La película Pina, dirigida por Wim Wenders, inaugura un feliz comienzo: el del cine de autor en 3D. Se trata de un documental sobre el trabajo de Philippine Bausch, coreógrafa alemana conocida como Pina. Con imágenes oníricas, y a la vez dolorosas, la sala 3D permite involucrarse con un planteamiento estético radical: el de mezclar el arte y la vida. Los bailarines despliegan su expresividad en distintos escenarios naturales y en la ciudad. El cuerpo recupera su volumen, su capacidad de intervención.
Wenders había planeado hacer un filme con Pina hace unos veinte años pero no encontraba la forma de incorporar la experiencia de la danza a la pantalla."Hasta entonces yo me consideraba, como tantos otros directores de cine, un experto en el lenguaje del cuerpo", aseguró, pero descubrió con Bausch "cuán refinada era su gramática corporal, cómo de detallado era su vocabulario. Me di cuenta de que los directores de cine somos analfabetos en comparación con ella". Lamentablemente, a los pocos días de comenzar los ensayos para el rodaje, Pina falleció y el proyecto pasó de ser una película con Pina a ser una película para Pina.
Según comentó su realizador, las imágenes que podemos ver son respuestas que su elenco nos ofrece con el cuerpo. Las preguntas hacen referencia a Pina, al recuerdo que tienen de ella.

El reciente film escrito y dirigido por Leos Carax ya pasó por varios cine clubs de Buenos Aires, luego de la polémica que despertó en Cannes entre quienes la consideraron un chiste de mal gusto y quienes se alegraron por su carga destructiva. Sin duda, despierta sensaciones extremas y no pasa desapercibida, tanto por su planteo estético como argumental.

Holy Motors es un drama que lleva al extremo la máxima vanguardista de la comunión entre el arte y la vida. Con la desaparición del aparato técnico como índice del artificio, su planteo futurista de la industria del cine, allana el camino hacia el sometimiento del cuerpo y el alma del actor. Si la concepción de la división entre el alma y el cuerpo le permitía al trabajador industrial someter su cuerpo en el trabajo, en esta película el actor ya no tiene resguardo posible. El set de filmación y la cámara, que antes le permitían mantener su autonomía fuera de escena, se reducen ahora a una lujosa limusina como único espacio que lo aleja del drama pero, a la vez, de cualquier experiencia vivida.
Bárbara A. Wapnarsky

Creo que Von Trier podría habernos mostrado la vida de una ninfómana (su desborde, su inocencia, sufrimiento, dolor, culpa y autocastigo como forma de redención) de la misma manera que se narran las experiencias religiosas y remitiendo a imágenes y narraciones típicos del discurso religioso, desde lo formal, SIN NECESIDAD de meter a un narrador, un tercero, que explica todo y establece relaciones explícitas, subestimando al espectador. Le gana su interés porque el espectador entienda lo que quiere que se entienda y ese narrador parece la encarnación de wikipedia. Aunque también puede leerse como una respuesta artística, como debilitamiento de su propuesta estética, obligado a tener que dar explicaciones sobre lo que dicen, o no, sus personajes y, por medio de ellos, el Director y guionista. Una forma bastante arriesgada, sacrificando la obra misma, de demostrar qué tan degradado puede resultar todo cuando la moralidad pide explicaciones a este tipo de planteos estéticos.
Me decepcionó mucho, aunque tiene momentos destacables, momentos en los que se ríe del espectador y momentos en los que plantea cuestiones terribles que dan para pensar seriamente, y sin hipocresía, sobre nuestros hábitos y aquellos que decimos y opinamos sobre los demás. Igual es para verla.

Bárbara Wapnarsky.

“Exit through the gift shop”, el último documental del graffitero inglés Banksy , problematiza el poder de los artistas urbanos en la calle. Con material recogido por Thierry Guetta, un francés que filma compulsivamente la intimidad de su familia así como los actings de estos artistas en Los Ángeles, Banksy se propone desenmascarar a Mr. Brainwash, nombre artístico con el que el propio Thierry desarrolla una verdadera industria del arte urbano con un objetivo claro: la exposición en el museo y una valuación comercial de sus obras.
Además del recorrido por distintas obras del Street Art, se pueden apreciar algunas constantes: el humor negro, la ironía, el sarcasmo, la denuncia, la democratización de los espacios y una contra-cultura que disputa, desde un lugar subalterno, el poder de la palabra y de la circulación de las ideas. La constante persecución policial de estos artistas de las calles encuadra su actividad dentro del marco de la ilegalidad. “No es graffiti. Es arte”, dice uno de los detenidos. La ciudad es interpelada con imágenes crudas, con preguntas, con burlas a las señalizaciones de tránsito, con repeticiones de imágenes bélicas, con alegría, con dureza. Quizás su fuerza sea el anonimato.
¿Pero qué es lo peligroso del Street Art? ¿Qué es eso que lo encuadra dentro del delito? El Street Art rompe con la idea de obra. Estas pintadas, materialmente continuas e inseparables de la ciudad, se resisten al poder de los museos y de los coleccionistas privados. ¿Pero qué pasó con Banksy? No lo sabemos. Luego de sabotear prestigiosos museos infiltrando secretamente sus obras, Banksy comenzó a exponer en estos espacios y tiene un agente propio que maneja la valuación de sus obras. Como él mismo dijo, “tal vez el arte es un chiste”.
http://www.banksy.co.uk/

