Los hermanos Cohen han reconvertido La Odisea en un torbellino de luz, humor, música y, en definitiva, cine del bueno. Sin pretensiones intelectualoides, con un ritmo alegre y divertido, pero con notable densidad metafórica y belleza plástica, han retratado de forma inmejorable el Missisipi de la Gran Depresión a partir de un peculiar Ulises. Everett Ulysses McGill (George Clooney) escapa de un campo de trabajos forzados para reencontrarse con su mujer. En su alocada huida le acompañan el inadaptado Pete (John Turturro) y el simple Delmar (Tim Blake). Los tres reviven las aventuras del Ulises griego al más puro estilo sureño: las sirenas son tres hermosas lavanderas, el cíclope es un vendedor de biblias tuerto y taimado... La idea no es nueva. Pero el resultado en este caso es simplemente sublime. Sublime y accesible. Porque si el Ulises de James Joyce, paradigma de la actualización moderna del mito, optó por el formalismo más hermético, Oh brother! lo puede disfrutar cualquiera. Los hermanos Cohen han incluido en esta película una buena cantidad de planos de significación, por los que el espectador puede pasear sin marearse gracias a su excelente sentido de la estructura. Así, los homenajes al cine, como la excelente parodia de Clark Gable por George Clooney, casan a la perfección con la crítica a los políticos de algunas escenas -siempre matizadas de efectivas canciones-, y éstas a su vez le vienen como anillo al dedo al delirante ritmo surrealista. Así se suceden pasajes memorables, como el concierto de gospel en plan cónclave del Ku Klux Klan o la grabación de un disco de country por los tres fugitivos. Y por encima de todo, como un gran y maravilloso manto homogeneizador, la fotografía de los Cohen alcanza niveles estratosféricos. Si en Fargo el color blanco daba la sensación de un estilo propio, perfecto envase del contenido, en Oh brother! un suave amarillo crea una atmósfera ideal, entre brillante y nostálgica

Benny & Joon es todo un clásico de los 90 y una de las mejores comedias románticas de dicha década. Es deliciosa, amena, divertida, entrañable, preciosa, con buenas actuaciones y una película imprescindible.

Benny & Joon es una comedia romántica de las buenas, de aquellas en las que los sentimientos fluyen por si solos y no forzadamente como en otras. El amor que surje entre los distintos personajes es honesto y sincero, así como sus relaciones, ya sean amorosas o de simple amistad. La historia de amor entre Sam y Joon es tierna y divertida, un amor en el que no importa que ella esté enferma o que él sea raro. Asimismo la relación entre los dos hermanos también es preciosa y realista, mostrando la lucha diaria de dos personas que sólo se tienen el uno al otro y, que pese a que a menudo se harten de la presencia del otro, siempre se perdonan porque se quieren muchísimo. Y para que todo eso tenga sentido para el espectador, para que transmitan toda esa ternura, para eso están los actores, porque están todos más que estupendos. Aidan Quinn hace un gran trabajo en el papel de Benny, el hombre que necesita salir de la jaula en que se ha convertido su casa pero que al mismo tiempo no desea para nada dejar sola a su hermana. Mary Stuart Masterson lo hace fantásticamente como la chica con una enfermedad mental que no soporta los cambios y para la que la rutina es muy importante. Ofrece una actuación dulce y maravillosa. Julianne Moore, incluso, no tiene tanta cara palo como es habitual en ella y sonríe mucho, creando un personaje acorde con los otros tres.

Pero, por supuesto, y supongo que no cabía ninguna duda, el mejor es Johnny Depp. La película empieza bien pero no es hasta la primera aparición de Sam que despega ya del todo. Johnny Depp tiene un carisma INCREÍBLE y lo transmite desde el primer segundo en que sale, subido a un árbol observando a Joon. Johnny está en su salsa haciendo el papel que probablemente se le dé mejor, el excéntrico pero encantador chico que al principio choca por su personalidad pero que al final acaba conquistando a todo el mundo que está a su alrededor. ¿Hay alquien que no se haya enamorado de Sam una vez ha terminado la película? Es difícil no hacerlo, porque es un personaje tan tremendamente adorable que parece mentira. En esta película no es ninguna excepción y está tan fabuloso que se lleva la peli él solito. Johnny Depp es uno de los actores más expresivos y versátiles del panorama de Hollywood y viendo esta película es imposible negar ese hecho, porque con una simple mirada y con una de sus preciosas sonrisas ya te transmite de todo. Es especialmente por Johnny que Benny & Joon es una película tan especial y preciosa que llega al corazón con una facilidad pasmosa. A los que no os gusten las películas románticas pastelosas, Benny & Joon es vuestra película porque el amor surje de una forma tan natural y fluída que llegará a nosotros sin que nos demos cuenta. Dadle una oportunidad si aún no lo habéis hecho.

