Casi una obra maestra en un género casi nunca tratado en el cine americano.

Increíble que se haya tratado de reaccionaria una película que deja por los suelos a un grupo de claros representantes de clase media con ínfulas de mejor posición: en cuanto se les desbarata el plan maravilloso de su despedida de solteros se convierten en unos bárbaros irrefrenables dispuestos a todo con tal de tapar sus miserias y procurar colarse por la sociedad de siempre, en lo posible de mejor posición y regia apariencia.

Todo esto provocando estupor, asco, risas de las buenas y de las otras hasta dar con una media hora final trepidante en la que destaca, inesperadamente en la historia, una Cameron díaz alucinada y alucinante.

También están muy bien todos los demás, especialmente Christian Slater, extraño actor que suele dar la impresión de que deja para la pantalla la misma cara en todas las películas y se va de copas con los amigos. Aquí, no. Aquí está que se sale.

Me ha encantado. El título ya entra en el sarcasmo: Very Bad Things, Cosas muy malas. Y además tiene un epílogo que borda Cameron Díaz, un remate que no te esperas para nada.

Una vez más —y van tantas ya— el maestro Woody Allen aprovecha un tono de comedia para destilar sabiduría filosófica, psicológica y de café con cruasán a la plancha. Aquí, la mejor película (después de El bebé de Rosemary, Polanski) de Mia Farrow es un homenaje absoluto a quien por entonces era musa de Allen.
A través de su conmovedora y simpática historia se revelan aspectos dramáticos de envergadura y un mágico encuentro con la medicina tradicional china, esta que ahora en el siglo XXI está "invadiendo" el mundo.
Alice es una pobre muchacha sumisa casada con millonario adúltero y tristón (William Hurt, capaz de dominar una galería de hombres tristes en mil y un registros) que, gracias a un médico chino, consigue emprender un viaje de iniciación rumbo a placeres prohibidos y, por último, a la sabiduría de una mujer buena y generosa. El enganche con el chino es de risa, lo mismo que otras buenas situaciones de comedia, pero el fondo es profundo: se trata de un tipo de medicina que siempre tiene en cuenta lo psicofísico, desde tiempo inmemorial, sin necesidad de psicoanálisis y, además, entronca con aspectos mágicos del individuo. No aporto nada más para no desvelar el punto de sorpresa típico de Woody, pero sí susurro al oído de quienes la vean por primera vez o repitan, que todos lo que nos hace reír y sonreír en esta película forma parte del alma profunda de una medicina de extraordinaria potencia basada en hierbas y acupuntura. Y todo en el marco incomparable de una ciudad y su puñado de solitarios que buscan denodadamente alguna forma de amar y ser amado.

Quién podía dar más: Jean Claude Carriere se une a Louis Malle para inventar un western surrealista, protagonizado por dos estrellas que en aquellos años 60 cosechaban públicos diversos, muy opuestos.

Aunque la hermosísima BB había sido ligeramente seducida por uno que otro director intelectual y participó en uno que otro pestiño, lo normal era que se la identificara con un erotismo popular con mucha gracia espontánea embutido en un cuerpo espectacular con una de las caritas más deliciosas del cine europeo. A su lado, la divina Moreau, musa de la élite intelectual portadora de un erotismo casi siempre perverso, muy alejada siempre de la comedia y muy recatada en los desnudos. Pues bien, si la cosa no es extraordinaria es porque a Carrere y a Malle la comedia no les iba y pierden fuelle a lo largo del metraje, aunque, eso sí, con auténticos hallazgos, divertidísimos embates metiendo en este fregado a dos chicas liberadas de la Francia de los 60 del siglo XX. ¡Fantástica la secuencia en que BB vuelve de retozar con uno de sus amantes, y al mejor estilo "macho bravío", marca en la pared para ir contando los tíos que se tira.

Persecuciones, tiros, locuras de comedia inesperada y ellas lo hacen todo, sumamente divertidas, y hasta cantan, y cómo. Con notables defectos, ¡Viva María! es un alarde mayúsculo de imaginación al servicio de un humor que ya no se lleva, porque en más de una situación hay guiños para la obra y vida de todos los grandes del cine que aquí participan.

En este caso a Coppola le pasa como a la mayoría de los directores de teatro en la actualidad: ante el autor muerto ellos se erigen como autores absolutos, de manera que no hay mejor autor que uno bien muerto, preferentemente de otro siglo, para que no se queje de la libre versión que en su nombre hará el director en compañía de uno o varios guionistas sumisos.

Poco y nada tiene que ver esta versión con el Drácula de la novela original. Pero, sin embargo, he de reconocer que mientras la obra literaria se mantiene estupenda y rozagante a través del tiempo, Coppola logra una muy buena película: un tortuoso clima romántico bien cargado de exótico vampirismo, en un punto elegante de erotismo nunca consumado y de interpretación fidedigna de la persecución de Von Helsing.

Entre unos y otros, se logra un material único en la historia del cine coppoliano, pues por primera y única vez se permite hincar los colmillos en el género fantástico y lo hace hasta extremos inauditos.

Cuenta con un equipo de envidiable calidad, en el que la habitual inoperancia de Reeves o la también habitual sosería de Winona, cumplen de maravillas con sus personajes, así como el amargo y violento Gary Oldman permite vislumbrar un conde magistral, mientras Hopkins cumple tímidamente, tal vez avergonzado por emular a Laurence Olivier, último gran Helsing en la formidable "Drácula" de John Badham de 1979.

Vale la pena jugar a reconocer a Monica Belluci y Tom Waits, y disfrutar de la ostentosa banda sonora bien regada por una voz final inolvidable.

Comienza y acaba con muertos de profunda carga sentimental, con una carga lírica que no crea angustia porque la poesía se ha instalado desde el primer momento hasta estallar en una media hora final en la que los Coen alcanzan un nuevo estrato magistral dentro de su maestría habitual: treinta minutos en los que marcan la diferencia con la película original y con el propio western al que rinden homenaje, pues consolidan su estilo singular, mezcla rara de cine negro urbano y crepuscular aventura del Oeste, donde en medio de la sordidez y la crueldad estallan simgulares sentimientos entre un hombre viejo y una chica de 14 años.

Obra maestra en la que Jeff Bridges realiza, una vez más, una creación con detalles conmovedores y Hailee Seinfeld compone esa criatura fría y admirable, arquetipo muy evolucionado de las duras mujeres de aquel mundo desesperante pero nunca desesperado.

Josh Brolin da grima con su singular combinación de tipo carroñero y desvalido; Matt Damon es el educado Ranger de Texas con varias escenas de lucimiento.

En un marco de cuidada creación, la banda sonora de Carter Burwell y la fotografía de Roger Deakins se unen a la producción ejecutiva de Steven Spielberg talentos muy presentes: no hay un solo instante en que no tengamos la sensación de estar ante una obra de arte.