser un lugar al que acudir con peticiones vecinales, aunque los resultados dejaran mucho que desear. Todavía la policía ejercía una presión importante sobre la gente y los habitantes de Torre Baró, es ya más mayor, y empieza a darse cuenta de lo complicado que resulta bajar todos los días monte a través para ir a trabajar, luego subir con calles empinadas, llenas de escaleras, de ser esa parte de la ciudad “al otro lado de la ciudad” dónde ni los que suministraban comida o bebidas querían subir y dejaban las cargas al pie de la subida. Ni siquiera los bomberos subían.

Manolo Vital es uno de estos héroes que construyó el barrio con sus propias manos y aunque a veces no tengan suministro continuo de luz o de agua siente intensamente su pertenencia al barrio y no quiere que nadie se vaya. Trabaja llevando el bus 47 y todos los días baja la cuesta y el camino hasta llegar a las cocheras y luego lo hace a la inversa, con el agotamiento del día. Hasta que llega un día que cansado de ser ignorado, quemado con los problemas de su entorno, tomará una decisión para conseguir que el bus llegue a Torre Baró.

Eduard Fernández es un actor grandioso que consigue meterse en el personaje de Manolo Vital como si se pusiera bajo su piel. Fantástico. Clara Segura como su mujer está magistral, como ella nos tiene acostumbrados. La película está dirigida por Marcel Barrena, director de “Mediterráneo”, otra película comprometida con el tema de la inmigración, pero desde otra óptica. Más lejana que la se produce entre provincias españolas.

De nuevo en esta película podemos ver esa relación entre el castellano y el catalán que ha dado como resultado una comunicación fluida entre ambas partes, contrariamente a lo que algunos políticos a veces quieren hacernos ver. Esto también lo hemos visto en “Casa en Llamas”, aunque desde un punto de vista más burgués.

A mí me ha roto ver estas familias, estas personas que han formado parte de la vida de todos los catalanes y que han construido con su trabajo y su esfuerzo no siempre bien pagado ni recompensado, la Catalunya que es hoy. Es curioso el paralelismo con la nueva inmigración. También viven en comunidad, también se esfuerzan y trabajan duro, también están mal pagados. Pero los tiempos son diferentes. Quizás el estado del bienestar, que nos dejaron nuestros padres y esos inmigrantes, nos ha hecho egoístas, insensibles y poco empáticos. Parece también que aunque nuestra infancia ha estado llena de historias como ésta, se nos han olvidado en el camino. Debemos ver películas como ésta que nos recuerdan quienes somos y gracias a quién.

Me ha encantado esta película que seguro que conseguirá grandes premios y nominaciones.

La película está perfectamente ambientada mezclada con imágenes de archivo de la Barcelona de esos años. A mi personalmente me sobraban esas imágenes… porque la ambientación es tan buena, que ya te sientes entonces. Pero bueno, supongo que la gente más joven las agradecerán.

Nada nos gusta más como el héroe urbano, el que no tiene madera pero consigue hitos. Y éste fue Manolo Vital, un hombre y una gesta, totalmente real.

Esta preciosa y de sensibilidad extrema ha sido mi elección de la semana. Es también una película muy lenta, pero como siempre digo, la vida es lenta, sobre todo cuando hemos de entender colectivos o contextos poco comunes.
De nuevo una directora, Eva Libertad, joven y valiente nos muestra retazos de esta sociedad nuestra. Hoy con el tema de la sordera.
Nuestra protagonista es sorda y tiene una relación fantástica de pareja. Él, oyente, se desvive por integrar a Angela en el mundo y sus vidas parecen haber encontrado el equilibrio. Pero llega un bebé y es oyente. Angela verá su mundo revolverse como cuando empezó a convivir con la sordera, relacionarse con el mundo de los oyentes obligada por el hecho de tener un bebé oyente (la guardería, el grupo de wtp de los padres…etc.) y una pareja, que sin quererlo, dejará de usar el lenguaje de signos en ocasiones para hablar con su bebé. Un descanso en su vida que le permite ser como es él. Todo esto despertará una serie de situaciones que pondrá en jaque tanto a Héctor como a Angela. Un proceso de adaptación de nuevo. Un esfuerzo por parte de todos incluso por aquellos que creen que ya lo hacen todo bien, tan sólo por haber aprendido el lenguaje de signos, como es el caso de los padres de Angela.

