Es tal el sufrimiento que le produce la pérdida de la persona amada que ha decidido quitarse la vida. En el transcurso de ese día se irán desgranando todos los preparativos que hace para despedirse de este mundo, en la universidad con sus alumnos, cenando con su mejor amiga, dejando cartas de despedida, traje para el funeral, etc.

Hay dos claves para entender lo que el director nos está explicando, la primera, el recurso de los flashbacks, aquí necesario, nos va mostrando la feliz vida en común que mantenía con su pareja. Había tanto amor, son tan potentes esos recuerdos y le bombardean de tal manera, que el desasosiego que le producen hace que el simple hecho de estar vivo sin él sea una pesada condena que no puede soportar. La segunda clave está en los cambios en la intensidad de color. No es un capricho del director, no es una mera cuestión estética o un recurso fácil. Aunque es un subidón y te acelera el corazón por la belleza de la imagen, la música y el color, la escena aparentemente intrascendente de la niña con Falconer en el banco, y dos o tres más en las que cambia el tono apagado y triste por un color intenso nos induce a pensar que no todo está perdido, que todavía hay esperanza, que el protagonista aún puede sentir la belleza, todavía hay algo que le une a este mundo.

Llegados a este punto no sabemos si Falconer va a seguir con su propósito o si va a aparecer un catalizador que le devuelva las ganas de vivir. Y efectivamente así es. Un estudiante que se está descubriendo a si mismo y que ve a su profesor como una persona afín, ha observado su extraño comportamiento de ese día, consigue su dirección y con audacia y una gran intuición, mantiene una conversación con él, llena de vitalidad y sensibilidad. De alguna manera despierta la parte que intuíamos, que nos mostró el director, que estaba ahí latente y le salva. Tal como dice George Falconer, en un alegato final, precioso, pura poesía, "Unas cuantas veces en mi vida he experimentado momentos de una claridad meridiana, en los que durante unos breves segundos, el silencio ahoga el ruido y puedo sentir en lugar de pensar y todo parece muy definido y el mundo claro y fresco, como si todo acabara de nacer". Ah, paradojas del destino, cuando vuelve a ver la belleza de este mundo, cuando empieza a ver la luz, cuando comienza a dejar atrás el sufrimiento por su tremenda pérdida, cuando decide vivir, cuando salva su alma … un ataque al corazón deja su cuerpo sin vida. Es un final cruel, la vida es cruel, pero creo que se va en paz, no se quita la vida, la pierde como nos pasará a todos, se va envuelto en un sentimiento de esperanza. No sé. Es un digno final. La película es redonda. Por todo, por la historia, por cómo está narrada, por la maravillosa música inspiradora, por las bellas imágenes que se te quedan grabadas, por las enseñanzas que te transmite, por las emociones que han recorrido todo tu cuerpo. Claro, es arte. Una obra maestra.

El personaje sobre el cual gira toda la trama es Ishmael Chambers (Hawke), el editor/periodista del pueblo. Scott Hicks nos muestra por mediación de unas bellas imágenes retrospectivas la relación amorosa que mantuvo Ishmael durante su adolescencia con Hatsuo Miyamoto, americana de origen japonés que al llegar a una cierta edad decide acabar con la relación y casarse con una persona más afín a ella y a su familia, Kazuo Miyamoto, sentado ahora en el banquillo de los acusados. Vale, es cierto, el director quizás se excede un pelo con el tiempo que le dedica a ese romance de juventud, y alguien me podría decir que rompe un poco el ritmo de la cinta y que no viene a cuento a pesar del preciosismo de las imágenes, y no estaría exento de cierta razón. Pero mira tú por donde, yo creo que tiene todo el sentido del mundo porque nos hace entender la inmensa felicidad de Ishmael en esa época y podemos observar que, mientras se celebra el juicio, todavía no ha superado ese desengaño amoroso y sigue obsesionado con Hatsuo. Y todo esto es clave porque es precisamente él, Ishmael quien, investigando por su cuenta, ha encontrado la prueba que podría demostrar la inocencia del marido de Hatsuo.

Y ahí se encuentra Ishmael, con un brazo perdido en la guerra, con esa obsesión por la mujer del acusado y con una baja autoestima al tener que continuar con el periódico que dejó su padre (Shepard) al morir, y con el estigma de no sentirse la mitad de hombre que él, persona de una gran estatura moral y admirado por toda la comunidad. Y duda. Sí, todas estas circunstancias le hacen dudar de su deber como ser humano. Al final consigue superar sus obsesiones y complejos, crece como persona y actúa como era preciso para salvar una vida humana. Y digo salvar porque Kazuo Miyamoto, tal como se verá en la película, es inocente y a pesar de que solamente había contra él pruebas circunstanciales, existían muchas posibilidades de que fuera declarado culpable, fruto de ese ambiente enrarecido contra los americanos de origen japonés en esos años posteriores a la Segunda Guerra Mundial. En una emotiva escena al final de la historia, cuando el juez (Cromwell) está a punto de dejar libre al acusado, la comunidad japonesa en pleno hace una reverencia a Ishmael, dándole las gracias y equiparándole de alguna manera a su padre.

En definitiva, la película nos deja una buena historia de superación personal, bien narrada, con elegancia, unos hechos históricos desconocidos por muchos de nosotros, unas grandes interpretaciones y unas bellas imágenes y banda sonora. ¿Qué más se puede pedir?

