La primera temporada de The Boys se convirtió en un éxito automático. Su irreverencia y brutalidad gustaron a muchos. Su historia plantea un mundo en el que los superhéroes tienen una gran aceptación por parte de los ciudadanos. Son algo así como los influencers de hoy en día, pero con poderes. Hacen publicidad, son prescriptores, presentan programas de tv… Todo eso de cara al público, pero realmente, son corruptos, viciosos, fascistas y muy peligrosos.

Un pequeño grupo de ciudadanos dirigido por un tipo duro al que llaman El carnicero quiere poner orden a las desgracias que ocasionan los superhéroes. Todos ellos tienen en común las pérdidas que han sufrido por parte de los supers. Y piensan que la mejor forma de controlarlos es matándolos a todos.

La primera temporada de The Boys, nos mostró el origen de algunos personajes. Sus escenas estaban llenas de violencia y sucio vocabulario. Ese punto de riesgo para una serie de tv gustó muchos. Pero a los lectores del cómic de Garth Ennis y Darick Robertson, que la esperaban con el hype por las nubes, no les entusiasmó tanto. La serie aún siendo gore, salvaje y atrevida, se quedaba a medio camino de la bestialidad del cómic.

La segunda temporada de The Boys (recordemos que Amazon Prime Vídeo, solo nos ha dejado ver los tres primeros episodios) ha escuchado las quejas de los fans y ha aumentado la violencia gore y las palabras malsonantes. Pero también ha hecho otra cosa, algo que también hizo en su momento Walking Dead, alejarse del cómic homónimo en el que se basa.

En esta segunda temporada, a diferencia de la primera, encontramos muchas más diferencias en la historia con el cómic original. Huguie, el personaje interpretado por Jack Quaid (sí, es el hijo d Dennis Quiad), de golpe y porrazo es mucho menos freak que en la primera temporada. El resto del grupo, El carnicero, Frenchie, Leche materna y “la Hembra”, son mucho menos duros y salvajes de lo que deberían ser.

El protagonismo que le dan a The Deep, espero que nos lo expliquen en algún momento, porque ahora mismo, no tiene mucho sentido.

A Homelander, casi lo han convertido en el protagonista de la serie. Entiendo que eso debe ser porque el actor que lo interpreta, Antony Starr, tiene más carisma y talento que el resto del reparto junto (Si no la habéis visto, mirad la serie, Banshee).

Alejarse de la historia del cómic, no creo que le aporte nada bueno, ya que las nuevas tramas que plantea son más bien, flojitas. El segundo episodio es un buen ejemplo, si os lo saltáis no es perdéis nada.

En conclusión, aún con más sangre y palabrotas que la primera, esta segunda temporada sigue sin llegar al exceso e irreverencia del cómic. Lo que ganó en violencia lo perdió en historia y profundidad de personajes. Sin esto último, las escenas gore cargadas de vocabulario soez quedan desdibujadas y pierden la fuerza que deberían tener. En muchos casos resultan gratuitas y no impactan.

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Para responder a esa pregunta, además de ver la película, no estaría mal conocer alguno de los nombres que hay detrás de este título. Algunos son muy conocidos, otros, no tanto.

Hablemos del director, Antonio Campos. The Devil All the Time (2020) es su último trabajo, pero desde muy joven, su forma de rodar llamaba mucho la atención. Auspiciado por la Cinéfondation del festival de Cannes con la que ganó el primer premio en 2005, con 25 años pudo participar con su primer largometraje, Afterschool (2008). Una excelente película protagonizada por Ezra Miller en la que conoceremos la visión más oscura de un instituto.

En 2012 estrenó Simón Killer, una de mis películas favoritas. En esta película vemos la meticulosa radiografía de un joven psicópata. La forma en la que está rodada nos hace observadores, colocándonos en la figura de una especie de voyeur, de cómo Simon (espectacular Brady Corbet) ve y siente la vida y la muerte.

Christine (2016), fue su siguiente película. Su tercera incursión en la psique de un personaje oscuro y torturado. En esta ocasión, la periodista Christinne Chubbuck interpretada por Rebecca Hall. Historia real de uno de los momentos más violentos y desesperados de la tv.

Viendo estas tres películas, en las que Campos disecciona con mano de cirujano la perturbada mente de sus personajes protagonistas, no es de extrañar que adaptara la novela de Donald Ray Pollock que da nombre a su última película.

El diablo a todas horas es un viaje a la maldad, al narcisismo, al deseo de conseguir los objetivos ordenados por las bajas pasiones de unos hombres bajo la influencia de Dios o de cualquier otra Fe. Incluso la fe en uno mismo. Nos sitúa en dos pequeñas localidades del sur de EEUU. En la América profunda de mediados del siglo XX. En la que la religión, los ambientes rurales y los personajes que parecen cobrar vida de las pinturas de Grant Wood creaban el escenario perfecto en el que dar luz a los deseos más bajos, oscuros y peligrosos de una comunidad.

Y es que no solo los Hermanos Coen tienen el monopolio de las historias situadas en ese tipo de lugares y con ese tipo de personajes. Lo dejaron claro directores como Paul Thomas Anderson, Martin McDonagh, Cary Fukunaga y todo el cine de terror rural rodado desde los años 70.