Das schlafende Mädchen o, como fue traducida al inglés, The sleeping girl, guionada y dirigida por el alemán Rainer Kirberg fue una de las tantas películas inolvidables que pasó por las salas del BAFICI. En esta ocasión, se recuperó un filme que ya había sido exhibido en el Festival Internacional de cine de Berlín este año. El artista alemán, reconocido por sus producciones plásticas y audiovisuales, se dedica desde 1978 a realizar instalaciones, filmes y performances que se exhiben en instituciones como la Secesión de Viena y el Kunst Werke en Berlín. Sin embargo, pasó casi desapercibido para un público que concentró su mayor expectativa en los “focos”, que ofrecieron un recorrido por obras consagradas del cine de autor. Por este motivo, quizás, se pudieron conseguir lugares para la función de Das schlafende Mädchen sin problemas e, incluso, hasta unos minutos antes de la proyección.

Rainer Kirberg, que formó también parte del jurado del BAFICI en la categoría de “Cine del futuro”, se presentó en la sala para ofrecer una bienvenida. Aprovechó la ocasión también para advertirle a su público que, si la película les gustaba, debían felicitar a Hans (personaje, y autor, del filme) y que, de no ser así, se haría cargo de la responsabilidad exclusiva. La película comienza con dos escenas que ya nos anticipan un poco lo que se viene: la primera, con una pantalla en blanco y la palabra “bild” (imagen) en negro. La siguiente, nos muestra a Hans contra una pared blanca, sobre la que dibuja un cuadrado que lo incorpora al encuadre final. Así, Hans interviene en forma directa sobre el material fílmico. Como repite Ruth, la joven y sensual protagonista con la que Hans se obsesiona, "si sabes leer las señales de los humadores de plata, se puede conocer el futuro”. Tal como lo definió el propio Rainer, se trata de un “filme conceptual” y en el que “hay que prestar mucha atención a los detalles”.

Con el formato blanco y negro, Rainer Kirberg intenta “reforzar el estilo minimalista de Hans”, personaje inspirado en el artista holandés Bas Jan Ader (http://www.basjanader.com). Sin embargo, los datos autobiográficos son recurrentes. Hans, además de ser estudiante de la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, al igual que el director, es un ferviente admirador de Joseph Beuys (http://es.wikipedia.org/wiki/Joseph_Beuys), un conocido profesor de la Academia. Sin embargo, su personaje, poco a poco, va tomando distancia de Beuys, así como de la Academia y de los círculos cerrados de la bohemia de los años setenta. Los personajes, legitimados como teóricos de la Academia, se preguntan por la definición del arte. Citan autores como Hegel, Adorno y Heidegger y se problemática la doctrina realista de esos años, para rescatar, finalmente, las vanguardias de los años sesenta y setentas y los actings minimalistas de la época.

Hans, preocupado siempre por el encuadre de sus obras, cambia con la aparición de Ruth, una joven humilde que vive en el campo y que permanece casi en estado salvaje. La aparición accidental de Ruth en el encuadre que hace Hans sobre un parque, la mete de lleno en su vida. Él la hospeda en su estudio e intenta retratarla, pero aparecen conflictos entre los personajes: ¿Quién es Ruth?, ¿es cómo se muestra?, ¿es como él la ve?, ¿es como él la retrata en este filme? Se ponen en duda los criterios de representación. Ruth, ingenua y aniñada, pregunta: “¿Por qué estás filmando?”. “Quiero entender lo que pasa a mi alrededor”, responde Hans. Pero el arte escapa a una conceptualización rígida y estable. Hans se enamora de ella pero “el amor es una prisión” y el “arte es una prisión”, ¿o un refugio? “El arte necesita depredadores” y Hans sale a buscarlos. El material se muestra como un work in progress, que adquiere otras dimensiones, hasta que Hans se involucra por completo, y de un modo radical, con su obra.

La película mantiene los recursos del género documental y expone el aparato técnico, simulando, incluso, un deterioro del material fílmico. Con esta incomodidad visual para el espectador, se pone el acento en la materialidad de la obra, cuya importancia no es menor que la narrativa. El resultado es una obra fraccionada e híbrida que surge del montaje de unas cintas producidas y destruidas por sus propios personajes. La destrucción de la obra adquiere un potencial generador y la expresividad resultante cuestiona los cánones del arte. La elección de títulos como “Autorretrato”, “Narciso y la fuente” y “Naturaleza muerta” para los capítulos que componen este film, lo ponen en relación directa con el arte clásico. Luego de su paso por este festival, la obra poco extensa y muy espaciada en el tiempo de Rainer Kirberg, seguramente, será buscada por los que pudimos advertir, en la breve sinopsis difundida en la guía de programación, un filme que no podíamos dejar de ver.