*Hace mucho tiempo en una Galaxia muy muy lejana

La última vez que los espectadores supimos del destino de Boba Fett, es que el Sarlaac lo había devorado. Es cierto que en Universo Expandido, era de sobra conocido, que Boba había sobrevivido y se convertía en una fuerza a tener en cuenta en la Nueva República.

No obstante con el nuevo canon apenas sabíamos del destino del personaje. Dave Filoni lo recupera como un joven cazarrecompensas en Las Guerras Clon, a raíz de su aparición en El Ataque de los Clones.

Entre cierto sector del público ha habido muchas críticas por no mostrar al Boba Fett taciturno y turbio del Episodio V. No obstante si observamos en las Guerras Clon. E incluso en su corto de presentación en el infame especial de Navidad. Boba Fett siempre ha sido un tipo con un cierto código de honor en su forma de actuar.

*Un viaje a través del viejo Tatooine

Con El Libro de Boba Fett volvemos al inicio de todo. Tatooine, el planeta de los soles binarios y lugar de crianza de Anakin y de Luke Skywalker. Cuando retomamos al personaje de Boba Fett en la segunda temporada del Mandaloriano, este se había convertido en un aliado para Din Djarin. Ahora exploraremos su proceso de sanación y redención.

En los cuatro primeros capítulos, a través de un montaje en paralelo veremos como Boba Fett se libra de las fauces del Sarlaac. Para después iniciar un proceso de sanación, tanto interior como exterior de la mano de los Moradores de las Arenas.

En paralelo vemos cómo es el actual status quo de Tatooine y como Boba Fett, como daymio del antiguo de Jabba el Hutt plantea cambiar las cosas en el planeta.

*Mandaloriano 2.5

Quizás la gran sorpresa llega cuando los episodios 5 y 6 de la serie están más enfocados al Mandaloriano que al propio Boba Fett. Muchos han sido los comentarios donde se ha comentado que el propio protagonista del show simplemente hacía un cameo.

Debo decir que, sin embargo, a mí esto me parece un acierto. Entiendo que Star Wars es más como un todo, una especie de gran novela río, donde diferentes personajes van interactuando a lo largo de la Galaxia. Y ecos del pasado resuenan en el futuro con una gran interacción.

En Juego de Tronos teníamos este tipo de situaciones de forma constante. Aquí se ha tomado la decisión de hacer series y películas por separado para narrarnos los orígenes de diversos personajes y plantearnos otras ópticas de lo que sucede en la galaxia.

*Elementos de dirección

Finalmente, creo que en El Libro de Boba Fett destacan dos grandes directores noveles en la imagen real. Estos son sin duda alguna Dave Filoni y Bryce Dallas Howard. Su dirección es precisa y académica. En el caso de Howard, ella plantea un episodio número 5 completamente magistral. Se atreve incluso con un plano secuencia y nos cuenta con bastante maestría cómo es la situación de Din Djarin en este punto.

Al respecto del episodio número 6. Dave Filoni se le nota que en su labor de director simplemente copia a los mejores. Si bien cuando nos introdujo a Ahsoka en el Mandaloriano, su referencia directa fue Akira Kurosawa, en este episodio su principal rima es con Sergio Leone, planteando un climático final a la altura de Hasta que llegó su hora.

La culminación de la miniserie es un espectacular séptimo episodio dirigido por Robert Rodríguez, donde da rienda suelta a todo su talento para dirección de la acción. Aquí vemos homenajes directos a Sam Peckimpah en el épico tiroteo que se desarrolla, así como situaciones calcadas de Río Bravo del gran Howard Hawks.

*Conclusiones

El Libro de Boba Fett es un muy digno producto de Star Wars que sigue profundizando en la construcción de este universo y en su amplio calado. El repertorio de personajes memorables se amplía y crece a cada momento. Creo que los fans de Star Wars debemos de estar de enhorabuena ante esta llegada de productos y sobre todo ante la posibilidad de ver madurar, evolucionar y crecer a personajes tan icónicos y de tanto calado.

Boba Fett crece como personaje, de ser un secundario interesante y taciturno, a tener su propio show y su propio crecimiento y desarrollo como personaje.