Antonio Campos, utilizando diferentes historias con nexos en común, como herencias mentales, o personajes que se mueven en varias de ellas, nos muestra un abanico de personajes esparciendo el mal en su vida y la de los otros. En algunos casos, sin ser conscientes de ello. Nos enseña como la casualidad, la suerte y la oportunidad es parte fundamental de la vida. Tan real como los zapatos que vistes.

A los espectadores, como hacía en sus otras películas, nos cuenta más información de la que tienen sus personajes protagonistas. En este caso, además, tenemos una voz en off que nos ayuda a no perder la cuenta de todo lo que ocurre.

A diferencia de sus anteriores películas, al utilizar tantos personajes, no podemos sumergirnos tan profundamente en la psique de sus personajes, pero sí lo suficiente como para poder entender las acciones de esa comunidad. De esa América.

Su reparto hace un trabajo prodigioso. Todos, sin excepción, están a un nivel que ojalá compartiera la mayoría de las películas de la plataforma. Actores conocidos Tom Holland, Mia Wasikowska, Jason Clarke o Robert Pattison (este último, lleva desde Cosmópolis (2012) demostrando que es uno de los mejores actores de su generación, aún habiendo participado en la desastrosa saga Crepúsculo) crean unos personajes muy alejados a lo que nos tienen acostumbrados. Espectacular la perfección del acento sureño, gestos y ademanes de la época y lugar.

Actrices y actores no tan conocidos como Bill Skarsgard, Haley Bennett, Riley Keough, Sebastian Stan, Eliza Scanlen y Harry Melling, completan el reparto perfecto. Sus interpretaciones son precisas, sensibles, inspiradas y dignas de todo tipo de elogios. Especial atención a Eliza Scanlen, de la que, recomiendo toda su filmografía, y Harry Melling, el ahora irreconocible actor que interpretó a Dudley Dursley, el primo de Harry Potter. Su interpretación en esta película dará mucho que hablar.

No sé si he respondido la pregunta del título, pero espero haberos animado a que veáis la película y respondáis a la pregunta vosotros mismos.

https://www.lasfuriasmagazine.com/es-el-diablo-a-todas-horas-el-mejor-estreno-de-netflix-en-lo-que-llevamos-de-ano/

No todo lo que es oro brilla. Soy fan de Tom Hardy, me encanta la vida de Al Capone y Josh Trank me sorprendió para bien en Chronicle (2012).

Cuando me enteré de que después del desastre que hizo Josh Trank con Los 4 fantásticos (2015), por problemas de producción y divergencias creativas, iba a hacer una película pequeña, íntima y controlada cien por cien por él, me alegré muchísimo. Cuando, más tarde, me enteré de que iba a hablar de los últimos años de Al Capone y que la iba a protagonizar Tom Hardy, se me disparó el hype.

Quizá las expectativas eran muy altas, un actor del carisma y talento de Hardy, un personaje como Capone (maravilloso De Niro en Los Intocables (1987)) y dirigida por el talentoso director de Chronicle, (found footage del bueno, la mejor y más realista película de chicos con poderes). ¿Qué podía salir mal?

Todo. Todo salió mal.

En, Capone (2020), nos encontramos con un Tom Hardy que no sabe cómo abordar el personaje. Hace un pésimo trabajo corporal para interpretar a un personaje enfermo. Se le nota perdido durante toda la película. Él sabía que el personaje era lo suficientemente goloso para que todos los ojos estuvieran sobre él, quizá no lo supo gestionar, o le pudo la presión o que después de hacer la tontería que hizo con Venom (2018), está perdiendo facultades.

El equipo de maquillaje tampoco tuvo un buen día. La caracterización de Alfonso Capone, es horrible, muy poco creíble y mal realizada.

La dirección de Josh Trank es televisiva, en el mal sentido, no pensando en The Wire. Fotografía pobre, escenarios, vestuario… Trank intenta hacer una película que se mueva entre un mundo onírico y el real, quiere que no distingamos entre las fantasías y sueños de un Capone demente y la verdad de su entorno. Decide hacerlo utilizando herramientas lynchianas, como un diseño sonoro muy parecido al de las obras de David Lynch y algunas escenas los suficientemente extrañas como para parecer una pesadilla. Pero Josh Trank no es Lynch, nadie es Lynch. Solo Lynch tiene la capacidad de rodar sueños o pesadillas. El resultado es un conjunto de decisiones mal tomadas.

El guion firmado por el propio Trank, juega a ser arriesgado, indi, autoral e incluso experimental y acaba resultando un texto pretencioso de alumno de tercero de la ESCAC.

No todo es malo en Capone, hay una escena protagonizada por una ametralladora Thompson de oro que hubiera hecho cambiar parte de mi opinión y el resultado final de la película. Por desgracia, esa escena fue un acto más de cobardía por parte de Trank.

Espero que Tom Hardy vuelva a hacer buenas películas y series (Taboo), pero creo que Josh Trank, después de Capone, lo tendrá mucho más difícil para que le dejen sentarse en la silla de director.

