La televisión a veces nos depara agradables sorpresas y permite que disfrutemos con una serie de culto inesperada. Es el caso de "A dos metros bajo tierra". Una funeraria, un padre que muere en el primer episodio, dos hijos, uno gay, el otro enamorado de una chica desquiciada, una hija porreta y con tendencia a interesarse por chicos psicópatas o suicidas, y una madre obsesiva... Y sobre todo, la muerte, un tabú para muchos, se convierte en la protagonista indispensable para que la vida, en todas sus complejidades y matices, surja con toda su fuerza episodio tras episodio.
Porque de eso trata esta serie a través de una gama de personajes aparentemente frikies, pero que al final funcionan como un espejo de nosotros mismos. Todos los temas de calado universal son tratados con profundidad e ironía, desde las relaciones de pareja, el sexo, la intolerancia religiosa, la soledad, el miedo.... Unos guiones magníficos y unos actores inspirados y entregados a sus respectivos papeles, una música sugerente y una dirección fluida (los directores son varios y se reparten la labor en cada episodio) son los puntos fuertes de "A dos metros...". El creador de la serie, Allan Ball, y uno de los directores indispensables, Michael Cuesta (director además de esa película tan arriesgada como es L.I.E.), son los puntales de referencia de una serie que ya forma parte de la historia de la televisión.

Estamos ante la obra maestra de Gus Van sant y ante una de las rarezas más ilustres del cine independiente. El director, antes de venderse a las grandes multinacionales, ya había rodado otra gran película "Drugstore Cowboy", pero, sin duda, "Mi Idaho..." es su logro más celebrado.
El guión es tan alucinante que cuesta creer que pudiera llevarse a cabo sin un descalabro total. Para empezar es una adaptación de algunas obras de William Shakespeare, entre ellas "Las alegres comadre de Windsor" y "Henry V". Se trata de un extraña vuelta de tuerca a la versión de "Campanadas a medianoche" que Orson Welles dirigió en España. Pero, y ahí reside su gran hallazgo, la acción se traslada al mundo marginal de los chaperos. "Mi idaho privado" trata de uno de esos temas recurrentes en el cine norteamericano independiente: la ausencia del padre, unido a una trama habitual en las grandes tragedias familiares, el incesto.
River Phoenix, como Mike Waters, un prostituto narcoléptico, borda un papel lleno de sensibilidad y tristeza. Por su parte, Keanu Reeves demuestra que es capaz de actuar convincentemente. La fotografía es innovadora, muy conseguida. La música, adecuada para recrear esa atmófera híbrida, entre el realismo sucio y la ambigüedad onírica.
El tono underground y vanguardista puede incomodar a más de uno, pero yo aconsejo a todos los cinéfilos que se arriesguen y disfruten de una de las historias de amor más auténticas y poco conocidas que el cine de los 90 fue capaz de ofrecer, aunque surgiera de lo restringidos márgenes de los grandes estudios. La obra de un creador arriesgado, a veces genial, como ha demostrado en los últimos tiempos con otra gran película, "Elephant" . Una muestra poco habitual de arte inclasificable. Muy recomendable.

"Metrópolis" fue dirigida por Fritz Lang en 1927, época convulsa de entreguerras, donde la penuria económica , la violencia callejera y el auge de los fascismos muestran sus colmillos. La U.F.A. era, por aquel entonces, la gran productora del país, y Lang, uno de sus más punteros directores.
Junto a su esposa Thea von Harbou, co-autora de los guiones de "Las tres luces", "Mabuse" y "Los nibelungos", Fritz Lang escribió la historia de "Metrópolis" a partir de la novela ( de idéntico título) de su propia esposa. Se pretendió que esta película tuviera un mensaje explícito sobre las relaciones conflictivas entre el gran capital y los trabajadores. Superproducción para el momento de su rodaje, la construcción de unos enormes decorados futuristas y el uso vanguardista de los efectos especiales sirven de telón de fondo de una acción interesantísima, pero, a la postre, ingenua en su desenlace.
Cuenta "Metrópolis" cómo el hijo del poderoso dueño de la ciudad, Freder, descubre la miseria y el sufrimiento que se ocultan en los laberínticos subterráneos de "Metrópolis" gracias a María, una joven con la que tropieza por casualidad a las puertas de "Los jardines eternos", nombre que recibe el lugar donde vive la élite gobernante. Hasta aquí, el guión sigue sorprendentemente la historia del príncipe Sidharta, que también se topa con una pobreza que desconocía, mientras vivía en la dorada ciudad de su padre. En los barrios de este nuevo mundo bajo tierra, donde residen los trabajadores, esclavos obligados a manejar las ciclópeas máquinas que dan a "Metrópolis" su riqueza y esplendor, Freder descubre cómo María apacigua las ansias revolucionarias de los trabajadores con la esperanza de la redención a manos del "Cristo olvidado". La religión, como suele ser habitual, como el opio del pueblo, frena la indignación y busca el sometimiento voluntario de los parias de la tierra. Pero Freder se lo cuenta a su padre y éste ordena a su más eminente científico, Rotwag, que construya un robot hembra, hecho a imágen y semejanza de la auténtica María, para controlar para siempre su mano de obra. Rotwag secuestra a la chica, pero sus intenciones son muy otras. su plan es utilizar al androide para hacerse con el poder y tomar el puesto de su amo. La falsa María enloquece y trae la revolución. Las máquinas dejan de funcionar y las zonas subterráneas quedan inundadas. La verdadera María y Freder salvan a los hijos de los pobres y éstos, al comprender que han sido manipulados... ¡queman al robot!. Rotwag se vuelve loco y Freder y María se casan, enlazando metafóricamente trabajo y capital grácias al amor.

