"Lost Girls and Love Hotels" nos invita desde la primera escena a meternos en un laberinto, de a ratos tan perfecto como asfixiante, que es la noche solitaria de Tokyo, de la mano de Margaret, una Alexandra Daddario que consigue con éxito demostrar que, cuando el guión y la dirección valen la pena, ella está a la altura de las circunstancias. Y ambas cosas sí valen, pues el guión viene de la mano de la misma escritora de la novela en la que se basa la obra, y William Olsson consigue con éxito construir la atmósfera opresiva totalmente individual, con la que el espectador empatiza hasta quedar también atrapado.

Cada una de las escenas nos hace sentir en la misma cuerda floja que la protagonista. Margaret es una atractiva joven americana que se encuentra totalmente solitaria en Tokyo. Su trabajo es ser asistente de pronunciación para una escuela de azafatas, pero pronto nos damos cuenta que su auténtica identidad es la de una chica sin rumbo, huyendo constantemente de sus propios pensamientos a través de sus costumbres de emborracharse con sus amigos (otros extranjeros igual que ella) y especialmente el buscar escapar de su tristeza a través de la fugaz dopamina que le genera el sexo sadomasoquista con cualquier japonés que se cruce con ella. Su búsqueda de algo que la saque de todo el dolor que evidentemente carga la lleva a cruzar su camino con Kazu, un peligroso líder yakuza interpretado por un correcto Takehiro Hira, lo cual trae a su vida sentimientos y emociones que harán que su realidad tiemble ante nuestros ojos.

El film consigue ponernos en la piel de la protagonista, centrándose únicamente en ella (lo cual hace que Daddario sea perfecta para el rol, pues tanto el rol como su belleza nos vuelven tan adictos como ella), nos lleva a alternar entre el deber y la angustia, entre la búsqueda desesperada del éxtasis sexual y el autoabandono más asfixiante. La vemos ahogándose en un mundo que le ofrece de todo menos lo que necesita, empatizamos con el aferrarse al único rastro de empatía humana, el caer en la desesperación, el no tener ningún lugar adonde huir. Incluso las escenas sexuales, las cuales no son escasas, saben mostrarnos un deseo vacío y opresivo, dejándonos a nosotros también con una tristeza que no sabemos cómo calmar.

La película no es romántica ni sexual ni un thriller, es un viaje en la etapa más oscura de una persona sumida en la autodestrucción y la obsesión. Consigue hacer que nos perdamos en ella, y que también tengamos deseos de saber cómo salir de ahí. Cómo volver a encontrarnos.

Es una mezcolanza de historias poco desarrolladas y que nunca llegan a interesar del todo. Para empezar nunca hay "terror", las historias juegan a crear un suspenso que jamás consigue escalar porque salta de una trama a la otra haciéndonos perder y prometiéndonos un clímax entre todas que tropieza y cae. La única trama "decente" es la de la escuela, la única que se desarrolla de manera ininterrumpida y recurriendo a diálogos y luces, pero peca por ridícula. Las demás ya son una parodia. La trama de las víctimas del accidente es un intento ruin de emular una metáfora de zombies urbanos; la del bullying es pesadísima; la del hotel es un intento estúpido de incluir sexo porque sí (lo cual nos hace pensar que el público al que apunta está película tiene la vara muy baja y las hormonas muy altas) y la de los coches directamente no se entiende qué quisieron contar.

Aún a pesar de lo mala que es, deja una sensación de que en el próximo intento los hermanos Rotstein podrían tomárselo más en serio y aprender de los veinte mil errores que cometieron acá.

Zack Snyder sigue siendo Zack Snyder, ya quien lo conoce sabe que sus antecedentes hablan por él. Su adicción a crear películas llenas de escenas vistosas, llenas de acción y de adrenalina, pero alevosamente carentes de un sentido real que vuelva a la película más nutritiva. Pero en este caso en particular todos esperábamos algo más de respeto a la inteligencia cinéfila, pues antes de sus blockbusters palomiteros "300", "Watchmen", "Man of Steel", "Batman v Superman" y "Justice League", Snyder nos había deleitado con "Dawn of the Dead", la remake de una obra del grandioso George A. Romero, que en su momento llegó a ser profundamente satisfactoria para los amantes del género. Al enterarnos que Snyder regresaría al género zombie nos ilusionamos con un regreso a esos orígenes, pero la poquísima calidad de "Army of the Dead" volvió a decepcionarnos.

Ya los posters de la película nos llevaban a una confusión. Un estilo que ya vimos en "Suicide Squad" nos dirigía a pensar inicialmente que esta película sería una bocanada de aire fresco, desenfadada, ingeniosa, llena de acción, llena de carisma y especialmente épica, algo que en una peli de zombies es una joya luego de toda una década donde la solemnidad de series como "The Walking Dead" llegó a fatigarnos. En lugar de eso, encontramos una película totalmente genérica, con personajes con los cuales es demasiado difícil empatizar, historias que cansan aún cuando hagamos el intento de seguirlas, un ritmo que languidece, un argumento digno de ser escrito por adolescentes, un guion absurdo, una banda sonora insulsa y un resultado final totalmente olvidable.

