Cuando se ve Calígula, debemos arrastrarnos por el poder de su encanto. A nadie se le ocurriría decir, y sin embargo así ocurre, que "Calígula" es una bazofia por el contenido salvaje de sus escenas. Sin embargo, si nos situamos, como buenos cinéfilos, en la esencia de la película, se pueden comprender muchas cosas: Calígula proviene de la producción italiana de Rosellini, cuenta con un guión de Gore Vidal, la puesta en escena y decoración majestuosa (tan currada como las obras de Fellini) de Danilo Donati…son elementos que ya de por sí, son vanguardistas y atrevidos, porque sus autores (Rosellini, Vidal, Donati,) y la tendencia cinematográfica italiana (Calígula es mucho más italiana que británica) son vanguardistas, atrevidas, liberales, decadentes…como se prefiera llamar.
Partiendo de éste punto de vista, Calígula cuenta con una producción magnífica, y sus efectos visuales son tan sugerentes que las escenas afectan directamente a todos nuestros sentidos. Es así, que en casi tres horas de largometraje, sentimos repugnancia, dolor, tristeza, melancolía, y también belleza. Por eso, yo creo que una película no es mala porque sea repugnante, sino que es buena si es capaz de mostrar elegantemente toda la repugnancia que desea expresar. No podemos relacionar a Calígula con sagas de simple y vulgar cine gore o pornográfico.
Por tanto, Calígula tiene el poder de mostrarnos lo bello y lo grotesco entremezclado, las pasiones humanas en su estado más puro (tan puro, que afecta a nuestra mente) y la realidad histórica de un Imperio decadente y corrompido por dentro. Es un film muy atrevido que no se anda con tapujos, como tampoco se andaba Pasolini ni Fellini, ni el español Buñuel. Muestra la historia del emperador más sanguinario de Roma, interpretado por un grandioso Mcdowell al que la historia no ha sabido juzgar. Y lo muestra suntuosa y elegantemente. ¿O es que hay alguna película porno en el que las felaciones se acompañen de música de Prokofiev o Khachaturiam? Calígula es un drama humano, una historia de un hombre que alcanzó el poder para justificar su soledad, que perdió a su hermana y amor de su vida, y al que sólo parecía entender su caballo Incitatus. ¿O alguien cree que la despedida final del caballo frente al rostro de Calígula es mera casualidad?? El cine italiano es simbolista, y Calígula es un símbolo de decadencia que sigue impresionando realmente no por sus escenas porno, o eróticas, sino por el reflejo puro y “sin cargas” de un personaje marcado por el fatalismo.
En conclusión, sólo se entiende Calígula si se ve “a lo grande, a lo teatral, a lo sangriento, a lo erótico, a lo humano”. Si no se está dispuesto a ello, la película desgarrará al público, pero si se llega a comprender que la violencia, la sangre, la locura, y la apoteósica orgía de poder es más humana que las baratas “Holocausto caníbal” y su largo etcétera sin ningún reflejo humano, el público amará, odiará, y se corresponderá con Calígula.

Lo siento: no me gustó!
Me recomendaron verla, y me llevé una gran decepción.
Desde luego la temática es atractiva, y el guión novedoso: nunca antes se hizo una película que retratara la historia de un hombre que nace viejo y muere joven. En cierto sentido, es una alegoría a la vida perfecta, pues todo sería más bello si cada año que avanzamos fuéramos más jóvenes.
Es una película melancólica, que viene a decirnos que la vida hay que vivirla a lo grande y que hay que amar sobre todas las cosas. Nadie quiere vivir para siempre, pero más de uno querría vivir y morir bebé como Button.
Sin embargo, el tratamiento de la película es lento y algo aburrido, con un material atractivo, pero con un montaje agotador. Al final de la película sólo cabe suspirar de alivio. Brad Pitt sobreactúa y el guión no define bien la identidad de los personajes. Excesivamente larga y con poco atractivo. Está bien para tarde de domingo, pero no se ha sabido aprovechar.
De verdad que me encantan las peliculas largas y con material que enganche, tipo Padrino o Cazador, pero ésta película excede de melancólica, y aún así no provoca lágrimas en los espectadores...muy floja.

