DC Showcase o, lo que es lo mismo, cortos animados incluidos en las ediciones especiales de las películas de animación de la compañía. Hasta el día de hoy, en total han sido cuatro: The Spectre, Jonah Hex, Green Arrow y la que nos ocupa, el crossover entre Superman y Shazam. 22 minutos de pura adrenalina que nos llevan al origen del Capitán Marvel (sí, se llama como su más feroz competencia) con una especial participación del hombre del mañana, Superman.

Un poquito de historia. Timely Cómics (después Atlas) a través de Stan Lee pensó en cambiarse de nombre a un título más atractivo que dio como resultado la denominación Marvel Cómics que todos conocemos. Pero existía un pequeño problema, un personaje de los 40 tenía ese nombre por lo que Lee y compañía decidieron hacerse con sus derechos para evitarse futuros quebraderos legales, pero aunque Marvel consiguió la denominación, DC consiguió hacerse con los derechos del personaje. Y ese es el Shazam que todos conocemos. ¿Shazam por qué? Os preguntaréis los más neófitos. Pues es el grito de guerra – nombre del mago que le dio sus poderes: la sabiduría de Salomón, la fuerza de Hércules, la resistencia de Atlas, el poder de Zeus, el coraje de Aquiles y la velocidad de Mercurio – para que el humano se convierta en el todopoderoso Capitán Marvel. Sólo un detalle más, ese humano es un niño que no sobrepasa las quincena de ahí las tribulaciones que acarreará la mentalidad de una persona que no ha alcanzado su madurez con un cuerpo y unos poderes que rivalizan con los del propio Superman (mas aún si hay magia de por medio).

Pues esta historia es la que encontramos en este corto animado de la mano de Joaquin Dos Santos, joven realizador de la casa DC que se ha encargado de los cuatros cortos más algunos episodios de la serie animada de la JLA. Y si a este cóctel añadimos el regreso del primer personaje que tuvo los poderes de Shazam, el ser llamado Black Adam, nos encontramos con una historia muy bien llevada, entretenida y con acción a raudales.

Puntuación: 7 sobre 10.

Lo mejor: El formato Showcase, historias que narran orígenes de personajes de DC con una duración acorde.

Lo peor: ¿Llegará a España?

La escena: La primera transformación a ¡¡Shazam!!

Una pequeña decepción. Desde mi infancia he escuchado maravillas de gente muy respetada para mí en esto del 7º arte sobre las virtudes de esta película. Hace unos cuantos meses intenté verla en casa de mis suegros ya que es uno de los filmes favoritos del padre mi novia pero el levantarte a las 6 de la mañana para trabajar tiene sus consecuencias, así que tras pocos minutos de metraje entré en el mundo de Morfeo. Así, tras un tiempo y pudiendo verla esta vez más tranquilamente, sin sueño y en versión original, me he dispuesto a degustarla.

El resultado ha sido, como decía al principio del post, decepcionate. La película empieza bien, con unos títulos de crédito al más puro estilo del terror más clásico. Además en magnífico blanco y negro y con una melodía muy atractiva. Así, tras una introducción donde hemos podido ver el ataúd del famoso Victor von Frankenstein, se nos presenta el protagonista de la cinta, el genial Gene Wilder renegando de sus raíces frankenstenianas. Pero tras revelársele que es heredero de su herencia, se dispone a viajar a Transylvania (¿país de Drácula?) a tan sólo varias paradas de tren de Nueva York (xD) Allí conoce al mejor personaje de la película y el único que hace que sea algo disfrutable la cinta, el sirviente del barón Igor. Un jorobado que en cada escena hace aparecer la sonrisa. Pues bien, el resto de la cinta es un homenaje-plagio en clave humorística de la inolvidable película de Whale. Pero lo que tiene que ser el pilar donde se apoya el filme se convierte en su piedra de destrucción. Y es que el tono humorístico de la película no puede ser más infantil, inocente y previsible. Chistes sexuales fáciles, golpes contra muros, falta solo el paff, ouch y demás onomatopeyas para que se mostrara la verdadera cara de la obra. Si esto es humor y una de las mejores películas de comedia de la historia del cine, mi humor no va por el de la mayoría.