El argumento es simple, un poco cliché y con muchísimo de absurdo, pero con ciertos detalles interesantes. Otro origen del virus "zombie" (en zona spoilers aclaro las comillas) como experimento misterioso de la milicia norteamericana, un traslado que sale mal, un zombie liberándose y desatando el desastre sobre una ciudad, en este caso Las Vegas. Los minutos de créditos iniciales son una extraña joya, con dramatismo y mucha acción que luego terminaremos extrañando. Concluyen en que el virus es contenido sólo en Las Vegas a través de poner muchos contenedores salidos de no sé dónde alrededor de la ciudad a modo de muralla, y consiguiendo de manera imposible que todos los zombies se queden dentro y no se escape ninguno. Es una premisa absurda e infantil, pero hacemos uso de la suspensión de credibilidad porque sino tendríamos que quitar esta película a los diez minutos.

Luego, el argumento nos habla de un multimillonario llamado Bly Nanaka (Hiroyuki Sanada, quien interpretó a Scorpion en la reciente "Mortal Kombat"), quien va a buscar a un mercenario condecorado llamado Scott Ward (Dave Bautista, ya hablaré de él) para proponerle la idea central del film: Contratarlo para una misión de extracción de 200 millones de dólares de la bóveda de un Casino en la zona infectada de Las Vegas (de los cuales cincuenta serían para él), en el tiempo límite de cuatro días, pues es el plazo en el que el gobierno estadounidense lanzará una bomba nuclear en la ciudad. Una premisa que hace agua por todos lados, pero de todos modos la compramos. Ward reúne un equipo de mercenarios que aparentan ser carismáticos pero son muy planos y estereotipados (mercenarios, una piloto chiflada, un youtuber narcisista, un cerrajero inseguro y un guardia racista y misógino). Los personajes son completamente olvidables, al punto de que al terminar de ver la película no podemos recordar el nombre de ninguno de ellos. Hago hincapié en Batista porque, para mi grata sorpresa, es lo mejor de la película. Si bien su personaje daba para ser una especie de proyecto de Dwayne Johnson, Batista nos ofrece un héroe de acción vulnerable, muy humano, con inseguridades y que sorprendentemente convence, aunque no sea suficiente para rescatar la cinta.

Otro detalle grato pero insuficiente es el mensaje político mostrado a pincelazos al comienzo. Al comienzo se nos habla a través de informes televisivos (un recurso narrativo muy gastado por el querido Zack) que en las cercanías de la zona infectada hay un campamento en cuarentena donde hay personas aisladas por riesgos sanitarios, pero que rápidamente devino en un campo de concentración para personas indeseables para los estadounidenses, como por ejemplo los mexicanos refugiados. Una crítica social mostrada a cuentagotas, pero suficiente. La hija de Ward, Kate, participa como voluntaria, y tiene una historia alternativa que tenía todo para ser interesante, pero decayó demasiado, como si la primera mitad fuera escrita por una persona y luego por otra.

Es que la película tiene un comienzo muy prometedor, el cual se va diluyendo a medida que pasan las horas, con Snyder creyendo que unas escenas "de acción" y "carismáticas" podría remontar un tedio que no hace más que aumentar.

Mención especial a la fotografía del film. Es muy mala. Lo cual nos corrobora que en aquellas películas "épicas" que fueron dirigidas por Snyder, y por las cuales tanto lo hemos felicitado, NO lo tuvieron a él como director de fotografía, y cuando finalmente él quiso hacerlo por su cuenta la calidad bajó estrepitósamente.

Siento como si estuviera viendo una versión Zack Snyder de la historia de Mortal Kombat. No por la oscuridad y la violencia, sino por la estrategia de poner primero en la lista de cosas a lograr de la cinta a las escenas super cool y vistosas a modo de fan service, y luego, si alcanza el tiempo y las ganas, escribir una historia medianamente coherente. Pedir fidelidad a la historia original que, se supone, deberían respetar, es algo que siempre fue opcional.

Este año 2021 nos presenta una muy esperada y anticipada nueva versión de una historia cuyos 30 años de trayectoria tanto cinematográfica como videojugabilística nos da permiso de considerar ya un clásico. Y, contra lo que podría creerse luego de mi párrafo anterior, el trabajo del director fue muy bueno. Simon McQuod hace un buen trabajo al dirigir una película de acción de bajas expectativas. Al ir a ver una película con este título, nuestras expectativas son mucho menores que la media. Esperamos escenas de acción alucinantes, un gore que ahora sí sería bien recibido (mientras que en la película de los '90 hubiera sido problemático por la fama de apología a la violencia que tenía la franquicia), pero también esperamos cierta fidelidad a la trama. Y eso es algo en lo que la película fracasa. Terminamos viendo una película improvisada, basada sólo en las premisas que los empresarios, obviamente sin conocimientos del videojuego, impulsan: Que la trama se centre en los personajes principales: Scorpion y Sub-Zero.

