Paul Giamatti, interpretando al profesor Paul Hunham, nos regala una espectacular actuación en este peculiar “viaje del héroe” en el que prácticamente no hay cambios de escenario. Casi toda la película tiene lugar en un colegio internado, durante las vacaciones de invierno, donde el profesor al que Giamatti interpreta tiene que cuidar de los alumnos que, por una u otra razón, deben permanecer en el colegio durante las vacaciones.

No estará sólo, pues Mary (Da’Vine Joy Randolph), la cocinera del colegio cuyo hijo ha muerto recientemente en la guerra de Vietnam, también le acompañará en ese viaje (más bien “interior”, no porque vayan lejos de la costa, sino porque casi no se mueven del sitio). Quien completa el trío actoral (a cada cual mejor, todo hay que decirlo) es Angus, uno de los alumnos del colegio, interpretado por Dominic Sessa, quien básicamente se come la pantalla cuando la cámara se atreve a dedicarle algún primer plano.

Por la ambientación, la época del año y la melancolía que parecer flotar continuamente en el ambiente, podría incluso decirse que es una versión libre contemporánea del mítico Cuento de Navidad de Dickens. Sin embargo, aquí no hay fantasmas corpóreos, sino la inevitable necesidad humana de crecimiento. Paradójicamente (quizá no en esencia, pero sí frente a las historias habituales), ese crecimiento puede llevar al borde del abismo, a la cornisa de un precipicio donde, desde luego, no se había planeado llegar… pero que hace palpable una reconfortante sensación de estar en libertad y, sobre todo, de ser consecuente.

En su complejidad, disfrazada en un principio de comedia (la película está condimentada con inevitables carcajadas, por cierto) y en ocasiones casi pretendiendo ser un drama, ‘The Holdovers’ va convenciendo progresivamente, según avanza la historia y según los personajes principales van desplegando sus dobleces (y lo hacen con total naturalidad, dicho sea de paso). El resultado es un caleidoscopio de sensaciones, emociones y sentimientos entre los que destaca la amistad por encima de todo. Esa amistad inesperada y sincera que simplemente encuentra a las personas, aunque estas no estén buscándola… o incluso no se hallen predispuestas a recibirla.

Me quedo con una duda: ¿de qué va la película? Si no le pongo una nota inferior es porque he llegado a pensar que quizá se me esté escapando algo, que posiblemente me falte preparación o cultura, o algún tipo de información privilegiada, para poder apreciar la obra en su magnificencia total y que en realidad es mejor de lo que puedo percibir como un simple espectador.

Pero, por encima de ese pensamiento, me queda la sensación de que hubiera funcionado mucho mejor en otros formatos, antes que como largometraje: en mi humilde opinión, una obra de teatro de la mitad de duración hubiera sido mucho más potente, o un cortometraje, e incluso un anuncio del gobierno cuyo mensaje sea “No dejes solos a tus hijos”.

Con esto quiero decir que (aunque seguramente el cine con este ritmo injustificadamente parsimonioso tenga su público) la historia hubiera tenido algo de contundencia durando, en lugar de casi 2 horas, solamente una hora, puede incluso que 20 minutos, y me arriesgaría a decir que (en manos de guionistas con talento) con medio minuto escaso habría bastado para obtener un producto audiovisual de mejor calidad y mayor profundidad. Y repito que mantengo la duda sobre de qué va la película: ¿Sobre la soledad? ¿Sobre enfermedades mentales? ¿Es acaso, en realidad, una historia de amor?

Si tuviera que apostar, diría que es una historia de amor combinada con enfermedades o patologías psiquiátricas… También cabe la posibilidad de que estemos ante el nacimiento de un género, el de la “anticomedia que pareciera querer ser romántica”, alcanzando su clímax con un sincero “me das asco”. Creo sinceramente que, aunque sólo se vea en una escena, los ansiolíticos que le recetan al protagonista al principio no dejan de ser consumidos recurrentemente. Y no sólo por el propio protagonista, sino que éste atraviesa la cuarta pared para compartirlos con dirección y con guion… Bueno, al ser la misma persona, supongo que le tocó ración doble y eso explicaría muchas cosas, empezando por el ritmo inexplicablemente lento de la película.

Se salva por desvelar a Zoe Stein como gran actriz, además de como equilibrista que puede mantener en pie al castillo de naipes que “Mantícora” resulta ser y que, si hubiera durado la mitad, habría ahorrado mucho sufrimiento… Empezando por el de la propia Zoe.

Si sirve para que alguien se sienta mejor o para que se prevenga o evite alguna atrocidad, celebro la película. Recomendarla ya sí que se me hace demasiado cuesta arriba.

Otro título alternativo: “Autopsicoanálisis o cómo representar dignamente mi terapia en un largometraje”.

