La directora noruega Emilie Blichfeldt se para sobre los hombros de gigantes y nos entrega su propia versión de Cenicienta, una que retoma el cuento desde sus raíces más oscuras y grotescas. Lejos del edulcorado relato de Disney, esta reinterpretación pone el foco en quien siempre fue relegada a un rincón: la hermanastra fea.

Contada desde los ojos de Elvira, la historia se transforma en una mezcla entre comedia negra y body horror, ambientada en un reino donde la belleza no es virtud, sino una moneda violenta y despiadada. Elvira vive a la sombra de su increíblemente bella hermanastra y hará todo lo posible por conquistar al príncipe... cueste lo que cueste.

Blichfeldt, quien descubrió su amor por el cine con títulos tan dispares como Amélie y Dogville, lleva el cuento clásico al extremo. Esa fusión de sensibilidad estética y brutalidad emocional se refleja en cada rincón de la cinta. Su tono es atrevido, inesperado, incómodo y, a ratos, cómicamente trágico.

En lo técnico, no hay nada que reprocharle: el diseño de sonido, vestuario, dirección, maquillaje y, sobre todo, la fotografía, están cuidados al máximo. Las actuaciones son tan crudas como precisas, pero es Lea Myren quien carga con el peso del film y nos regala una transformación tan física como emocional, absolutamente salvaje.

Al tratarse de un film de horror corporal dirigido por una mujer, es inevitable compararlo con su antecesora espiritual, 'La sustancia', de Coralie Fargeat. Sin embargo, Blichfeldt evita los errores de Fargeat: no hay sobreexposición del cuerpo femenino ni un final extendido hasta el desgaste. Aquí el ritmo es pausado, pero constante, y cuando estalla, lo hace con sentido. El clímax es certero y el epílogo, claro: una moraleja directa, sin rodeos, sin sermones.

Eso sí: La sustancia abrió camino para que una película como La hermanastra fea tuviera más visibilidad sin ser rechazada de inmediato. Pero aún así, no será del gusto de todos. Hay quienes no perdonarán que se mancille uno de sus cuentos de hadas favoritos, aunque, irónicamente, esta versión sea más fiel al original que la reinterpretación que Hollywood nos vendió.

¿Y por qué no se lleva la calificación perfecta? Porque, a pesar de todos sus méritos, la historia sigue un arco demasiado familiar: va del punto A al B sin grandes giros argumentales. Ya sabemos a dónde va, y eso le resta algo de impacto. Pero ese detalle apenas le quita media estrella.

Emilie Blichfeldt demuestra que sabe manejar sus influencias con precisión, y se posiciona junto a nombres como Coralie Fargeat, el maestro David Cronenberg, la ya casi consagrada Julia Ducournau y el provocador Yorgos Lanthimos (al menos en su etapa temprana, antes de lanzarse de lleno a explorar la sexualidad en sus obras más recientes).

Critica por Fractal Espacial. La serie de Netflix "El Decamerón" se basa en el libro homónimo, una colección de cien cuentos, algunos de ellos novelas cortas, escritos por Giovanni Boccaccio entre 1351 y 1353. La obra literaria desarrolla tres temas principales: el amor, la inteligencia humana y la fortuna. Los diversos cuentos de amor en "El Decamerón" van desde lo erótico hasta lo trágico, y son relatos llenos de ingenio, bromas y lecciones vitales.

La serie de Netflix, sin embargo, maneja un humor simple, absurdo y sobreactuado, basado en el teatro, el humor de Monty Python y el estilo de Ken Russell en su película "The Devils". Esto afecta las actuaciones, que se ven diezmadas por su guión. La serie, al parecer, se queda lejos de la adaptación cinematográfica hecha por Pier Paolo Pasolini, quien, conociendo su estilo, probablemente presentó una versión más grotesca y provocadora.

La serie se desarrolla durante la Peste Negra, un periodo en el que murieron entre el 30% y el 60% de la población de Europa. Sus temas son la muerte, el egoísmo, la ambición y el temor a morir. El miedo al sueño eterno hace tambalear a la sociedad y desdibuja las líneas entre nobles y sirvientes, así como las creencias en Dios y la sexualidad reprimida de la época.

Lo mejor es su banda sonora, anacrónica, en la que encontramos canciones de New Order, Peter Gabriel, Pixies, Joy Division, Duran Duran, entre otros.

Aunque desconozco la obra original y la adaptación de Pasolini, esta serie de Netflix ha sido mi primer acercamiento a "El Decamerón". A pesar de sus deficiencias, logró entretenerme lo suficiente como para querer revisar la adaptación cinematográfica. En ese sentido, considero que cumplió su cometido.

Eli Roth, conocido por su trabajo en la cinta de horror "Hostel" (2005), trae a la pantalla grande la adaptación del popular videojuego "Borderlands". La historia sigue a Lilith, una infame cazatesoros con un misterioso pasado, que regresa a su planeta natal, Pandora, en busca de la hija desaparecida del poderoso Atlas. Para lograrlo, forma una alianza inesperada con un variado equipo de inadaptados: Roland, un antiguo mercenario de élite desesperado por la redención; Tiny Tina, una demolicionista salvaje preadolescente; Krieg, el musculoso y leal protector de Tina; la científica Tannis; y Claptrap, un robot peculiar con una personalidad única. Juntos, estos héroes deberán enfrentarse a monstruos alienígenas y peligrosos bandidos para encontrar y proteger a la niña desaparecida, quien podría ser la clave para desatar un poder inimaginable.