Debido al nombre de la película (y sus antecedentes), esperaríamos que la historia hable del torneo Mortal Kombat (en el cual se juega el destino de la Tierra, pues si un luchador del "Outworld" gana diez veces seguidas, los ejércitos del gobernante del Outworld, Shao Kahn, tendrá el poder de invadir la Tierra, por lo que uno de los dioses de la Tierra, Raiden, debe reunir un grupo de guerreros para detenerlo). Sin embargo, la trama principal de toda la franquicia es casi vista como algo secundario. Los primeros 15 minutos nos remontan al Japón del siglo XVII, nos muestran a un ex ninja llamado Hanzo Hasashi (una gran interpretación de Hiroyuki Sanada) viendo cómo un antiguo enemigo llamado Bi Han (un gran trabajo de Joe Taslim), asesina a su familia con poderes de hielo, y luego lo asesina a él, sólo para que su linaje se termine. Vemos mucha acción, vemos gore, vemos espectacularidad, vemos grandiosas coreografías... pero no vemos nada que nos haga entender el porqué del ataque. Se nos insinúa que son de clanes enemigos, pero es algo que no se profundiza jamás. Se nos muestra que Bi Han tiene poderes de hielo (lo que nos hace entender que él es Sub-Zero y por ende Hasashi es Scorpion), pero no se entiende porqué es tan importante eliminar el linaje de Hasashi, si él parece estar retirado y no es ninguna amenaza ni para su clan ni para el Mortal Kombat (el cual pareciera ignorar). No se profundiza NADA. Sólo son dos ninjas que pelean, uno muere y el otro sigue vivo 400 años después, trabajando para un hechicero del Outworld y ayudándolo a hacer trampa para que no se realice el torneo que ellos mismos dirigen, y en el cual participa un descendiente de Hasashi que fue totalmente inventado para la trama.

La trama misma está llena de muchas incoherencias que nos revelan que la película sólo son escenas de acción con relleno alrededor. Y no relleno de calidad. De hecho, sorprende la poca calidad del relleno entre pelea y pelea, sobre todo tomando en cuenta que detrás de esta película está Warner. Sus carencias son demasiado grandes para las altísimas expectativas, especialmente financieras, que maneja. En spoilers detallo muchas de las carencias que más me han hecho ruido.

El año 2019 nos trajo una remake animada de uno de los íconos populares más queridos. A través del formato animación dirigido esencial pero no exclusivamente a un público infantil (aprovechando que todas las generaciones anteriores no necesitan mucho para volver a enamorarse de esta franquicia), "The Addams Family" regresa con una historia que conserva el humor negro que tanto amábamos en ellos pero con un aire nuevo que resalta la identidad familiar y además aporta una autocrítica social muy habitual y necesaria en este nuevo milenio.

En esta ocasión tenemos la oportunidad de ver el nacimiento de la familia Addams, a través de presenciar la boda de Gomez y Morticia, ver su huida de la "madre tierra" para radicarse en New Jersey, donde gracias a un demente que atropellan (y luego se vuelve su querido mayordomo Lurch/Largo), encuentran la mansión/manicomio abandonado que convierten en su hogar, donde sientan cabeza, tienen dos hijos (Wednesday y Pugsley) y son felices a su manera, hasta que 13 años después unos acontecimientos mediáticos los impulsan a salir al mundo de nuevo. Esta es la premisa inicial para que todas las generaciones pasadas y presentes puedan alinearse y disfrutar de esta historia mitad gótica y grotesca y mitad tierna y divertida.

Si bien a las generaciones pasadas les choca un poco que esta película sea apta para todo público en vez de para mayores de 13 años como lo eran las icónicas películas de los '90 (y lo cual me hace en parte comprender aunque no justificar las calificaciones negativas en otras críticas), esto no le quita espíritu a la película, pues a pesar de que no tiene palabras fuertes (Wednesday hablando de "homicidio" cuando le preguntan si ella piensa en chicos), sí lo reemplaza con humor negro gráfico (como ella enterrando vivo a su hermano o disparándole con una ballesta a su tío Fester). Es que esta versión animada aprovecha con creces las infinitas posibilidades que le da la animación moderna para jugar de manera deliciosa con recursos fílmicos, hacer referencias, darle vida a personajes olvidados (el león Kitkat, la planta Cleopatra, el pulpo Aristóteles) y en particular, serle absolutamente fieles a los diseños originales de Charles Addams, el creador original de los personajes.

Las actuaciones de voz son muy adecuadas, las animaciones logran su cometido de ser alegres y oscuras a la vez (un detalle artístico que merece mucho reconocimiento), el guión permite que todos los personajes se luzcan (incluso Pugsley, el eterno ignorado en la mayoría de las versiones), y lo que nos queda al salir del cine es la sensación de habernos divertido y a la vez recibir un mensaje que necesitamos replantearnos (ver en spoiler).

En definitiva me gusta mucho, me alegra que las nuevas generaciones tengan una versión moderna de The Addams Family para divertirse al igual que lo hicimos nosotros, y a la vez que nosotros podamos revivir nuestras nostalgias con un aire fresco y unas vueltas de tuerca que nos resultan encantadoras.