Idea motriz. Mostrar cómo tras el genocidio del pueblo judío en Europa, la creación del Estado de Israel era necesario ya que existía una discriminación en cualquier parte del mundo y solo se podía encontrar ayuda en otros miembros de la misma comunidad.

Como se lleva al cine. La película muestra la vida de un arquitecto húngaro, formado en la Bauhaus, de religión judía y superviviente de un campo de concentración que huye de la posguerra en Hungría, en el año 1947 a Estados Unidos. Allí sufre todo tipo de penalidades ya que los católicos y protestantes envidian su talento y belleza. Gracias a la ayuda de un abogado también judío, logra agrupar a su familia retenida en Europa. Sin embargo, el talento de la pareja sigue siendo envidiado y sufren, junto a su sobrina huérfana, todo tipo de abusos por malvados católicos y protestantes. Ese rechazo y aislamiento le lleva a la autodestrucción, adicciones, depresión. Israel se convierte en su tabla de salvación, el único lugar en donde pueden llevar una vida digna y donde su talento podrá desarrollarse y ser reconocido internacionalmente

Guion, dirección, banda sonora, interpretación. El arquitecto László Toth es un personaje ficticio, inspirado en otros arquitectos que sí ejercieron esa profesión en la vida real. Las noticias que aparecen en los noticiarios son la declaración del Estado de Israel como logro del movimiento sionista, la proclamación del primer presidente republicano tras la segunda guerra mundial y referencias a la guerra de Corea y a misiles balísticos que pueden alcanzar estados del Este de Europa. Es especialmente significativo que no se haga ninguna referencia a la población Palestina y a que la única referencia que se haga a ellos es de manera indirecta, señalando que irse a vivir al nuevo estado es "peligrosa". Los personajes con otras religiones (católicos o protestantes) de raza blanca son presentados como malvados y malvadas abusadores y envidiosos del talento de la familia judía. La frase final de que lo importante es el destino y no el camino se contrapone a la de "lo importante no es el destino sino el viaje" y puede interpretarse como en línea con la declaración de Jabotinsky, líder del sionismo revisionista y defensor del uso de la fuerza para ocupar y anexionarse tierras palestinas. Hay muchos primeros planos con la cámara en movimiento por lo que no parece una buena idea estar en las primeras filas del cine. La banda sonora es de lo mejor de la película. Las interpretaciones son correctas y se amoldan a los estereotipos de bondad y maldad de los personales.

Lo que más me ha gustado de la película. La idea de como las personas errantes, sin protección por parte de un estado, pueden ser consideradas superfluas, asesinadas o retenidas en campos de exterminio, concentración, aprisionados entre muros y el mar o en centros de retención de extranjeros. Como sigue habiendo personas errantes que ni siquiera son necesarios/as como fuerza de trabajo. La película muestra la injusticia de ese fenómeno en las imágenes de la llegada a la Isla de Ellis de los emigrantes y la referencia a aquellos que no pudieron entrar.

Lo que menos me ha gustado. La simplicidad del guion en el tratamiento de los personajes de religión judía que mantienen esa religión y que son buenos, tolerantes, talentosos, dignos y víctimas de abusos por parte de no judíos en cualquier parte del mundo que no sea Israel. En la otra parte están los blancos católicos, protestantes o incluso judíos que abandonan su religión por la aceptación de los gentiles, que son malvados, envidiosos, y que abusan de los judíos de todas las maneras posibles e imaginables.

La escena que quedará en mi recuerdo. En la proyección a la que asistí hubo un receso de 15 minutos. En esos quince minutos aparece la iconografía que simboliza la película, una familia judía feliz rodeada de la estrella de David y de escritura en alfabeto hebreo

Conclusión. Una película que se enmarca en la reivindicación del derecho bíblico por el que el movimiento sionista logró la creación del estado de Israel para albergar a la población de religión judía que había sobrevivido al genocidio nazi y que en el momento actual es reivindicada por el gobierno israelí y por la futura embajadora de EEUU en Naciones Unidas Elise Stefanik. Es perfectamente viable que esta cinta se encumbre en la próxima gala de los Oscar, dado que el apoyo sin complejos y sin fisuras a la actuación del actual gobierno israelí por parte de las diferentes administraciones de EEUU. La película es una llamada a establecer un apego sentimental al pueblo judío, que ha sufrido discriminación, expulsiones (por ejemplo de nuestro país) y un terrible y espantoso genocidio, a teñir las terribles atrocidades que comete el gobierno de Israel en suelo libanés y palestino como derecho de autodefensa. La película desliza un secreto, el fin justifica los medios ya que su supervivencia está en juego.