"La vida de Brian" es una de las comedias más hilarantes, provocaticas, cachondas e irreverentes de la historia del cine. Parodiando la vida de Jesús de Nazareth, este grupo memorable que recibe el nombre de los Monthy Pithon, arremete con la acerada espada del humor contra la iglesia, sus risibles dogmas y su asesino fundamentalismo de una manera ÚNICA en los anales ya seculares del séptimo arte. Sin necesidad de ponerse demasiado serio, como Scorsese en "La última tentación de Cristo", este quinto evangelio apócrifo es demoledor.
Ya desde el inicio, con esa llegada de los reyes magos a un Belén de cartón piedra, en busca del Mesías, y el recibimiento de una virgen travestida que cree que la mirra es una bicha, los Monthy Pithon ya ponen las condiciones necesarias para que el espectador elija entrar o no en el juego. Por supuesto, la jerarquía católica no lo hizo e intentó boicotear "La vida de Brian" como ahora hace con "El código Da Vinci". Demasiados siglos de privilegios censores e injustificables persecuciones impiden al sillón de Pedro entender las reglas básicas de la libre expresión y la democracia ( como los energúmenos musulmanes que son capaces de matar por unas caricaturas). Contra esto, y no contra la libertad de culto, embiste con enormes y necesarias carcajadas "La vida de Brian".
Ésta es, para mí, la mejor película del grupo cómico. Más hilvanada que "Los caballeros de la tabla cuadrada" y menos pretenciosa que "El sentido de la vida", los diversos sketches, aquí, tienen mayor coherencia y enjundia crítica. Incluso el diseño de producción está más elaborado, junto a la banda sonora y canciones. El guión, lo mejor, sin duda, con las interpretaciones, rezuma sátira de la buena a punta pala. (Me quedo con las intervenciones de Pijus Magníficus y la secuencia del Mesías Brian, escondiéndose de sus seguidores en el hoyo de un eremita barbudo y malhumorado, una verdadera gozada). Los títulos de crédito, antológicos . Es cierto que algunos chistes no están a la altura y el ritmo flaquea de vez en cuando, pero qué no se le perdonara a esta pandilla de bufones geniales.
"La vida de Brian" es una película que todas las gentes de bien deberían ver, para ayudar a desactivar el fanatismo y el odio que algunos corazones piadosos incuban como si el huevo de la serpiente se tratara.

Sin duda, estamos ante la mejor película de Ang Lee, uno de los directores con más sensibilidad y sello clásico que hoy trabajan en Hollywood. Estamos ante una obra que rezuma austeridad, sentimiento, belleza y dolor por todos los poros. Parece mentira que en los tiempo que corren aún haya imbéciles que pretendan negarles la posibilidad de amar a dos hombres o a dos mujeres, sólo por ser del mismo sexo. La película retrata esa sociedad hipócrita y represiva, fundamentalista e intolerante que tanto se da en Estados Unidos como en Irán (e incluso en nuestro país se ven rebrotes Peperos y eclesiales que dan asco). La estupidez no conoce fronteras. Brockebak mountain trata de la relación, intensa hasta el sufrimiento y la entrega, de dos cowboys que se ven obligados a vivir su amor a escondidas, clandestinamente. Se casan, tienen hijos, pero su vida empezó en una montaña que acaba siendo una especie de referente mítico para los dos y se desarrolla durante unos veinte años, sabiamente dosificados en hábiles elipsis por el director. Ang Lee compone como un verdadero maestro. Sólo Clint Eastwood puede hacerlo de la misma forma. La cámara se hace invisible, porque lo importante no es el director, sino la historia. El tempo es magnífico, pausado, mostrando las diversas relaciones y matices entre los personajes, con una banda sonora que parecen variaciones sobre un mismo tema, como lo es el recuerdo de la primera vez. que se amaron. La interpretación es soberbia. Heat Ledger y Jack Gillenhall están extraordinarios (iincreible la intensidad que pueden revelar sin caer en sentimentalismos). La banda sonora de Gustavo Santaolalla es una verdadera maravilla. Una verdadera gozada de película.