Y que algunos digan que “Aquí Huele a Muerto” es un bodrio y esto una obra maestra. En fin…

Puntuación: 5 (y gracias) sobre 10.

Lo mejor: El jorobado Igor.

Lo peor: Los continuos puntos humorísticos sin gracia ninguna.

La escena: El encuentro entre Gene Wilder e Igor en la estación de Transylvania.

Es una historia que tiene más fuerza por la propia trama que por su puesta en escena. La mayoría del tiempo tenemos más sensación de intranquilidad por lo que podría suceder que por lo que realmente sentimos en pantalla. Es un querer y no poder. La historia es aterradora y la recreación de la mansión Amityville es excelente, pero nos encontramos con un guión que parece no querer arrancar nunca y que va diluyéndose en una trama vacua. Un buen artesano del suspense o el horror podría haber sacado oro puro de un libreto con tanta enjundia e interesantes recovecos que al final se nos queda en casi nada, en un producto aséptico donde nadie ha querido poner talento.

Los actores encargados de llevar el peso de la historia son James Brolin – padre del actual Josh Brolin, reciente actor fetiche de los hermanos Coen – y Margot Kidder – Lois Lane de la clásica “Superman” – con un resultado algo desigual. Por un lado tenemos a Josh Brolin actuando correctamente con un papel agarrotado, tenso y contenido muy acorde al tormentoso rol del padre de familia de los Lutz que va viendo como se le escapa el control de sí mismo con los acontecimientos que le están rodeando pero, por el otro, Margot Kidder nos ofrece una interpretación bastante mediocre con una mujer que más que parecer una madre de familia preocupada cuyos sucesos le sobrepasan se asemeja más a un papel de mujer independiente, sexual y carismática que nada bien le viene al rol que le toca. En todo momento, nos recuerda más a un personaje sacado de una película de Rob Zombie (ya sabéis a lo que me refiero si sois seguidores de la filmografía de Rob) que a una madre en plena década de los 70 que tiene que sacar a su familia adelante con unos problemas más grandes de los que pueda manejar. Y este dato es algo que acompaña también a algunos secundarios que no consiguen hacer creíbles sus papeles en el filme: la pareja amiga de los Lutz, unos personajes estrambóticos y fuera de lugar, sobre todo la mujer, una médium que debería ser eje crucial de una parte importante de la obra que por el contrario se convierte en un hazmerreír o el sacerdote y su aprendiz que pasan por la cinta sin profundizar. Punto flojísimo el reparto si obviamos a Brolin, sin duda. ¿Puntos a favor? Una música espeluznante que le valdría la nominación al Oscar y una atmósfera que aunque no consigue romper del todo sí crea inquietud en el espectador.

La sensación final es de mediocridad, ya que es difícil encontrar buenas historias relacionadas con los espíritus y casas encantadas y es una pena ver como se disgrega una historia que sí que contiene esas características propias de una gran cinta pero que, desgraciadamente, no ha sabido llevarse a cabo correctamente ya sea por deficiencias en el propio libreto o en su irregular dirección.

Puntuación: 5 sobre 10.

Lo mejor: James Brolin.

Lo peor: El aura de vulgaridad que rodea a la película.

La escena: La llegada del sacerdote a la mansión.

Luis Buñuel; uno de los directores más grandes que ha dado nuestro país. Desgraciadamente mucha parte de su obra se rodó en el exilio, sobre todo en México y Francia. “Ensayo de un crimen” está basada en el libro homónimo de Rodolfo Usigli y pertenece al periodo mexicano del director aragonés. Considerada una de sus películas más personales y, a priori, más simple desde el punto de vista narrativo. Pero un análisis más profundo permite observar y discernir argumentos más complejos que los que su trama a simple vista parece querer tener.

