Hawks es famoso por su cine de acción y por sus películas sobre aviones (Dawn Patrol, Por la ruta de los cielos) o coches de carreras (Avidez de tragedia). Esta película de 1939, Sólo los ángeles tienen alas, supuso la consagración de Rita Hayworth como estrella de Hollywood a pesar de que se papel es demasiado corto y tiene como inverosímil pareja a un demediado Richard Barthelemess que no llega a la cintura a la carismática Hayworth.

Ver a Grant en un papel de machote mandón me pareció insufrible ya que está claramente fuera de su registro actoral como comediante frívolo y pícaro con su elegante frac o su blanca chaqueta de smoking. Jean Arthur no se sabe ni de donde viene ni adonde va ni que hace más allá de llorar por su amor por Grant que, obviamente, se siente más atraído por su poderosa y antigua novia Hayworth que por la noña llorona de Arthur. Thomas Mitchell es un inverosímil piloto de 60 años que ya volaba antes de que nacieran los hermanos Wright. La escena final es de traca: dos mancos, uno del brazo izquierdo y otro del brazo derecho, pilotan en comandita un avión para ganar el concurso del correo postal de un país hispanoamericano del tercer mundo.

Más allá de lo desajustado de los personajes-papeles lo que falla aquí es el guión: puede interesar mas o menos la épica de los pilotos de los años veinte con sus locos cacharros de tela pero es demasiado inverosímil que vayan a parar a un rincón perdido del tercer mundo el novio, una que pasaba por allí viniendo de Nueva York, un piloto ciego, la antigua novia del novio, el que mató al hermano del piloto ciego en un acto de cobardía en el pilotaje, un holandés capitalista y un conjunto de americanos enloquecidos por el correo postal aéreo que van muriendo porque SIEMPRE les toca volar de noche y/o lloviendo. Por supuesto, los nativos del país no llegan ni a aparecer más allá de ser atrezzo móvil entre los actores norteamericanos o cantantes de boleros muy al fondo de la escena.
Una película culturalmente imperialista, sobrepasada por el tiempo en su temática y en que lo único que vale la pena es ver a Margarita Cansino, nombre verdadero de Rita Hayworth, en sus orígenes como gran estrella del cine clásico de Hollywood que fue.

Todo el mundo habla de que esta es una obra menor de John Ford que hizo un año antes de La Diligencia (1939). Desde luego es una película un poco rara pues es una mezcla de película de detectives y de película colonial inglesa al estilo de Tres lanceros bengalíes. Aquí son cuatro esta mezcla de Tres lanceros bengalíes y los Tres mosqueteros. Es una temática, la del colonialismo inglés o la de las series de detectives tipo el Halcón, ajena a Ford y a sus valores militaristas o de la épica de la Nueva Frontera.

Sabes el final al cuarto de hora de haber empezado y en todos para uno y uno para todos solo se inserta la cuña de turno: Loretta Young, porque toda película de héroes masculinos de encargo tiene que meter con calzador a una pelmaza que solo se dedica a enredar. Muy mal, el papel de Loretta Young pero peor es la escena de opereta con John Carradine haciendo de general Alcázar (el de la parodia de Tintín) y la grotesca escena de la revolución con una presunta escena cómica que no tiene nada de graciosa con los petimetres ingleses y la petrimetra millonaria que pasaban por ahí.

Aunque les pese a los fanáticos de la marca John Ford, esta es una película de Ford con temas y personajes de vodevil que no le van para nada. Si no la ven no se pierden nada, Ford tiene otras muy notables que pueden ver varias veces para compensar ésta.

Vemos a la Sandrelli como la pechugona sensual de tantas películas carnosas de los 70 y 80 pero aquí vemos a una prenda de 19 años que se pasa la película tapándose sus pequeños pechos con la omnipresente sábana blanca.

Es una película muy interesante porque son varias películas a la vez:

1.- Retrata la huida del pequeño pueblo del campo hacia la gran ciudad en busca de bienestar material y del sueño del mundo del cine. El director, Antonio Pietrangeli, lo resuelve con unos flashbacks alguno de ellos no muy bien conseguido ni ambientado.

2. Es una película muy existencialista (la existencia consitituye la esencia de la persona) ya que se retrata en forma de sketches amoroso la vida mínima e inconsciente de la protagonista, la joven Sandrelli. Hay sketches intelectuales, otros muy jocosos y otros (el de Tognazzi) muy triste.

3. Es una película de cine que tiene como motivo el propio cine: Sandrelli pasa de acomodadora a actriz en películas de romanos. En los diversos sketches, sobre todo el de Tognazzi, aparece el mundo falso y cruel de la carrera por la fama cinematógráfica y lo difícil que es mantenerse en la cima.

Una película nada complaciente y que no tiene nada que ver con las comedietas que hacía por esa época la Loren (casada con su productor viejo y calvo) y Mastroianni.

Tod Browning es un director inclasificable en su propio tiempo y lo sigue siendo ahora en estos tiempos de terror de casquería y series tipo Halloween y demás propuestas de marketing.

Browning, aquí con la ayuda de otro inclasificable como von Stroheim, nos presenta un melodrama al estilo del Conde de Montecristo con madre e hija incorporadas en el que un inocente es condenado a la cárcel injustamente y se venga de los verdaderos culpables. Lo singular en la venganza es el medio del que sirve: asesinos menguantes por obra de un científico loco y su mujer enloquecida. Los muñecos van perdiendo su papel para llegar al melodrama paterno filial de un ser que es odiado cuando es inocente pero que tiene que ser un críminal para demostrar su inocencia lo que le depara un autocastigo irreversible.

Browning trabajó en el cirqo que en su época exhibía seres anormales como enanos, mujeres barbudas, deformes o contorsionistas. Siempre con Lon Chaney como actor fetiche y; en esta pélicula, a John Barrymore haciendo un gran papel como monstruo travestido de mujer y asesino. La O'Sullivan, como siempre, de chica mona sin más y compaginando a Tod Browning con Tarzán. Luego llegarían Woody Allen y la Farrow que si componen una película de terror, ambos.

Esta película es pura arqueología del cine con actores y esquemas narrativos de la época pero atesora varias virtudes: es la primera biografía del criminal Al Capone con la Matanza de San Valentín incluida. Tiene el valor documental de que está filmada en 1931, casi en la misma época en que sucedieron los hechos narrados y con un realismos que hoy nos sorprende sobre todo en la escena final del asalto.

También es una película valiente ya que vincula la Mafia no a la personalidad mas o menos enferma de un criminal sino a la propia sociedad norteamericana que vemos disfrutar de la vida en las escenas del comienzo del film pero sin darse cuenta de que ese tren de vida proviene del dinero sucio de sangre de la Mafia.

Una película con actores hoy poco conocidos como Helen Twelwetrees (Doceárboles como si fuera un nombre indio) y Ricardo Cortez pero algunos secundarios como Frank McHugh (que se labraría una buena carrera haciendo de gracioso feo y bajito) o Harry Carey, tan presente en las películas de John Ford como viejecito de honradez acrisolada y una cierta sabiduría dada por la vida. En 1931, sin el código Hays por enmedio, todavía se podía hacer buen cine de gansters con policías corruptos y héroes de tono gris marengo.