Es posible que sea la precursora de un nuevo género, el “costumbrismo sexual psicoterapéutico”, pero sinceramente creo que se me escapan cosas importantes porque no acabo de entender de qué va… ¿de generar situaciones incómodas para luego extrañarse de que los interlocutores no se sienten a gusto?
“Apegos feroces” … “¡Me bota la vulva!” … “¿A ti también te pedía menearme el culete?”

Había una sombra de Mantícora durante todo el visionado y pude comprobar después, para sorpresa de nadie, que Alana Mejía González es directora de fotografía en ambas películas. Gran trabajo.

“Siempre estoy bien”, le dice el padre a la hija. “Nunca me pasa nada”, le dice el padre a la hija… “Padre, cuénteme lo de Wikileaks”, le dice la hija al padre… pido perdón por el chiste local, pero ya que estamos: ¡Libertad para Julian Assange!

Me desconcierta que, siendo dirección, guion y personaje principal la misma persona, lo que resulte mejor sea la fotografía… Pero me alegro mucho por esa persona, espero que se sienta realizada y, si la conociera, sentiría mucho orgullo por la valentía que ha demostrado.

Una mujer se desnuda y se va adentrando en el mar…

Que no engañe el metraje: se puede hacer larga.

Con una idea muy apetecible y un inicio bastante prometedor, incluyendo referencias nada menos que a “2001: Odisea en el espacio” y a “Matrix”, “Barbie” se queda a mucha distancia de lo que podría haber sido. Hay un momento que resume la película, en el que se dice “Barbie no está muerta, sólo tiene una crisis existencial”.

Pues bien, no esperen que esto se refiera a la propia película, porque se mantiene en caída más o menos libre (desde luego con muy poco rozamiento si lo hubiera), a partir de ese prometedor inicio, hasta el punto de preguntarme en algunas escenas (sí, sobre todo en el mini-musical “I’m just Ken”… mini, en el sentido más cruel…) qué cara estarán poniendo o cómo se lo estarán tomando interiormente (los que son buenos jugadores de póker) el grupo de críticos y críticas que también está viendo esta película porque habíamos quedado para comentarla posteriormente.

Junto con la idea principal detrás de la película, que pudo ser representada de mejor manera, éste fue el gran aliciente de verla. Quizá en empate con la presencia de la maravillosa Margot Robbie, a quien se premia e indulta parcialmente de este “espectáculo” mediante una alusión directa a su propia persona. Bueno, en triple empate, también con los guiños a la democracia, ¡maldita sea!

Esa idea principal que pudo ser, la de enfrentar a Barbie con la “cruda realidad del Patriarcado”, se explota sólo de una forma superficial, casi infantil, aunque la película no esté dirigida precisamente a ese público. Y da pie a pensar que esta es sólo la primera de una serie de películas en las que “las ideas” contactan con “el mundo real” y comprueban con ironía los efectos que han producido.

Por eso espero impaciente la segunda parte, un poco más oscura pero infinitamente más profunda, cuyo título será algo así como “Marx y Lenin visitan la China del año 2020”, siempre con comedia e ironía (por mucha sangre que tengan que sudar los guionistas). Más fácil de escribir y de disfrutar relajadamente como espectador será la tercera peli de la serie, “Julio Verne en la NASA durante la carrera espacial”.

Espero sinceramente no ofender a nadie, es por intentar sacar lo más positivo de la película.

Gracias Celine Song, Greta Lee y Teo Yoo por conseguir que, con un solo silencio, el corazón llegue a darte varios vuelcos.

“Past lives” es un viaje emocional de idas y venidas, en el que la gran interpretación de Greta Lee te convence de estar tan perdida como cualquiera ante la verdadera complejidad sentimental, que transciende emociones y sensaciones, o que quizá las entremezcla... Creo que la película trata principalmente del amor y de la sinceridad, y especialmente del camino de la protagonista hacia amarse y ser sincera consigo misma. De paso demostrando lo oscarizable que es esta actriz, consiguiendo destapar con una reacción involuntaria todo un catálogo de emociones que previamente ha ido directamente expresando, inevitablemente provocando o sutilmente evocando.

El argumento es tan bueno que se permite reflexionar sobre sí mismo durante una conversación de cama. Creo que incluso se describe cuando uno de los personajes se sorprende de que “la amabilidad pueda lastimar tanto”.

Fotografía y banda sonora, por separado notables, pero en conjunto… deliciosas. Decir solamente cuidadas o detalladas sería menospreciarlas porque, de principio a fin, sin prácticamente un fotograma de pausa, la música y los escenarios te guían por una miríada de sentimientos que, cual topillos, son ciegos y se asoman a la superficie sólo muy de vez en cuando… pero que ahí están, habitando nuestras profundidades.

Tiene un memorable final que incluye un “diálogo” de dos minutos sin lenguaje verbal, pero con mensajes atronadores.

Los títulos de crédito son parte de un largometraje; en este caso, yo diría que son una parte muy necesaria (creo que es la primera vez que me emociono con una película solamente cuando ya han empezado los créditos finales). Muy recomendable.