Escrito por Juan Carandell Rojo

*Festival de caras conocidas

La Increíble Historia de David Copperfield cuenta entre sus filas con un gran reparto, que se compenetra de lujo y que realizan una más que notable interpretación de los carismáticos y lunáticos personajes que aparecen a lo largo de este viaje.

Interpretando al inigualable protagonista, tenemos a Dev Patel (A quien hemos visto en otras brillantes actuaciones como la que realizó en SlumDog Millionaire), que se embarca en un extravagante viaje desde su dura y humilde infancia, hasta convertirse en un reconocido escritor.

Junto a Patel tenemos a otros grandes actores y actrices, que realizan cada cual un papel sensacional. Entre este agradecido elenco se encuentran Tilda Swinton, Hugh Laurie, Peter Capaldi, Morfydd Clark, Ben Whishaw, Benedict Wong y Darren Boyd, entre otros. Todos ellos tienen un rol bien definido, y ayudan a mantener el interés y el atractivo de la trama.

*Una sátira bien tirada

La Increíble Historia de David Copperfield está ambientada en 1840, en una época injusta y decadente en la que cualquiera podía pasar de las más altas posiciones, a la más baja miseria. Sin embargo, esta historia está contada desde un punto de vista “dickensiano”, es decir: Llevando la crítica social, los escenarios más dantescos y los personajes más repulsivos de una forma cómica y satirizada.

Y realmente funciona. Armando Iannucci consigue representar con todo el respeto y originalidad, esta atmósfera creada por Dickens, y mostrarla de una forma verdaderamente mágica; con imaginación. Es una película que se hace querer, que entretiene a la vez que divierte y emociona. La increíble historia de David Copperfield.

*De escena a escena, con estilo y originalidad

La Increíble Historia de David Copperfield mezcla el humor y la crueldad, la realidad y la fantasía, la esperanza y la impotencia; todo ello narrado de forma ejemplar y perfectamente entendible. Cada salto de escena en escena se realiza muy al estilo teatral, utilizando filtros muy bien llevados para cada momento; los cuales cruzan lo que sucede con lo que se piensa o se siente. Es una muy acertada visión de este popular cuento, que no dejará indiferente al público.

A medida que avanza la historia, parece ingeniárselas para ofrecernos una nueva entrada con la creatividad y la originalidad que caracterizan tanto al director como al escritor. No puedes predecir cómo será el movimiento con el que pasará al siguiente acto, y eso es de agradecer; porque mantiene la atención centrada, y solo quieres seguir viendo que viene después.

*Conclusión

La Increíble Historia de David Copperfield es un auténtico regalo para los fanáticos de la literatura. Una estupenda versión satirizada del clásico y conocido cuento de Charles Dickens, narrado de forma ejemplar. Su originalidad es innegable y su puesta en escena indiscutible; una maravilla que respeta la novela, y aún así crea una atmósfera única y bien marcada.

El increíble elenco de actores y actrices que participan en ella, realizan una más que notable interpretación de sus carismáticos y excéntricos personajes. Se empapa del ambiente dickensiano que caracterizan este tipo de relatos, y lo plasma de una forma mágica y muy acertada. Una sorprendente y muy entretenida película que no dejará indiferente al público.

Escrito por Javi Sardi

*Acción y colonialismo

No te lo voy a negar. Desde hace largo tiempo tenía apuntada en el calendario la fecha de lanzamiento de La mujer rey, y ya me alboreaban expectativas de grandes dosis de acción y sangre, y de fondo un duro discurso feminista y anticolonialista durísimo dentro de un género de drama histórico muy marcado. Y qué os voy a contar, mis previsiones se han cumplido.

Respecto al primer punto, la directora afroamericana Gina Prince-Bythewood y las escritoras Dana Stevens (guionista) y Maria Bello (actriz) nos ha traído una cinta épica en todos sus sentidos, que básicamente se trata de una hazaña. Para evitar males mayores, debo recalcar la imperante necesidad de valorar este producto conforme a su contexto histórico de principios del XIX donde los europeos llegaban a costas africanas a comerciar con esclavos nativos (detalle importante). Además, también hemos de contemplar la riqueza que se desprende de la infinidad de matices que emanan del propio enfrentamiento entre estados africanos, a modo de guerra civil, que sustenta la trama central del relato.

