El Dorado es un desenfadado western que ofrece varios de los mejores momentos del cine de Hawks.

John Wayne es un actor espléndido ( un actor a reivindicar definitivamente por los amantes del cine, acabando para siempre con la fama de actor mediocre que merece para muchos ) y en El Dorado da una nueva lección de utilización de la mirada, de presencia en la escena, de construcción creíble de un personaje digno pero rudo muy típico de las películas en las que participó. Robert Mitchum aporta su maravilloso talento para componer al borracho pero noble Sheriff. Jamess Caan y el resto de actores cumplen con creces su cometido.

En concreto hay dos escenas en la parte inicial del filme que son memorables: 1. Toda la escena que acaba con el suicidio del somnoliento muchacho que estaba vigilando en las rocas ( prodigio de sabiduría y economía narrativa ), y 2. La escena en la que Wayne se encuentra sentado en una mesa de un bar y hace acto de presentación el joven que será su aprendiz desde ese momento ( escena con una tensión, con un tempo narrativo inigualable ).

La aparente ligereza de la película puede desviar la atención del espectador: detrás de esta desenfadada película se encuentra el cine de Hawks resumido y mejorado.
Esta película, junto a otras, supusieron el colofón del género. Presentaban vaqueros, héroes del oeste con edades avanzadas y con un entorno que ya no les daba cabida ( hombres que no tenían compañía al margen de sus recuerdos y vivían de su fama, de su pasado ).

Suponían, en fin, una revisión matizadora y desmitificadora de la figura tradicional del vaquero como heroe romántico en el cine.

Después de la Iª Guerra Mundial, muchos soldados volvieron a sus hogares y se encontaron una situación distinta a la que dejaron tiempo atrás. Algunos de esos desubicados ex soldados formarían parte del auge del tráfico de alcohol en los años 20 y de su caída...

Obra absolutamente pletórica de Raoul Walsh, en la que domina con una naturalidad pasmosa todos los resortes del cine. Todo se capta por la cámara de Walsh: miradas que enriquecen las situaciones argumentales, muertes artísticas e intelectualmente excitantes ( nulo subrayado de la violencia, elipsis y elementos escénicos que potencian la percepción del espectador de la misma con más crueldad y fascinación que si se mostrara ), historias de amor inocentes y otras pasadas por el tamiz de la experiencia, opresiva ambientación de los veinte, detalles documentales insertados en las escenas ( aparición de la radio, elaboración clandestina del alcohol ), seres vitalistas, ingenuos gamberros, traidores, tiroteos, venganzas, abordajes a barcos, redenciones personales...

El director reúne en esta película la mayor parte de las virtudes de otros directores en su riquísimo y milagroso estilo: la concisión y crueldad escénica de Fritz Lang, el dominio en la composición de escenas y del ritmo narrativo de Hitchcock, la importancia de los secundarios, el dibujo de personajes, la americanidad y la llana, económica y conmovedora exposición de Ford... El tempo narrativo es perfecto, un lujoso producto de la más exquisita elaboración cinematográfica que puede existir: arte profundo y a la vez suave entretenimiento, seriedad nada pretenciosa, exquisito resultado que enriquece el alma de todas las generaciones que la observen absortos, totalmente sumergidos en ese torrente de la mejor pasión vitalista magistralmente puesta en escena por Raoul Walsh.

Un joven americano sale de su hogar para prosperar ya que proviene de una familia muy humilde que se dedica a ayudar al prójimo sin ánimo de lucro. Está dispuesto a todo: su tío le da un trabajo en la cadena de montaje de su fábrica y allí mantiene relaciones con una simpática chica sin aspiraciones.
Él teme la pobreza, el acomodamiento, la fealdad, el sufrimiento que ha visto desde su infancia... Poco a poco va ganándose la confianza de su tío, el cual piensa en ascenderle. Conoce a una chica que representa todo lo contrario que la anterior: bellísima y acomodada, Ángela y él se profesan un sincero amor.
El personaje de Montgomery Clift en Un lugar en el sol es magistral: ángel o demonio, ser inocente o calculador, personaje que sale de las alcantarillas de la sociedad y es víctima del destino por querer acceder a una vida mejor o mequetrefe sin personalidad que engaña en sus desmedidas ambiciones... La riqueza del personaje es maravillosa.
Elizabeth Taylor es con 17 años una ninfa bellísima con un rostro angelical y fotogénico que además realiza una actuación magistral. La banda sonora de Franz Waxman ensalza la pasión que el protagonista siente por Liz Taylor con una melodía de obsesivo romanticismo. La fotografía es sobresaliente.