La huella de la guerra de Vietnam, sus heridas, han estado siempre muy presentes en el cine estadounidense. “Birdy” es consecuencia directa de ella, pero su gran virtud es que se acerca a aquella tragedia, hoy de más actualidad que nunca, de un modo poco habitual. Mientras la mayoría de películas protagonizadas por personajes que sufrieron en su carnes la absurda contienda vietnamita se inclina por el sociologismo levemente aderezado por elementos psicológicos (véase “El regreso” o “El cazador”, con las debidas precauciones), “Birdy” tira por otro camino, por el de la profundidad en el análisis de los comportamientos humanos, casi en territorio del psicoanálisis. Dos jóvenes recién llegados de la guerra, los personajes a que dan vida Nicolas Cage y Matthew Modine, ambos sencillamente inconmensurables, intentan rehacer sus vidas; el primero, con graves heridas físicas, y el segundo, que siempre había sido un amante de los pájaros, con un delirio que le hace creer que es uno de esos animales y, por ello, está confinado en la habitación de un hospital psiquiátrico sin más compañía que las ocasionales visitas de su amigo, la única persona que puede comprenderlo. En “Birdy”, Alan Parker experimenta con una historia claustrofóbica, íntima, privada, llena de complicidades y con algo más que un fondo de desesperanza, y lo hace con un eficaz trabajo de iluminación y composición del plano que transmite sensaciones sin que el director se sienta presionado por el avance de la historia. “Birdy” es un poema narrativo que eriza el vello, emociona y no provoca reacciones complacientes. Otra obra con un pie en la maestría del director de películas como “Fama” y “El corazón del ángel”.

Allen dirige a medios gas, es evidente. Aunque ya suene a tópico, lo cierto es que alcanzar la altura emocional de sus mejores títulos es algo que parece difícil. Pero en esta ocasión al menos presenta un nuevo thriller criminal, que como en el caso de “Match Point”, es preferible a comedias olvidables como “Scoop”, entretenimiento pasajero insignificante en la filmografía de Allen.

A pesar de su inequívoca intrascendencia, “El sueño de Casandra” resulta equilibrada y narrativamente intachable, alternando suspense y drama con tanta humildad como estilo. Ewan McGregor y Colin Farell sirven a Allen para sustentar una trama con la que describir perfectamente la dualidad impresa en tantos conflictos morales. De nuevo hallamos discusiones acerca del peso de la culpabilidad y la redención cuando su realizador opone dos caracteres bien distintos, el del personaje de McGregor, para el que el fin justifica los medios, y el de Farrell, tan abocado al fracaso como el primero pero capaz de discernir entre vasos de whiskey y pastillas sobre el crimen y el castigo, sobre el bien y el mal. La contraposición entre ambos fomenta las mejores líneas de guión del film, alcanzado un clímax final inevitable en la embarcación que da título a la película que redondea toda una moraleja sobre la condición humana, siempre codiciosa.

Puede que Allen haya perdido fuelle y corrosividad como dialoguista, pero satisface al espectador con desarrollos argumentales en crescendo donde existe un punto de no retorno en el que sus protagonistas deben pagar por sus actos o vivir con una mala conciencia pese lo que les pese. La gracia reside ahí, en descubrirnos en el rostro de unos individuos enfrentados a callejones sin salida en los que la elección, consciente o no, es fundamental. En cualquier caso, se acepta con gusto las dosis de humor negro que su director aporta en esta ocasión y se aplaude el acierto de contar con un sugerente score del siempre estimulante Phillip Glass.

Si bien puede situarse en la lista que incluye a los proyectos menos relevantes de su carrera, “El sueño de Casandra” ofrece como mínimo dos horas de buen cine, que visto lo visto hoy, parece mucho pedir. Y es que la veteranía, para lo bueno y para lo malo, es un grado.

Por fin he visto "Dune", tras mucha expectación e impaciencia, el día de su estreno en España (17.09.21) y en la Sala 1 del Cine mk2 Cinesur Nervión Plaza (Sevilla), cuyo nuevo lavado de cara destaca, en especial, por el sonido. Mis primeras impresiones al salir con dolor de oídos, comentándolas con mi pareja, es que esta "I Parte" es visualmente impresionante, muy ruidosa y aburrida.

Es un calco de "Blade Runner 2049" con algunas pinceladas de epicidad guiadas por hermosas gaitas. Recargada a más no poder, reluce por estos paisajes desérticos tan atractivos, donde el gusano sólo asoma la boca, y la majestuosidad de sus escenarios. En mi opinión, no aciertan con la decisión de dividir la historia en varias partes, no hay un final como tal, sino que acaba de la peor manera posible con un corte de tijeras a mitad de camino.

Se trata de una honesta representación de la obra de "Frank Herbert", bien adaptada a la gran pantalla, en la que se han obviado personajes y escenas para meterle prisa a la cinta y preparar una "II Parte" por dinero, claramente. Nadie destaca por encima del resto, te puede gustar más o menos, pero ninguna actuación es relevante. Creo que la mayoría estamos de acuerdo con que se ha desaprovechado el papel de Glossu Rabban, el sobrino del barón Harkonnen, que para sobresalir necesitaba de una cierta brutalidad que no han querido mostrar al endulzar las escenas de violencia.

Además, quiero subrayar que me ha encantado el diseño de las ruidosas naves, aunque habría sido magnífico ver el interior de alguna, por ejemplo, La Cofradía Espacial; que es innecesario cambiar de sexo a un personaje de una novela clásica como ocurre con "Liet-Kynes" para después aparecer en momentos contados; y algo que me llama la atención son aquellos momentos de la película que leídos están geniales pero plasmados en la pantalla quedan ridículos y son muchos, como el escupitajo de Bardem, el alocado grito de Shadout Mapes o la forma de caminar por la arena de los Fremen para evitar y engañar al gusano.

Por último, antes de acabar, mencionar rápidamente a la extraña Dune de "Alan Smithee" que tiene otro espíritu, más profundo y mágico, con el que no cuenta la de "Denis Villeneuve", que se diferencia por ser más siniestra o, al menos, eso es lo que pretende.