*Lo bueno y mejor

Tengo que decirlo, bravo por Viola Davis (BAFTA, Globo de Oro y Oscar por su papel secundario en Fences, 2016). En lo que respecta a su trabajo en La mujer rey (The Woman King), nos regala una brillante encarnación de Nanisca, la protagonista, con un conflicto manifestado en el exterior y a fuero interno. Ella es de lejos el mayor éxito de la película, la mejor noticia dentro de una obra que no destaca precisamente por su creatividad o falta de previsibilidad. Eso sí, rodeada de un sensacional reparto con buenas actuaciones de Thuso Mbedu, Lashana Lynch o John Boyega (nuestro amistoso y prescindible Finn en la triste última trilogía de Star Wars).

Gracias a la fabulosa construcción y caracterización del personaje, y la bordada interpretación de Viola Davis (notorio porte en pantalla), nos topamos con la figura más compleja de todas, la mayor victoria de la directora, la que le sirve como catalizador de todo lo que desea transmitir. Su desarrollo es magnífico. Primero como guerrera Amazona de Dahomey en su lucha libertaria frente al colonialismo europeo y sus enemigos africanos. Segundo a través de una autoimpuesta y rígida perspectiva feminista. Y tercero en la evolución de su plenitud como persona y mujer, más allá de ideologías, enfrentado a sus fantasmas y demonios y viendo resurgir su integralidad más completa. En este sentido ninguna pega.

Otro aspecto que me ha funcionado en términos generales es el visual (se ha notado la inversión en este sentido), con la acertada recreación de los escenarios y elección de espacios naturales para un diseño de producción bastante bueno, en consonancia claro está con un diseño de vestuario convincente. Y el nivel también se ve elevado, como elemento protagonista dentro de la narrativa, en las escenas de acción y batalla. Las coreografías son sensacionales, salvo por algún momento menos trabajado y surrealista, y los combates cuerpo a cuerpo son convincentes.

*Lo malo y peor

Repasando más apartados técnicos, he de decir que la música de La mujer rey es a grandes rasgos bastante acertada, pero en determinadas situaciones me ha sacado de la dramática de la directora. Me he encontrado frente a batallas y muertes donde ciertas sintonías me empujaban fuera del discurso, sobre todo teniendo en cuenta que hablamos de una película pretenciosa en solemnidad, honor y dignidad del guerrero (en este caso mujer) en el combate.

Asimismo, creo que la dirección es algo pobre en según qué secuencias. Hay planos escogidos que no se mostraban adecuados para potenciar la raíz dramática de la historia, y he visto fallos de continuidad narrativa que se veía afectada por la introducción de información algo invertida. Asimismo creo que el montaje dejaba mucho que desear.

*Otro discurso feminista fallido

Después podemos abrir otro melón más controvertido como es el del feminismo, que hoy en día está en prácticamente todas las producciones cinematográficas. Nos movemos en un terreno de gran sesgo en el que las amazonas no tienen rival. No existe un solo hombre capaz de hacerles frente, llegando al punto de esquivar balas como Neo (Matrix) o hacer parkour, que lo he visto.

Dejando de lado el humor, creo que La mujer rey tiene un gran problema de equilibrio en la narrativa. La directora dedica demasiado tiempo y esfuerzo, explícito e implícito, a desarrollar el conflicto entre estados africanos, para luego resolverlo sin pena ni gloria. El desenlace carece de fuerza dramática y el relato se ve mermado considerablemente.

*Una premisa malgastada

El gran problema de la película es la película en sí misma. Es decir, hay un discurso de fondo muy potente sobre feminismo, patriarcado y sometimiento al varón, que se mezcla de perfil con el del colonialismo, que no es que asuma el papel protagonista de la narrativa, sino que esta queda sumergida bajo una alocución poco sutil y creativa. Lo ideal, con el potencial que tenía la premisa, habría sido apostar por el buen cine y que lo otro quedara retratado por los actos implícitos a los personajes. Hay mil formas y ejemplos ya de hacer un buen producto en el que se traten estos temas más conflictivos de manera más rica y consistente.

Está demasiado forzado, tanto en acciones como en diálogos, y al final se ven las costuras de una reflexión demasiado agresiva. En La mujer rey no se salva nadie salvo las guerreras africanas de Dahomey, que no toman varón ni procrean, empoderadas y sin necesitar a nadie. Incluso el rey al final termina bastante parodiado.