La película ha sido duramente criticada, obteniendo solo un 9% de calificación en Rotten Tomatoes, una plataforma que personalmente no es de mi agrado. Sin embargo, como fan de la tercera entrega del juego, lanzada en 2019, no podía dejar pasar esta adaptación. El videojuego ofrece un vasto mundo abierto con muchas horas de juego, lo que dificulta su traducción a una película de poco más de hora y media. El film me sorprendió gratamente, me reí bastante, y en mi opinión, es superior a "Monster Hunter" (2020) y se mantiene a la par con series como la cancelada "Halo" (2022), "Fallout" (2024) y "The Last of Us" (2023). Estas series, aunque cuentan con más espacio para desarrollar sus ideas, siguen demostrando lo complejo que es adaptar videojuegos al cine o la televisión. Incluso "The Super Mario Bros. Movie" (2023), a pesar de su éxito de taquilla, tiene sus fallos y, en mi escala personal, empata con un 3.5.

En cuanto a "Borderlands", me gustó la química entre el elenco, con una mención especial para Ariana Greenblatt y el siempre entretenido Claptrap, al que Jack Black le da vida con su voz. Un punchline final más contundente y una mayor atención a las armas y dinámicas del juego habrían añadido un valor extra a la adaptación. Espero que haya una segunda parte, aunque, dada la taquilla actual, tengo mis dudas. En cualquier caso, disfruté la película en el cine, y si están considerando verla, les aconsejo que no se dejen influir por las críticas; formen su propio criterio.

Critica por Fractal Espacial.

Han pasado casi tres décadas desde el brote inicial del virus Rage. El mundo ha cambiado, pero el horror regresa. En 28 Years Later, un grupo de supervivientes se enfrenta nuevamente al caos, solo que esta vez, no todo se siente igual.

La cinta marca un punto de quiebre para la franquicia: funciona tanto como cierre de una trilogía como una nueva puerta abierta al reciclaje y explotación de su legado, seguramente por los próximos diez años. A diferencia del terror visceral y el ritmo endiablado con el que Danny Boyle reinventó el cine de infectados en 28 Days Later, esta entrega opta por un enfoque más reflexivo, casi místico; una especie de samsara. El tono se alinea más con 28 Weeks Later, donde el verdadero enemigo no es el virus, sino la naturaleza humana. La caída y posible redención de la humanidad siguen siendo responsabilidad nuestra.

Técnicamente, la película cumple sin brillar. La dirección de cámaras toma una decisión estilística que rompe con la inmersión —al menos para mí— y que no termina de justificar su presencia. En general, el apartado visual es correcto, pero sin el impacto ni la identidad que destacaron en sus predecesoras.

El mayor tropiezo es el guion. Su falta de solidez afecta directamente al ritmo narrativo, al desarrollo de personajes y, por ende, al desempeño actoral y afecta parte de la dirección. La tensión y el frenesí se diluyen en favor de una narrativa más contemplativa, pero menos efectiva.

28 Years Later no logra estar a la altura de sus antecesoras. En su intento por cerrar el ciclo, renuncia a lo que la hizo memorable: la crudeza, el vértigo y la brutalidad emocional. En su lugar, entrega una reflexión tibia y un punto de partida para futuras secuelas que, lejos de emocionar, despiertan más cautela que entusiasmo.

Bajo el sello de #Shudder, plataforma estadounidense especializada en terror, suspenso y ficción sobrenatural, MadS nos lanza de lleno en una "experiencia en plano secuencia". Aunque más bien parece emular la técnica de Birdman, la complejidad de sus tomas sugiere que estamos ante un "falso" plano secuencia. David Moreau, pionero del nuevo horror francés con Ils (Them, 2006), regresa con una película que fusiona el frenesí de Climax y el escalofriante impacto de Hereditary, logrando una obra que desconcierta y asombra.

La trama se desata cuando Romain, bajo los efectos de una droga experimental, recoge a una mujer herida en la carretera. El pánico de la mujer escala y, en un acto de desesperación, se golpea hasta morir dentro del auto. Desde este punto, el espectador se sumerge en una pesadilla en la que Romain no logra diferenciar la realidad de los efectos del potente fármaco. En su técnica y atmósfera, MadS se conecta con títulos contemporáneos como Talk to Me y Victoria, llevando al público a través de una serie de escenas tan perturbadoras como memorables.

El elenco joven y poco conocido aporta frescura y autenticidad a la cinta, destacándose Laurie Pavy, quien podría convertirse en la próxima Florence Pugh del cine extremo. Junto a Milton Riche y Lucille Guillaume, los tres sostienen con firmeza una historia que equilibra técnica y crudeza. Los primeros y últimos veinte minutos son espectaculares a nivel técnico, cautivando y provocando repulsión a la vez.

Sin embargo, MadS no alcanza la perfección, ya que, aunque ejecuta sus referencias de manera efectiva, cae en zonas familiares del género sin grandes innovaciones, su bajo presupuesto y su trama peca de sencillez. Para los fans del horror extremo, MadS es una adición oscura y visceral que demuestra que el horror francés sigue liderando la brutalidad y autenticidad en pantalla. La advertencia es clara: ver esta película en estado sobrio, pues su impacto es devastador y su mal viaje es demasiado real.