"Hitler: El Reinado del Mal" (2003), dirigida por el irregular Christian Duguay (director de "Asesinos Cibernéticos", adaptación de la novela del genial Philip K. Dick, y de las mediocres "Scanners 2 y 3") y Robert Carlyle ("Full Monty", "Trainspotting", "28 meses después") nos presentan un retrato sobre la figura de Adolf Hitler, centrándose en una parte de su vida algo olvidada (y no por ello menos interesante): su infancia, su estancia en Viena como pintor frustrado, su paso por la I Guerra Mundial y, fundamentalmente, el periodo dedicado a la creación y cimentación del NSDAP (Nationalsozialistische Deutsche Arbeiterpartei o Partido Nacionalsocialista Obrero Alemán, creado a partir del original Deutsche Arbeiterpartei de Anton Drexler) durante la República de Weimar (1919-1933). Un periodo de la historia tremendamente interesante para cualquier persona que quiera conocer a fondo la historia contemporánea.

A pesar de esto, la descripción psicológica del Führer no podría haber sido más burda, simplista, irreal y poco creíble. La caracterización de Robert Carlyle, aunque el pobre lo intente, no deja de parecer una caricatura en todo momento, y la de Peter Stormare como un raquítico y manejable Ernst Röhm (hombre bastante obeso, aguerrido y de declarada homosexualidad) le restan fuerza a un guión que condensa y resume "correctamente", aunque de forma algo tendenciosa, un momento histórico difícil de analizar. Su fotografía no es despreciable, su duración (180 min.), podría parecer excesiva, pero teniendo en cuenta la temática, resulta comprensible (abreviar habría destrozado la historia), su montaje es mejorable y posee un guión trabajado.

En definitiva, este filme provocará curiosidad por este momento histórico, por la figura de Adolf Hitler y nos permitirá volver a verle paseándose por toda Alemania y Austria con su recortado y simbólico bigote. Entretenida.

Magnífico largometraje del mejor realizador de todos los tiempos. El cine mudo en ocasiones puede resultar "áspero" al público actual, pero la belleza visual de todos los filmes de Chaplin rompe con todo tipo de prejuicios. No intenta darle un argumento completamente racional, sino que provoca, transmite emociones.

En "Luces de la ciudad" demuestra todo lo dicho anteriormente, y algo que en la actualidad costará a muchos comprender... HUMANIDAD.

Frío, egoísta, insensible... SOLO.
Un anciano hastiado de su propia existencia, emprende un viaje en coche con su nuera, quien le detesta por todo lo que es: inflexible, avaro... ha perdido toda vida, toda humanidad. En este periplo vuelve a su niñez, a todo lo bueno que sintió y era, un joven soñador lleno de esperanzas.

"Cuando llego a la noche, después de un día intranquilo o tristón, trato de evocar, para serenarme, los recuerdos de mi niñez, esta noche lo hice una vez más... descanso, sosiego, paz."

Fresas Salvajes, una película para saborear y disfrutar. Para recordar.

Álex de la Iglesia es, sin duda, el mejor director de este Estado al que llamamos “España” y en el que a los que compartimos cultura se nos llama “ladrones”. Y lo es, habiendo hecho lo que le gustaba, no vendiéndose al mejor postor, ni realizando secuelas de dudosa calidad, sino filmando un tipo de películas “contracorriente” en un país de ignorantes.

Con títulos a sus espaldas como ‘Acción Mutante’, ‘El día de la Bestia’, ‘Muertos de risa’, ‘La comunidad’, ‘Crimen Ferpecto’ y ‘Balada triste de trompeta’, ha sabido aunar frikismo, humor negro y terror a partes iguales. Además, ha demostrado ser un hombre comprensivo con las nuevas tecnologías y capaz de entender que la industria cinematográfica está anticuada y debe reconvertirse si quiere seguir formando parte de la sociedad. Su batalla contra Sinde y la historia de los Goya es por todos conocida, por lo que no profundizaré más en el tema.

“La habitación del niño” es un telefilm de terror (no lo infravaloréis por ello) tremendamente bien realizado. Dirigido por Álex de la Iglesia en 2006, forma parte de la serie de ‘Películas para no dormir’, producidas por Narciso Ibáñez Serrador y dirigidas por diferentes cineastas dedicados a este género, en honor a la serie de televisión ‘Historias para no dormir’ que comenzó su andadura a mediados de los años 60.

Álex nos introduce en la historia de un matrimonio con un niño recién nacido. Cómo reciben la casa de sus sueños a un precio bastante bajo (gracias a la inmobiliaria de "El Corte Inglés", cómo no), se instalan e intentan ser felices a pesar de no tener mucho. Todo parece ser perfecto, hasta que la hermana de Juan les regala un intercomunicador para bebés a través del cual comenzarán a escuchar angustiosas e inquietantes voces...