Idea motriz. Como puede reaccionar una familia ante la decisión de una de sus miembros de empezar el proceso de ingresar en una orden de clausura a los 17 años.

Como es llevada a la pantalla. La película se centra en la reacción de tres miembros de la familia, la tía no creyente, el padre con problemas económicos y la amorosa abuela. La película margina las posibles dudas de la adolescente, el efecto que tiene la educación en un colegio religioso en su decisión o el papel de la iglesia católica en la educación de la infancia y adolescencia dentro de la red de colegios concertados. Se limita a mostrar diferentes estereotipos: religiosos enamorados de Dios, no creyentes carentes de empatía, con equívocos vínculos afectivos y profundamente vengativos o padres centrados en la protección de su núcleo familiar ante los desequilibrios financieros

Guion, dirección, interpretación, banda sonora. El guion es heredero del cine religioso de los años sesenta y principio de los setenta, en donde la fe y la llamada de Dios es irresistible por su belleza y plenitud. El conflicto que todo guion debe plantear, se traslada a como los demás reaccionan ante ese hecho místico, con comprensión o con rechazo. Un guion profundamente comercial, que lee correctamente nuestra sociedad, y que pretende proporcionar claves que contenten a todos los espectadores a espectadoras. Sin embargo desde mi punto de vista, está lleno de trucos, mostrando, en pequeños detalles, la cara más oscura del único personaje que pone en duda la libre voluntad de la adolescente e interpretado por Patricia López Arnaiz, su falsedad, vileza, capacidad de traición y sed de venganza. La dirección sigue el tono del guion, los rostros de monjas, directores espirituales y de la adolescente son en todo similares a los que aparecían en el cine religioso de los años cincuenta y sesenta, beatíficos, espirituales, virginales. El recurso a la música de coro es repetitivo y tedioso, aunque supongo que reflejara que la música coral simboliza mejor que nada la espiritualidad y la existencia de Dios, su presencia en el mundo y su infinito amor por el género humano.

Lo que más me ha interesado. La lectura que hace del momento actual de la sociedad española y como ha leído que era el momento adecuado para revivir el cine religioso de los años sesenta dando una cal y otra de arena y simulando una objetividad y distancia de la que a mi modo de ver carece. Una película que se se hubiera estrenado en los años ochenta o noventa hubiera tenido una acogida muy diferente.

Lo que menos me ha interesado. La mayor parte de la película, que se centre en reflejar el efecto en la familia de la decisión de la adolescente y el estereotipo de esa respuesta. La forma velada de presentar la falsedad de la tía, mostrando detalles que agrietan su sinceridad, pequeñas traiciones, falta de respeto a la confidencialidad, su soledad y amargura. Una bala rasa. El monólogo de la adolescente arrodillada en la iglesia.

Imágenes que quedan en mi memoria. Como la adolescente retira las manos de su tía de su rostro y con una sonrisa le asegura que rezará por ella, pobre pecadora, confusa y equivocada por la que sin embargo intercederá ante Dios a través de la oración.

Conclusión. Una película superficial, que adopta un traje de comprensión y objetividad, que simula mostrar de una manera equilibrada y neutra las reacciones familiares ante la llamada de Dios a una adolescente . Una película comercial, inspirada en la literatura de Martín Vigil, y el cine religioso de los años cincuenta y sesenta que inundaban las pantallas de la televisión en Semana Santa, y que sin duda hará las delicias de la Conferencia Episcopal. Un guion que intenta contentar a cualquiera que acuda a verla, mostrando con simulada objetividad las vulnerabilidades de los diferentes miembros de la familia. Una puesta en escena que cae en todos los tópicos de ese cine, la fe inquebrantable, la música de coro y la terrible equivocación, de quienes no son capaces de ver la llamada y el amor de Dios en aquellas elegidas en este valle de lágrimas. Una película profundamente comercial que, por las calificaciones que tiene en esta plataforma, ha sabido leer los tiempos que corren.

