Hay más cine en los 9 minutos que dura “Zima Blue” (Robert Valley, 2019) que en miles de horas de metraje del 90% de las películas que copan hoy en día nuestras carteleras.
En esos diez minutos que dura el corto de animación de la serie de “Love, Death & Robots” (David Fincher, Tim Miller, 2019), se condensan películas tan grandiosas como “Ciudadano Kane”, “Blade runner”, “Gohs in the Shell”, “The Square”, “La gran belleza” o “Toy story”.
En “Zima Blue” se habla de felicidad, se habla de filosofía, se habla del sentido de la vida; se habla de budismo, se habla de identidad, se habla del Arte, se habla de la creatividad; se habla de la inteligencia, del snobismo, de la superficialidad, de la banalidad de la fama y el éxito, de lo que es ser un “ser humano”, de sus motivaciones, de su conocimiento, de la búsqueda de la VERDAD… En definitiva, en “Zima Blue” se habla de qué es la vida, de cuál es su sentido, de qué es estar vivo y viviendo... de ese viaje interior que te lleva hasta los confines del cosmos para descubrirte a ti mismo y darte cuenta de que puedes tenerlo todo, pero si o te tienes a ti mismo, nunca llegarás a tener la felicidad.

Y por si fuera poco, “Zima Blue” habla de todo esto desde una estética maravillosa, con una narrativa cinematográfica perfecta, con una potencia visual apabullante, con imágenes y secuencias que dicen más en 10 segundos otras obras en 2 horas y media.

La película "Flow" de Gints Zilbalodis es una obra maestra visual, perfectamente narrada mediante el lenguaje cinematográfico, que nos sumerge en un mundo donde la vida parece haber quedado suspendida. Sin diálogos, la cinta se convierte en una experiencia audiovisual pura, CINE en mayúsculas, en la que las emociones y las acciones de los personajes hablan por sí mismas gracias a la maestría narrativa del director. Este relato es mucho más que una simple historia de supervivencia: es una profunda alegoría de la vida, del paso de la infancia a la etapa adulta, de la madurez, y del viaje vital, con sus desafíos, sus momentos de felicidad y sus instantes mágicos, casi místicos.

Los animales viven tranquilos y felices en su mundo (la niñez) pero de repente todo cambia y se tienen que adaptar a la nueva situación (la adolescencia y la adultez) en la que ya no están en casa bajo la protección perfecta de sus progenitores, sino que tienen que salir al mundo y sobrevivir, enfrentándose a los problemas y vicisitudes que surgen en el trayecto. Aunque como veréis en la zona spoilers... nuestros mayores siempre nos acompañan...

El viaje de los protagonistas, un grupo de animales liderados por un gato curioso, simboliza la vida, este paso misteriosos y casi místico de la niñez a la vida adulta, con los altos y bajos a los que todos nos enfrentamos. Las tormentas representan las adversidades, mientras que los breves pero hermosos destellos de calma evocan esos momentos que dan sentido a nuestra existencia. Sin embargo, lo que destaca es cómo, en cada situación límite, el grupo solo puede avanzar gracias al trabajo en equipo y la empatía.

De hecho este es el tema central de "Flow": la importancia de la amistad para la supervivencia. La relación entre los personajes refleja cómo la cooperación es fundamental para superar obstáculos. Cada miembro del grupo aporta algo único: desde la astucia del gato, a la bondad, firmeza e inteligencia del pájaro; pasando por la solidaridad, la fuerza o la toma de decisiones que en momentos puntuales muestran el resto de los animales. Zilbalodis nos recuerda que sin la unión y el apoyo de los demás, estaríamos irremediablemente perdidos en el caótico mar de la vida.

Es impactante ver este documental; conocer la realidad de las consecuencias del uso y abuso de las redes sociales por parte de los adolescentes, el daño que está haciendo a su psicología que lamentablemente tiene unas gravísimas repercusiones en su salud e incluso su vida, porque la ideación suicida está revoloteando continuamente en cada una de las declaraciones de sus jóvenes protagonistas. Un panorama desolador.

Esta serie documental de cuatro episodios, producida por ETB, se adentra en las consecuencias del uso excesivo —que no es extraordinario, TODOS hacemos un uso excesivo— de dispositivos móviles y redes sociales en adolescentes. Estrenada el 16 de septiembre de 2024, la serie aborda las consecuencias de "vivir" absortos en la pantalla del móvil: pulverización de la autoestima, trastorno dismórfico corporal, ansiedad, depresión, fobia social, trastornos alimenticios y otros problemas derivados de esta híperconectividad llena de filtros de belleza y falsa purpurina.

Cada uno de los episodios trata un tema en especial. El episodio 1, "Generación Fármacos", explora cómo el abuso de la tecnología puede conducir a problemas de salud mental en los jóvenes, resultando en un aumento del consumo de medicamentos para tratar afecciones como la ansiedad y la depresión. A través de testimonios de adolescentes y expertos, se evidencia la correlación entre la sobreexposición digital y la dependencia farmacológica, que luego lleva inevitablemente al surgimiento de un mercado negro de tráfico de medicamentos, en el que, como no, los adolescentes también son protagonistas.