Continúo por falta de espacio en el spoiler:

Calificar “Saló, o los 120 días de Sodoma” como un filme más o, sencillamente, ponerlo al mismo nivel que otras obras, supondría olvidar gran parte de las lecturas que derivan de la misma. Saló no se puede resumir en palabras puramente formales. Ésta excede todo análisis simplista o superficial. Pier Paolo Pasolini no era sólo un director, sino uno de los intelectuales italianos con mayor capacidad de análisis y crítica del siglo XX.

Incomprendida, censurada, polémica... película de culto para algunos, maldita para otros. No pasó desapercibida para nadie, mucho menos para los amigos y/o enemigos del director, quien, como broche de oro a toda su carrera artística, tuvo que pagarlo con el precio de su propia vida, masacrado y humillado de la peor forma posible por parte de las esferas que él mismo denunciaba: el poder.

Y es que al intentar reducirla a un solo concepto, más allá de la violencia, el sexo y la mierda, la película no habla más que de eso, del poder. O para ser más concretos, del caos del poder. El poder hace lo que quiere, cuando quiere y como quiere. Detrás de todo ese maquillaje de respeto al prójimo, de falsa legalidad, de derechos humanos... la realidad existente es otra. Las élites de poder derivadas del excedente de producción no nacieron para aportar seguridad a este mundo caótico, ni para proporcionar una mayor calidad de vida. El poder se creó para someter.

Pasolini traslada los textos del Marqués de Sade, «Los 120 días de Sodoma», a los hechos acaecidos durante la República de Saló (La República Social Italiana, también conocida como República Social Fascista de Saló, Estado creado por Benito Mussolini en el norte de Italia al final de la Segunda Guerra Mundial), a los que da una base mucho más compleja y rica en detalle. Asimismo, realiza un análisis de la Italia de 1975, fecha en que se estrenó, ya que ese fascismo del apolillado Mussolini seguía muy vivo.

En dicho contexto presenta a los cuatro «protagonistas» (una mera formalidad, ya que se trata de un filme coral donde el verdadero protagonista es la masa; los poderosos y los sometidos), quienes carecen de nombre o de rasgos psicológicos que los identifiquen. Se llaman a sí mismos: «El Presidente», «El Magistrado», «El Duque» y «El Obispo», en analogía del poder al cual representan. Son personas de las altas esferas, cultas, amantes de los textos de Nietzsche o Baudelaire, y, a su vez, capaces de realizar las mayores atrocidades. Para ellos la cultura y la posición son más una herramienta que un fin, a través de la cual se valen para someter.

"Estáis fuera de toda legalidad, nadie en la tierra sabe que estáis aquí. Por lo que respecta al mundo, vosotros ya estáis muertos". Con dicha frase se presentan ante los jóvenes que han secuestrado: los han tomado, los han vuelto propios, los han convertido en objetos de su mercancía. El poder mercantiliza el cuerpo, provocando la cosificación del ser humano. Como meros objetos, dichos jóvenes han de someterse a las las leyes del nuevo régimen, del nuevo poder. Y éstas no son más que el sometimiento a los caprichos, las manías, las obsesiones y las enfermedades de los cuatro.

Habiendo abandonando toda esperanza nos adentramos en la mansión. Pasolini elimina toda limitación y desde un principio nos sitúa en un contexto determinado, el Infierno. Y en el Infierno no hay lugar para la linealidad narrativa, la progresión argumental o la relación causalidad-consecuencia. Rodeados del lujo típico de la burguesía y la aristocracia, cuatro viejas arpías se sientan frente al piano, mientras los jóvenes desnudos rodean a sus nuevos amos, disponiéndose a escuchar las historias que éstos relatan. Éstas no tienen más finalidad que causar el deleite del poder. Despiertan sus instintos más salvajes. Una vez que la irracionalidad se hace presente, olvidan toda normativa o noción moral, abandonan ese maquillaje superficial impuesto por una sociedad hipócrita. Dominados por el placer, deciden dar rienda suelta a sus instintos más primarios.

Así, Pasolini nos dirige hacia los rincones más degradantes y perturbadores del ser humano. El poder somete, mata el espíritu y la voluntad de los sometidos. Los jóvenes deben satisfacer los deseos sexuales de sus amos; acceden a caminar a cuatro patas, atados con correas, y a alimentarse del suelo; el decadente espectáculo continua con un festín de coprofagia. El Círculo de la Mierda da comienzo. Cada uno de los participantes se ve obligado a comer sus propias heces. El impacto en el espectador es indudable (recordemos el año, 1975).

(Continúo en el "spoiler" por falta de espacio)