Idea motora: Los hijos de grandes magnates pueden ser adolescentes mimados, que pueden hacer cualquier estupidez ya que sus padres les sacarán de apuros.

Como es llevada al cine: El hijo de unos magnates rusos cuya fuente de riqueza parece oscura, se divierte viviendo una continua juerga nocturna con una bailarina erótica. Tras noches de sexo, droga y música rap/tecno/pop deciden viajar a Las Vegas y allí se les ocurre la idea de casarse. Ello provoca que la pareja sea buscada por secuaces rusos o armenios, bondadosos y no muy listos , una madre de ojos azules y voz amenazante y un padre que no parece amar mucho a su propia familia (de hecho parece que la desprecia un poco, tan tontitos). Tanto la protagonista como sus amigas o compañeras de trabajo son bellas y felices, así como sus clientes y el dueño del local del baile erótico, pero el dinero y una vida lujosa son tentadores.

Guion, dirección e interpretación. Los rusos sustituyen a los habituales malvados asiáticos en esta comedia dramática. Son risibles, simples, bondadosos y temerosos de los padres del niño mimado. La madre, mala malísima pone las cosas en su sitio. El toque feminista lo pone que la bailarina erótica es de armas tomar y logra amedrentar a los débiles secuaces, que no saben como tratar a una americana echada para adelante. Entre tanto tópico no puede faltar el secuaz arrepentido de tener que ser tan malvado con esa bella americana y abogados sin escrúpulos. El guion es tan errático que nunca dejas de asombrarte, por lo inesperadas e impredecibles e ilógica de las situaciones y reacciones de los personajes (un débil muchacho impide que se abra del todo una puerta tras la que empujan dos fornidos matones) . Las interpretaciones son meritorias, pues logran que esta farsa no resulte ridícula

Lo que más me ha gustado. La idea de que las personas verdaderamente poderosas pueden hundirte la vida y destruir la de tus personas queridas si así lo desean aunque la ley o la razón esté de tu lado, porque el engranaje judicial, económico y político facilita que te aplasten, y por eso te pliegas, no tienes otro remedio. Para escenario de bailes eróticos sigo prefiriendo los que aparecen en la inolvidable Exótica, de Atom Egoyan, por cierto también premiada en Cannes en 1994, otros tiempos

Lo que menos me ha gustado. Lo estereotipado y tópico que resulta la película. Mafias rusas, bailarinas eróticas y clientes felices, un director del local de bailes eróticos simpatiquísimo, de verdad, dan ganas de trabajar en ese local. El grupo de empleados de los mafiosos bobalicones y cobardes y una protagonista heroica y valiente como buena americana. Por supuesto hay coches veloces y algún mamporro.

Conclusión. Una película pasable, con bailes de videoclip llenos de meneos de trasero arriba y abajo, adelante y atrás (solo de mujeres), personajes estereotipados y mucho sexo, drogas y rap y pop. Parece que Cannes apuesta por avalar este tipo de cine, Es para tenerlo en cuenta en el futuro al ver el palmarés de películas premiadas.

Idea motora. El poder utiliza a personas como meros instrumentos para lograr sus fines. Al carecer de valor como seres humanos, son desechables, tanto cuando se logran los fines como cuando la meta no se alcanza.

Como es plasmada esa idea motora. Relatando la historia de Hildegart Rodríguez , asesinada por su madre, Aurora Rodriguez al quererse independizar de su influencia y construir su propia vida.

Personajes e interpretaciones. El personaje de Aurora, interpretada por Najwa Nimri, carece de aristas y tiene un tono arisco y ofendido permanentemente. Parece sacado de las brujas malévolas de películas de animación. Alba Planas, junto al resto de actores y actrices, sobre todo Aixa Villafrán, dan mayor profundidad a sus personajes.

Dirección de la película. La directora Paula Ortiz hace un puesta en escena cuidadosa, tanto en los interiores como en las escenas de exteriores. Traslada una visión del asesinato de Hildegart monocorde, explicando todo lo que está ocurriendo, a través de la música o de la voz susurrante de Najwa. No se le ofrece al espectador la posibilidad de interpretar lo que se está narrando. Como en un videojuego, lo que le queda de vida a Hildegart no se representa como una barra menguante sino con una simbología visual que produce el mismo efecto. La música de la película también es demasiado explicativa.

