Sin lugar a duda, Eva al desnudo nos ha dejado una obra de arte en forma de guión. Por fin se anteponen las palabras a las formas y los diálogos al color. Un loco estaba esperando decir esta frase. Se podría visionar esta película más de doce veces seguidas y no caeríamos enfermos, ya que nunca se agota la riqueza psicológica de los personajes. Mankiewicz se tejió un uniforme con esta película que le sirvió como identificativo de ser uno de los mejores guionistas.

Ayoade debuta en el primer equipo apostando bastante fuerte por un largometraje sobre la adolescencia y la madurez. En base al personaje de Oliver Tate, un niño neurótico de familia británica, se nos plantean una serie de obstáculos en la carrera hacia lo adulto. Así pues, el transcurso de la historia se ve segmentado en varias subtramas que a mi parecer, algunas carecían de interés. Pero dejando de lado la estructura narrativa, lo que más me ha atraido de la película han sido los aspectos formales. Una muy buena fotografía y una genial puesta en escena han sido elementos que han completado la película. Los fuegos artificiales por la noche, las composiciones friedrichianas del océano, la bañera en mitad de un cementerio de electrodomésticos, los interiores de los puentes (?),... Ni mencionar el bizarro baile de rojos y azules que desde los créditos iniciales ya empiezan a jugar, o los asombrosos temas que Arctic Monkeys han compuesto que sirven de cohesión entre todas las partes de la película. El patriotismo británico.

Un contraste psicológico entre una filosofía de vida heredada de Charles Manson y la Familia por parte de una comunidad sectaria y la reinserción posterior en la civilización de la protagonista (Elisabeth Olsen) nos hace cuestionar los límites de lo que consideramos normal y perturbador. Sin lugar a duda, película y protagonista comparten una mirada fría, absorbente y momentos de incomodidad, denotando una gran madurez y credibilidad, todo teñido de una fotografía bastante lograda que acentúa la decadencia psicológica y tristeza de la protagonista. La interpretación de los personajes es genial, pero no acaban de darnos esa sensación de profundidad en ninguno, sólo tenemos una imagen plana, y hubiese sido más provechoso para la descripción psicológica de ellos. Junto a esto, igual un final más concluyente hubiese sido un punto de refuerzo para la película.

Como un beso sin mejilla, la soledad que nos invade al ser conscientes de nuestra mortalidad es el terreno allanado por donde nos conduce Haneke en Amour. Sin idealizar, enfatizar ni recargar con sentimentalismo todo aquello que filma, humaniza con profundo respeto la relación que tiene una pareja de músicos octogenarios formada por Georges (Jean-Louis Trintignant) y su mujer Anne (Emmanuelle Riva) cuando ésta necesita cuidados a raíz de un ictus cerebral. No hay embellecimiento en ninguna de la tareas que Georges amorosamente se encarga de hacer, si no piedad por el camino a la muerte, rasgo heredado del mejor cine de Ingmar Bergman. A su vez, la película está montada sobre una estructura rítmica incorregible, con una breva inserción en completo silencio de seis lienzos pictóricos que encontramos en la casa que reproducen paisajes que nos hacen alejar por unos momentos nuestro punto de vista, ya que la historia transcurre en casi toda su totalidad en el interior de la casa.
En mi opinión creo que el crudo drama y terror que desprende Amour reside en el momento en que dejamos de pensar que somos dueños de una inmortalidad de cuarenta o cincuenta años por vivir, y nos damos cuenta de que somos finitos. Sin lugar a duda, Haneke apela a lo más noble y a lo más terrible del ser humano, dejándonos una gran experiencia al haber visto esta película.