Magnífica. Ésa es la palabra que define ésta magistral película. Tuve que verla más de 5 veces para captar todos los detalles de su belleza y potencia. Creo que es imposible captar toda su fuerza de una sola vez. Los 4 drugos-amigos de una sociedad futurista, como queda reflejado en sus trajes inspirados en la moda mod, y en el que el sentido de la libertad ha llegado a sus máximas consecuencias. “Los hombres pisan la luna, y nadie se preocupa de mantener la ley y el orden”, sentencia el vagabundo que recibe las crueles palizas de los drugos, evidenciando el progreso de la sociedad, pero la consecuente maquinización humana.
La película tiene varias lecturas: la primera, como ya he indicado, la conversión del hombre en hombre máquina, que disfruta de su libertad de un modo violento. La violencia también es bella, y el amor de Álex hacia ella es su principal virtud. Y si hay alguien en la música cuya música supere en violencia pasional a las demás, ése es Beethoven. La música de Ludwig van es el estímulo que propicia la conducta violenta de Álex. En este sentido, hay que abrir paso a la segunda lectura de la película, que hace referencia al conductismo. La conducta de Álex tiende al mal y a la destrucción, pero en la cárcel, es sometido a un proceso para convertir su conducta en la de un buen ciudadano. ¿Somos realmente libres o somos prisioneros de las características fisiológicas de nuestro cerebro? La película explica cómo el hombre es preso de su cerebro, pues ni el alma o espíritu de Álex pueden controlar su cerebro, exprimido como una naranja mecánica para dejar como resultado a un nuevo Álex “completamente bueno” pero no libre, prisionero de su cerebro. La crítica de Kubrick es que igual de malo es ser “completamente malo” como “completamente bueno”, si se elimina la libertad de raciocinio del ser humano. El hombre es un lobo para el hombre, y no podemos conseguir que el hombre sea una oveja prisionera, pues es un atentado contra la libertad e integridad psíquica del hombre. Otra tercera lectura, de tipo penal, supone que el Estado no puede ser más duro en la aplicación de las penas que el propio delincuente. Kubrick consigue que al principio aborrezcamos al pequeño Álex, pero que luego sintamos una gran lástima por él.
Pues bien, todo éste gran mensaje, está producido virtuosamente, con una banda sonora sobrecogedora y unos efectos visuales y literatura tan bella que es imposible no adherirse a ella. Critica la violencia del hombre y del Estado moderno desinteresado. Malcolm Mcdowell, por otro lado, hace el mejor papel que jamás he visto en una película. Consigue fielmente meterse en la piel de éste conflictivo personaje, hasta tal punto que el público ya no pone más caras a Mcdowell, y en cierto sentido, haber hecho el mejor papel de la historia del cine, le ha condenado para siempre.
Imágenes impactantes sin gotas de sangre, que permanecen en nuestra retina para alertarnos de la deshumanización del futuro.

Brian de Palma dirige a manos de una superproducción de Bregman el remake moderno del clásico Scarface.
La película destaca por su ambientación enMiami, y por ser la primera que refleja el poder del gangster americano en el imperio de la droga. De Palma escogió a un magnífico Pacino, que si bien sobreactúa en alguna escena, está plenamente justificada su actuación y borda el papel de Tony Montana. La violencia es requisito indispensable en ésta moraleja sobre el precio del poder, que si bien te trae el mundo (the world is yours), hace perder tu alma. Y precisamente Pacino pierde su alma por el precio del poder: mata a su mejor amigo, destruye su familia, se convierte en un drogadicto y acaba de forma trágica.
Como apunte, resaltar la magnificiencia de la última escena, el brillantísimo guión, con diálogos curradísimos que quedarán en la historia del cine, y la potente banda sonora de Giorgio Moroder, cautivadora al máximo.
Concluyendo, impactante producción novedosa sobre los gangsters y la droga, todo ello de la mano de un Pacino deslumbrante.

Más realista que Apocalipsis Now, esta película de Stanley Kubrick supone una de las mejores críticas cineastas a la guerra de Vietnam.
La primera parte se basa en el reclutamiento y entrenamiento de los soldados a manos del sargento, cuyo papel simboliza del modo más cruento la dureza de la guerra. Inolvidables escenas, como la de la entrada de la película, donde los soldados son obligados a raparse la cabeza, convirtiéndose en meros elementos del engranaje de la guerra. También inolvidables son, por cierto, las palabrotas, que llegan incluso a producir cierta sensación de cansancio.
La segunda parte, es un retrato, en mi opinión, completamente realista de lo que fue la guerra de Vietnam. Kubrick tiene la maestría de no salvar ni a los americanos (como en cierto sentido ha ocurrido con otras películas bélicas) ni a los vietnamitas. Simplemente, condena el sinsentido de la guerra en todos sus extremos, y a la perfección. El montaje es excelente, pues supone una evolución interior de los soldados en máquinas de matar.
La violencia se muestra sin tapujos, y ciertamente me gusta la visión pesimista de Kubrick acerca del hombre. Con razón se ha dicho que ésta película supone una “continuación” de La Naranja Mecánica, pues al fin y al cabo es una dura crítica a la maquinización del alma del hombre, que en mucho casos acarrear graves secuelas psíquicas (Agente Patoso) en los que participan de la asquerosa guerra.
Vicent D ´ Onofrio borda su papel y la puesta de escena, como siempre, así como el manejo de los planos unipersonales, son excelentes.
Como apunte, quiero recalcar que me gusta el uso de la banda sonora en las escenas de la guerra.