Lo que más me ha gustado. La imagen permanente de la máquina de escribir, como si Hildegart no fuera más que eso, una máquina libre de sentimientos, de personalidad, que debe cumplir fielmente el destino que su madre había diseñado.

Lo que menos me ha gustado. Esa permanente explicación de lo que está ocurriendo, tapando todas las rendijas, dejando un horizonte plano. Ante unas vidas complejas, llenas de caras, se produce una dirección plana, pedagógica. La banda sonora del entierro tiene unas alusiones místicas que me resultaron contradictorias con la historia relatada y con la vida de Hildegart

Escenas que han quedado en mi retina. Las escenas en las que aparece Aurora, sentada, de espaldas, sola.

Concusión. Una película pasable. Es realmente difícil rodar una película sobre una vida y un acontecimiento tan conocido. En lugar de mostrarnos una historia desde un punto de vista novedoso, en que el espectador participe, interprete, yo he vivido la película como si fuera el alumno que asiste a una clase, en donde se nos explica sin fisuras por qué Aurora mató a Hildegart, repitiendo a través de la música o la voz de Najwa lo que allí se relata.

Idea motora. Las religiones tienen textos sagrados dictados por Dios. Por ello lo que allí se revela no está sujeto a duda ni discusión. Son la Verdad. Algunos textos sagrados prohíben conductas o comportamientos no solo a los creyentes, sino también a los no creyentes. Ello conduce a la obligación del creyente de evitar esa ofensa percibida a su religión o a sus sentimientos religiosos. El uso de la violencia es una de las maneras de evitar esa ofensa.

Como es llevada al cine. Mostrando, en un instituto de un barrio de Bruselas, como una estudiante con raíces musulmanas y considerada lesbiana, y por ello traidora, es señalada como una persona que ofende a la religión musulmana con su comportamiento y orientación sexual. La estudiante es acosada en redes sociales y se usa la violencia física como respuesta a la percepción de esa ofensa a su religión. El profesorado enfrenta ese problema de diferentes maneras, entra las que se encuentra la lectura en clase de poemas escritos por personas religiosas. Estas lecturas se vuelven a percibir como una nueva ofensa, por lo que exigen la prohibición de esos textos a lo que se niega una de las profesoras aduciendo que la escuela es pública y laica, por lo que goza de libertad de cátedra. El conflicto, no resuelto por el diálogo y la tolerancia, toma vertientes cada vez más violentas.

Dirección, guion, interpretación. La película es enormemente valiente, tratando un tema sobre el que se pasa de puntillas, la ofensa a los sentimientos religiosos con conductas en donde no se produce ningún daño más que a los creyentes en una religión de cuyos textos sagrados pueden prohibir esas conductas a creyentes y no creyentes. Sobrevuela la idea de que esos comportamientos pueden corromper a los creyentes, sobre todo si son jóvenes, y alejarles de la religión verdadera y de una moralidad considerada como universal, por lo que deben prohibirse. La película se centra en la religión musulmana, si bien en nuestro país existe el delito contra los sentimientos religiosos y los padres pueden hacer uso del denominado pin parental en algunas autonomías. La película hace una exposición de como los conflictos generados por la percepción de estas ofensas se pueden abordar por la vía del diálogo, del uso de herramientas educativas. Sin embargo, también muestra como un ambiente hostil puede hacer fracasar esos intentos y abocar a una resolución violenta. La película está llena de planteamientos que nos invitan a reflexionar, la entrada de la enseñanza religiosa en las escuelas e institutos, la percepción del racismo en la sociedad de acogida, el ambiente familiar y de la comunidad religiosa, los líderes religiosos, las redes sociales. La interpretación es sincera, destacando la protagonista Lubna Azabal. El silencio que acompaña a los créditos finales de la película es una brillante banda sonora.

Lo que más me ha gustado. La valentía en llevar a la pantalla conflictos con un trasfondo religioso presentes en nuestra sociedad. Muestra la heterogeneidad en la percepción del conflicto por parte de los alumnos de la clase y del instituto. También es notable como refleja el uso de las redes sociales como parte fundamental en que los conflictos opten por una solución violenta.

Conclusión. Una película excelente, una de esas películas francófonas de entornos escolares llenas de honestidad y coraje. Una película de una distribución muy limitada y que nos presenta una realidad que, el no visualizar, no hace desaparecer