A medio camino entre el drama y la comedia negra, se desarrolla una historia llena de lecturas escondidas. Por un lado, una crítica irónica hacia las clases ricas y burguesas de la época donde la hipocresía y un carácter claramente reaccionario son comunes y habituales en sus protagonistas. Por otro lado, se notan varios “vicios” de nuestro querido Buñuel, como su afición al fetichismo y su particular visión del mundo de la mujer, representado en las variopintas personalidades de las protagonistas femeninas de la película.

Es digno de mencionar también el carácter jovial y divertido que impregna todo el filme, que parece empaparse de la corriente de novelas negras americanas del momento al más puro estilo EC: muertes inverosímiles, protagonista-asesino frustrado, una caja de música casi maldita, etc. Asimismo es elogiable el papel y la interpretación del actor mexicano -recientemente fallecido- Ernesto Alonso como el acaudalado señorito Archibaldo de la Cruz “Archie” que consigue registros muy alabables como el reprimido asesino.

Por último, señalar dos detalles curiosos de esta película. Primero, los homenajes que a este filme se le han dado en nuestro país por medio de proyecciones intercaladas en dos películas importantes españolas como “Carne Trémula” de Pedro Almodóvar y “Crimen Ferpecto” de Alex de la Iglesia. Segundo, un hecho ocurrido casi al finalizar el rodaje, el suicidio de la actriz Miroslava Stern y su posterior incineración antes de terminar el montaje. Así, el momento del crematorio del maniquí basado en la actriz incluido en el filme, provocó en su día una gran polémica por su más que obvia relación.

Puntuación: 6 sobre 10.

Lo mejor: Archivaldo de la Cruz, Archie para los amigos.

Lo peor: Para ser del maestro Buñuel, su desarrollo es demasiado “común y normal”.

La escena: El momento de la muerte de la institutriz de Archie mostrando sus piernas descubiertas en un claro vínculo entre muerte y fetichismo.

Los cómicos fueron un baluarte de la primera época de la historia del cine; nombres como Buster Keaton, Chaplin, Abbot & Costello o Laurel & Hardy fueron pilares del 7º arte durante casi toda la primera mitad del siglo XX. Uno de los nombres más destacados fueron, sin duda, los Hermanos Marx con el genial y extravagante Groucho a la cabeza. Diálogos chispeantes, situaciones absurdas e irreales, juegos de palabras o el total anarquismo son algunas de las características más reconocidas de sus obras. Crearon escuela y cimentaron un tipo de humor que arrastra una legión de seguidores por todo el mundo. Empezaron siendo cinco hermanos (Chico, Harpo, Groucho, Zeppo y Gummo), aunque la mayor parte del mundo sólo se acuerda del resultante trío final formado por Chico, Harpo y Groucho. Pues bien, la primera película del trio, ya sin Zeppo, y la más recordada por sus escenas surrealistas y sus diálogos más ingeniosos es la conocida como “Una noche en la Ópera”.

Ambientada en el mundo de la ópera y burlándose incesantemente de las elevadas altas esferas de la sociedad estadounidense, “A Night at the Opera” contiene las míticas escenas del camarote atestado de gente, el contrato recortado continuamente al son de “La parte contratante de la primera parte…”, los aviadores barbudos o los movimientos de las camas del hotel. Los instantes donde aparece Groucho son obras de arte donde la risa está totalmente asegurada. No faltan actividades circenses o juegos malabares muy propios de las comedias norteamericanas de la época, pero la intención de abarcar a todo tipo de público -considerando que el cine todavía competía con el teatro, la ópera o el musical- le resta demasiado a lo que podría haber sido una comedia perfecta si en vez de tantas escenas musicales se hubiera ocupado de darle mayor protagonismo, si cabe, al gran e inolvidable Julius “Groucho” Marx.

Puntuación: 7 sobre 10.

Lo mejor: Groucho Marx.

Lo peor: Los pesados y abundantes números musicales.

La escena: El camarote de los Hermanos Marx (¿alguien lo dudaba?)