El episodio 2,"Generación Bótox", analiza la obsesión por la imagen personal fomentada por las redes sociales. Se destaca cómo la constante comparación y la presión por alcanzar estándares de belleza irreales llevan a muchos jóvenes —e incluso niñas de 9 años— a considerar procedimientos de cirugía estética a edades muy tempranas, lo cual además de surrealista es psicológicamente aberrante desde cualquier punto de vista que se analice. Se abordan temas como la dismorfia corporal y la nefasta influencia de de los influencers de moda en la autoimagen de los adolescentes. Niñas de 9 años adictas a las cremas cosméticas con canales de TikTok en los que dan consejos de maquillaje (¡!), niños perfectamente sanos con trastornos alimenticios porque se ven gordos al compararse con los ricos influencers de instagram, adolescentes con depresiones porque piensan que su vida es una mierda al tener los estándares de vida de las celebritis millonarias que ven en redes sociales. Devastador.

En el episodio 3, "Generación Adictos", se centra en la conducta adictiva a los dispositivos móviles y las redes sociales per se. Se presentan casos de jóvenes que pasan innumerables horas conectados y no pueden vivir sin el móvil, lo que afecta a su rendimiento académico, relaciones personales y salud física y mental. Expertos en psicología y neurología explican los mecanismos detrás de esta dependencia y ofrecen perspectivas sobre cómo abordar el problema.

El episodio final, "Generación S.O.S.", aborda las consecuencias más graves del abuso tecnológico, incluyendo el aislamiento social, el ciberacoso y, en casos extremos, el suicidio. Se enfatiza la importancia de la intervención temprana, el apoyo familiar y la educación digital para mitigar estos riesgos. Además, se ofrecen recursos y estrategias para padres y educadores en la gestión del uso tecnológico de los jóvenes.

En definitiva, "Generación Click" es una magnífica docuserie que nos aporta una mirada profunda, crítica y aterradora sobre una realidad que está ahí y que nos arrollará tarde o temprano aunque nos pongamos de lado; los efectos del mundo digital en la juventud actual son ya una realidad que no queremos o no somos capaces de ver. Las entrevistas con expertos aportan credibilidad y profundidad al contenido, mientras que los testimonios personales permiten una conexión emocional con el espectador. En su conjunto, la serie documental es una llamada de atención sobre la necesidad de una alfabetización digital adecuada y de establecer límites saludables en el uso de la tecnología, pero también señala claramente que por mucha educación que haya, si no hay una regulación estricta sobre el tema —igual que se hizo con el tabaco por ejemplo— nunca se va a poder solucionar el tremendo problema que ya es, y los adolescentes continuarán cayendo en sus redes, deprimiéndose, enganchándose, autolesionándose y deslizándose lentamente hacia un abismo del que no sabemos cuál será el final...

A Ruben Östulund le encanta la sociología, no lo digo yo, lo dice él. Y se nota. Ya en su anterior film "The square" nos mostraba un retrato quirúrgico y satírico de la élite económica y cultural de las sociedades humanas capitalistas occidentales, que se han apropiado del arte como medio de distinción social para separarse totalmente de la clase trabajadora, de los pobres, a los que antes pertenecía el arte, pero que ahora les es vetado por caro, no por capacidad de entenderlo o hacerlo.
Ya en ese film muestra de manera prístina la estupidez y superficialidad de ese mundo de postureo, posmoderno, líquido como diría Baunman, en el que nada significa nada, solo vale dinero, y cuando vale mucho, entonces se convierte en genialidad, aunque realmente sea una basura. Ese film es magnífico, pero este lo supera. Y mira que era difícil.
En "El triángulo de la tristeza" (2022) la carga satírica nunca descansa, cada minuto del metraje es una maravilla, todo tiene un significado profundo, perfectamente ilustrado y entendible a través de las imágenes que Östulund nos propone. Es un prodigio visual porque es un tratado de sociología y filosofía hecho película, y encima divertida. Toda la absurdez que empapa nuestra sociedad capitalista y su empeño en dividir a la humanidad en clases sociales dominadoras y dominadas, y no seguir los principios de igualdad y derechos humanos para hacer de este mundo algo un poco menos patético, es mostrada de manera excelente, amena y divertida por Östulund. No sobra ni un segundo, ni una imagen, todo encaja perfectamente y tiene su correlato con una idea sociológica, política o filosófica.

Cuanto más pienso en ella, más significados le saco a cada momento. Es para ver varias veces y disfrutarla lentamente y escribir sobre cada fotograma. Por eso mi crítica la dejo en "spoilers", porque me es imposible no comentar cada detalle del argumento. Es una genialidad.

Tres actores y un solo escenario bastan para hacer una gran película. Exit 8 plantea un relato deliberadamente austero que utiliza la repetición y el espacio cerrado como núcleo de una alegoría moral. El bucle físico en el que queda atrapado el protagonista no es solo un recurso narrativo, sino la manifestación de un bucle mental: la imposibilidad de avanzar mientras no se afronte una decisión esencial. La película sugiere que no hay salida posible sin un posicionamiento ético claro, y que toda huida conduce, paradójicamente, a no encontrar una salida.

Con muy pocos elementos y una estructura sencilla, Exit 8 construye una reflexión clara sobre la empatía, la paternidad y la necesidad de decidir. Lo que la eleva un nivel por encima del resto de producciones reside en cómo transforma un espacio físico cotidiano como es una estación de metro en un escenario mental, donde cada paso adelante en el mundo físico exige una reflexión y un cambio en el mundo interior.