El director, mediante una utilización pausada del tempo, nos muestra una naturalista narración llena de detalles, bellísima, precisa, siendo un acierto la duda que crea en torno a los sucesos finales y el dibujo nada maniqueo de los personajes principales. Poco a poco, escena a escena se dibuja un universo de humanismo mágico estilizadamente americano.

La venganza de Ulzana es, en mi opinión, una obra maestra que supone un excepcional colofón a la larga lista de westerns que el cine nos ha legado.

Western violento, preciso, tranquilo, descarnadamente bello, nos situa en las desnudas y bellas montañas, arroyos y praderas de Arizona reflejando la libertad perdida, los primitivos instintos de libertad del hombre, el valor de la experiencia, el misterio de los ritos desconocidos, la indescriptible belleza de lo olvidado y de lo eterno.

Constituye un viaje iniciático para su joven teniente protagonista, un viaje en el que descubrirá el valor de las enseñanzas, la crueldad de lo primitivo, del instinto animal que se desata en el ser humano si lo despojamos de su capa social occidental.

Los indios, violentos e instintivos, aparecen como seres que conviven armoniosamente en la naturaleza, actuando según sus costumbres, siendo portadores de un alma libre y siendo perseguidos por un grupo de exploradores liderados por un joven teniente ( lo nuevo, lo limpio e idealizado ) y un viejo explorador ( lo viejo, la experiencia ).

Fotografía ( bellíosima tierra, polvo, agua, cielos y hierba ), planificación ( excelente: asesinatos, persecución y episodios sedentarios se nos presentan con plena exactitud ) y actuaciones ( Buena interpretación de Lancaster y correcta la de su joven acompañante, por otra parte los indios son los más creíbles, enigmáticos y maravillosamente sugestivos de toda la historia del cine ) conforman una de las piezas más precisas, bellas y reflexivas que el cine puede alumbrar.

Un hombre feliz que cree en la democracia y en la bondad del ser humano viaja para reencontrarse con su dulce amada. Debido a un lamentable error es confundido con un secuestrador y su vida cambia: la masa, la sociedad sedienta de culpables no tarda en sentenciarle sin pruebas y se dispone a aplicar su veredicto...

La presunción de inocencia ( principio que no se respeta en nuestra sociedad ), las atrocidades que puede cometer el ser humano cuando se encuentra protegido bajo el anonimato de la masa o la pérdida de confianza en la ley y en la justicia son temas que se abordan en esta maravillosa película de Lang.

Con una fotografía excelente ( no es extraño proviniendo de este maravilloso fotógrafo ) que resalta los claroscuros y la iluminación de los rostros, un reparto entregado ( excelente Spencer Tracy, angelical Sylvia Sidney ), una banda sonora adecuada de Franz Waxman y una dirección precisa, brillante, que dota de a la historia de una profundidad asfixiante, esta película es un alegato en defensa de los valores de la democracia, una reflexión sobre la inocencia perdida, y una muestra más sobre la reflexión en torno a la naturaleza del ser humano.

Excepcional obra que anticipa tantas otras ( La mujer del cuadro, Perversidad, Sólo se vive un vez... ) que realizaría su autor en su fructífera estancia americana. Fritz Lang realizaba un cine serio, humanista, apasionado, preciso, complejo, atormentado y profundamente lírico, que le situa en mi opinión como un autor difícilmente igualable.