Magistralmente filmada, la película es una mezcla de poesía y violencia exacerbada a partes iguales. Me gusta el color del film y la fotografía, las tomas a cámara lenta. Me gustan las imágenes nocturnas de un Los Ángeles desconocido para mí y esa música ochentera evocadora que le va a la película que no veas. Me gusta la interpretación contenida de Ryan Gosling, pocas palabras, poquísimas, todo miradas. Me gusta, asimismo, la pausa que utiliza el director, y todavía más el estilazo que destilan algunas de sus escenas y para los que no la habéis visto todavía y tenéis intención de hacerlo, por favor no sigáis leyendo. Como no me va a gustar que venga Winding Refn y me sorprenda con dos películas en una, me propone 100 minutos y los primeros 50 se le van en presentarme al conductor sin nombre, sin pasado y en un precioso enamoramiento de chiquillos lleno de silencios y de miradas cómplices. Cómo no me va a gustar que, tras un punto de inflexión en la escena del pasillo cuando ya ha aparecido el marido y rompe el imposible romance, con esos diálogos minimalistas que con tan poco dicen tanto, venga el imprevisible director danés y en un giro copernicano me presente la cara b de driver/Gosling, como un moderno Dr Jekill y Mister Hyde. En la segunda parte de la película este conductor sin nombre que tenía futuro en las carreras de coches, encarna al perdedor enamorado que para salvar a su amada y, manda tela, al marido y al hijo de ambos, y como si de un western se tratase, se embarca en una espiral de violencia, en la que acaba muriendo, a excepción de la mujer y el niño, hasta el apuntador. Cómo no me va a gustar la mirada que pone driver con la cara llena de sangre y de tensión justo después de acabar con dos matones que venían a liquidarle en una brutal escena. En fin, cómo no me va a gustar la sublime escena del ascensor, cine en estado puro, de alto voltaje, que fusiona las dos películas en una, que por sí misma resume toda la película, que es la película en sí misma: los enamorados y el asesino en el ascensor, la cámara lenta, la bajada de la intensidad de la luz, la tenue luz enfocando el apasionado beso, la pausa infinita, la vuelta a la realidad, la aceleración de la acción, la lucha con el asesino, la salvaje manera de acabar con él, casi insoportable de ver, la mirada aterrorizada de la chica en estado de shock. ¡Ufff! Os lo he dicho, cine de culto.

La película es brillante, no hay duda, pero aún hay más. La cuestión de
la violencia. Para alguien que ha visto una media de seis veces cada una de las películas de Tarantino y que se sabe hasta los textos de los personajes, ese tema está más que estudiado. Y si es cierto que la violencia de sus películas ha sido siempre desmedida, hiperbólica, no es menos cierto que casi siempre ha resultado inofensiva (la matanza de la banda de los ochenta y ocho maníacos a golpe de katana en Kill Bill, parece más una coreografía de danza que una escena realmente
sangrienta, y agrede menos que cualquier telediario del mediodía). En
esta ocasión algo ha cambiado. Digamos que hay dos tipos de violencia
en el filme. Por una parte la violencia espectáculo, típica de
Tarantino, por ejemplo las escenas de duelos con revólver son dignas de
los mejores spaguetti western (El bueno, el feo y el malo o Hasta que llegó su hora) y por qué no decirlo, incluso superiores, mejor filmadas, aún más espectaculares. Pero convive con ella otra violencia que hasta ahora no había aparecido en su filmografía, la espantosa del
esclavo negro destrozado por los perros, y la terrible lucha a muerte
entre los dos luchadores esclavos negros. Esto es diferente. Esto hace
más daño al espectador, porque nos recuerda de lo que es capaz el ser
humano, de cuanta crueldad, de cuanta malignidad hay en el interior de
las personas y porque esas escenas, y esto es importante,
desgraciadamente han ocurrido y otras mucho peores en la historia de la
Humanidad. Y aquí Tarantino se ha superado a sí mismo, ha hecho una
película más madura, no renuncia a divertirnos, a entretenernos como
nadie más lo hace, pero en esta ocasión introduce algo nuevo en la
ecuación, algo que nunca había hecho, un tema histórico y mortalmente
serio: la esclavitud, terriblemente dolorosa y aún no superada en la
sociedad americana (como se puede observar en las infantiles críticas
que han hecho destacados miembros de la comunidad negra, como si el
hecho de mostrar lo que ocurrió nos hiciera racistas per se), que es la
auténtica razón de ser de la película y lo que le da la cohesión a la
historia.

Tarantino ha conseguido mezclar en un mismo recipiente todo ese humor,
esas escenas prodigiosas aderezadas por una banda sonora perfecta en
cada momento, unas interpretaciones sublimes de todos los intérpretes (Jamie Foxx con esa mirada incendiaria y Christoph Waltz, entrañable, están geniales), la magnífica historia tan bien contada, con esos personajes llenos de contenido y ese final catártico que no borra nuestra humana historia, pero te deja con ganas de gritar de placer y, en fin, esa voluntad de hacer gran cine, de llevarnos de la
mano al olimpo de la diversión más absoluta, que le hace merecedor de
todos los reconocimientos, de todos los honores, óscar a la mejor
película o de otros premios que ni siquiera existen. Tarantino=cine. No
nos dejes nunca, Quentin.