La actriz de la película, Miriam Garlo, es la hermana de la directora y aprendió el lenguaje de los signos a los 30 años. Se quedó sorda a los 7 años pero no fue hasta los 30 que aprendió a signar (usar el lenguaje de los signos) y asumir su identidad como sorda. Ella misma se planteó que pasaría si fuera madre y le expresó sus miedos a su hermana que decidió hacer esta película. Eso dio lugar a un cortometraje (2021) y cuatro años después han hecho el largometraje. Su trabajo es excepcional especialmente la escena del parto y otros momentos de intimidad de pareja.
Me llamó la atención el tema de querer que los sordos usen audífonos (para normalizarlos en nuestro mundo, sin que tengamos que esforzarnos para ser entendidos por ellos) como la gran solución, cuando a veces esos aparatos se convierten en tortura para el que los lleva. Lo mismo pasa con la gente mayor. Es un tema a tratar y mejorar tecnológicamente.
Las demás interpretaciones fantásticas también. Alvaro Cervantes, que ha aprendido a signar para este papel (un año antes empezó a estudiarlo), está increíble y muy natural.

Me gusta mucho y creo fundamental en la película el toque que la directora imprime en la película en el último tercio de la película, que no comentaré para no hacer spoiler.

Tenía ganas de ver “Cinco Lobitos” porque me parecía que iba a ser una de esas películas de realismo costumbrista y local, del estilo de Alcarrás. De nuevo además, el punto de vista de una mujer, una joven directora Alauda Ruiz de Azúa. En Febrero de 2002 se estrenó en Berlín con esta película, y en Málaga consiguió la Biznaga de Oro, el premio del público y el del guión. Me congratulo cada día más de ver estos retratos de nuestra sociedad desde los ojos de mujeres que, hablan de ellas y hablan de todos, con un realismo lleno de emoción sin grandes efectos. Primeros planos, entornos muy naturales sin que parezca que los attrezzos más cool formen parte de nuestras vidas.

Su protagonista, Laia Costa, es una actriz que me gusta mucho, pero me daba un poco de miedo en esta película. Suele ser muy intensa y su aspecto aniñado no parecía cuadrar con la joven de 35 años que protagoniza esta película (aunque en realidad tiene 37 años). Pero me equivoqué. Laia resulta intensa en su retención, hermosa en su crecimiento y emocionalmente desnuda. Me ha encantado su trabajo. Pero ningún otro actor se ha quedado atrás, espléndidos Susi Sánchez y Ramón Barea, como esos padres adustos, vascos, con toda una vida a sus espaldas, bastante incapaces de emocionarse con algún proyecto nuevo, pero que, saben ejercer de padres aunque no hayan sido el mejor matrimonio del mundo. Pero … cual no? Cuando se han pasado 30 o 40 años con una persona, la vida ha tenido de todos los colores.

Amaia, representa esta nueva juventud que creen que los sueños se cumplen siempre, que estar muy preparados profesionalmente es sinónimo de que todo será fácil y exitoso …y el primero de los sueños que Amaia abandona nada más empezar es el de que la maternidad es un camino dulce lleno de intercambios madre/hija instantáneos, y que una puede con ello totalmente sola. Amaia, irá evolucionando en la película hasta darse cuenta que no todo es esperar que las cosas sucedan sino que uno tiene que actuar, no siempre en la línea que esperaba, dar mucho y entonces quizás, todo cobrará un nuevo sentido. “Deja de vivir otras vidas, esta es la tuya”… le dice su madre en un momento dado. Amaia además, recobrará un papel que creía olvidado, y es el de hija, en el momento en que le toca ser madre. Y todo ello con dulzura, sin rendirse, con un amor que no sabe reconducir en su propia famila.

Una película terriblemente emotiva, un retrato de hoy. Ser hijo es otra forma de ser madre.