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En 2016 pudimos disfrutar en El festival internacional de cine fantástico de Catalunya de Train to Busan (2016) de Sang-ho Yeon. Una película de zombis infectados coreanos muy recomendable. Toda la acción transcurría dentro de un tren. La sensación de agobio era notable y dentro del grupo de personajes protagonistas había varios muy carismáticos. Hoy hablaremos de su segunda parte. Train to Busan 2: Península (2020).

Train to Busan 2: Península, también la podremos encontrar en el Festival de Sitges de este año. Competirá en la Sección Oficial con películas como la nueva película de Kike Maíllo Cosmética del enemigo.

Después de ver la secuela de Train to Busan, me extraña que la hayan rodado 4 años más tarde, ya que Sang-ho Yeon ha rodado una película que da sensación de haber sido rodada deprisa y corriendo. Si nos dicen que la rodaron un par de meses más tarde de comprobar el éxito en taquilla de la primera, me lo creería.

Train to Busan 2 es una película de zombis en la que los zombis no son más que parte del decorado. En ningún momento dan miedo. No hay ni un susto.

La película nos sitúa 4 años más tarde de la primera historia. Un pequeño grupo de coreanos refugiados en Hong Kong, que malviven y son rechazados por el resto de los ciudadanos, hacen un trato con una banda mafiosa para volver a Corea del Sur ha recoger “algo” a cambio de millones de dólares. No tiene mucho sentido, pero piensas, bueno, a ver que se encuentran en Corea.

Lo que se encuentran en Corea es un mundo post apocalíptico que más que haber pasado 4 años desde que apareció el virus zombi, parece que hayan pasado décadas.

Al poco de pisar tierra, los zombis les atacan, está todo muy oscuro así que las escenas no se ven muy bien. Hacen mucho ruido, pero como el refrán, hay muy pocas nueces. Muchos zombis de los rápidos por todos lados, pero ninguno asusta. El maquillaje de los zombis no es ninguna maravilla.

Les acaban salvando dos niñas supervivientes de la península. A partir de aquí la peli es una de zombis + MadMax, pero de saldo.

Efectos especiales de segunda y muy poca violencia para ser una de zombis. La mayoría de las acciones violentas están fuera de plano y tampoco hay un plano para ver el resultado de dicha acción.

La historia está llena de lugares comunes del subgénero que hemos visto, mucho mejor, en Walking dead, en la saga de zombis de George A. Romero o en muchas otras películas: bandas malvadas que se divierten haciendo juegos sin sentido con zombis, persecuciones de coches con cuchillas en las ruedas, montones de paletos (parece que solo sobreviven los tontos) …

Los personajes son de una cara, aburridos, sosos y sin ningún encanto, quizá se salvan las niñas, sobre todo por la comparación con el resto. Los actores, sin ningún tipo de carisma, ni los protagonistas ni sus antagonistas. No te llega a importar ninguno.

La acción está bien rodada, pero, como decía, muy dulcificada. La música… mejor me ahorro la opinión. Y el final, da vergüenza ajena.

En definitiva, cuesta creer que la película sea del mismo equipo de Train to Busan (2016). No creo que haya tercera parte, pero si son tan osados como para hacerla, solo espero que no vuelvan a jugar con nuestras expectativas.

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Devs, del canal FX, es la serie de ciencia ficción más esperada e importante de lo que va de año, me atrevería a decir que lo será de todo el año. En España se puede ver en la plataforma de HBO. Pero ¿es Devs tan buena como dicen?, ¿cumple las expectativas creadas por la estela de su autor?

Devs es una serie magistralmente interpretada por su protagonista, Sonoya Mizuno, actriz que ya trabajó en los dos films de Garland, hace una interpretación verosímil, delicada, de matices, para crear un poderoso personaje femenino al que, desde ya, queremos conocer más. Del resto del reparto destacaría a Nick Offerman, Cailee Spaeny Alison Pill, los personajes que construyen son fascinantes, sin duda, de sus mejores interpretaciones.

La serie nos enseña la ciudad de San Francisco más cercana a Tokio que nunca. Situada en Silicon Valley, la historia nos lleva a replantearnos, como otras, si todo vale para conseguir tus deseos, el precio que tiene una vida, o qué es la vida en realidad. La historia te atrapa y no te deja ir, te acompaña junto a sus personajes en teorías cuánticas de los físicos Deutsch, Everett, o Bohm.

Deseo hacer spoilers, pero no los haré, considero que esta es una de esas series que debes ver sin saber nada de lo que ocurre argumentalmente en ella.

La serie cumple con las expectativas creadas, estamos ante una gran historia de ciencia ficción, bella y visualmente hipnótica, como su sonido y banda sonora. Conversaciones de sus personajes nos llevan a plantearnos conceptos religiosos, éticos y morales. Sin duda visión obligada para seguidores de Mike Cahill y Brit Marling.

Es una buena serie…mmmm… perdonad… No me encuentro muy…bien…
¡POR FIN! ¿Necesito dar mi opinión! Duerme un rato, Jekyll…

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