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Escrito por Gabriel Sales Triguero

*Con amor, Simon

Antes de hablar de Love, Victor debemos ponerla en contexto, ya que esta serie es el derivado de la película Con amor, Simon; película que a su vez adaptaba un libro: Simon vs. the Homo Sapiens Agenda.

¿Qué nos venía a contar dicha película? La historia de un joven (el Simon del título, quien aquí juega un papel fundamental de cuasi mentor) que no sabía cómo lidiar con sus sentimientos amorosos. O, mejor dicho, que no sabía cómo salir del armario (sí, yo también le tengo cierta manía a esa expresión).

La misma estaba dirigida por Greg Berlanti, ‘showrunner’ de populares teleseries superheróicas como Arrow, Supergirl o The Flash, y se convirtió en un pequeño éxito que acertaba al acercarse al encanto de las cintas juveniles ochenteras de John Hughes pero con un giro muy especial, el que su protagonista fuese gay.

*Más de lo mismo, pero más inclusiva

Sí, Love, Victor nos viene a contar, básicamente, lo mismo que Con amor, Simon.

Pero, en una nueva muestra de lo inclusivos que se han vuelto buena parte de los nuevos proyectos de Hollywood, no solo contamos con un protagonista gay, sino también con toda una familia protagonista latina.

Además, ofrece más obstáculos (que dicha familia, sin ir más lejos, sea religiosa y conservadora); obstáculos que Víctor ha de sortear para poder reafirmar su identidad.

*Bonita, pero un tanto superflua

Pero sí, el tono sigue siendo esencialmente ligero; tan ligero que los primeros minutos casi me hicieron temer que el resultado final pudiese asemejarse (¡glups!) al de cualquiera de esas terribles series del Disney Channel en la que sus jovencísimos intérpretes parecen ir hasta arriba de azúcar.

Afortunadamente no es así y, aunque Love, Victor peque de blanda y condescendiente (aprendamos a ver algo positivo en ello; no todas las obras de temática homosexual van a ser dramones con el SIDA como telón de fondo), o que su casting parezca haber sido seleccionado por sus perfiles más que por sus cualidades interpretativas (ninguno está terrible, ojo; Cimino, aunque un tanto sosainas, se destapa como un protagonista de lo más aceptable), se ve con agrado; con agrado naíf (no dicho como algo exclusivamente peyorativo).

*Love, Victor

Además, y lo más importante, la temporada va de menos a más.

Así, aunque sus primeros capítulos están dibujados de manera aséptica, Love, Victor parece ir encontrando su sitio poco a poco.

¿Y los personajes? ¿Están bien dibujados? ¿Cuentan con su pertinente escala de grises? Yo diría que sí, pero con matices, remarcando de paso que, a pesar de que estos cuentan con sus pertinentes claroscuros (no son seres de luz de los que jamás meten la pata), están presentados de tal forma que resulta prácticamente imposible que puedan caer mal (o provocar algún tipo de animadversión, por mucho que sus actos no siempre sean plausibles, precisamente).

De entre todos ellos destaco a Felix (Anthony Turpel), quien se presenta como el mejor amigo de nuestro protagonista y que representa, a la perfección, a esos secundarios un tanto “perdedores” y/o “frikis”, y que terminan ganándose al público, que poblaban las cintas adolescentes, atención al capítulo que mini-homenajea a la mitiquísima El club de los cinco (The Breakfast Club), del ya mencionado Hughes.

*Conclusión

Con amor, Simon llamaba nuestra atención por su tono amable y tierno; Love, Victor trata de recoger el testigo con desigual fortuna.

Por un lado sigue manteniendo cierto candor que la hace encantadora; por otro, dicho candor a veces peca de tontorrón (los problemas, que haberlos haylos, son tratados de manera muy superficial; además, al drama le falta intensidad y a la comedia le falta… comicidad). A pesar de todo, Love, Victor se destapa como un producto (y sí, yo remarcaría lo de producto) de lo más agradable, que conste.

Lo mejor: Su dulce encanto (aunque alejado del que lucía la película). También, y sobre todo, que mejore ligeramente con cada capítulo.

Lo peor: Su falta de profundidad. Entiendo que se decante por el camino de la ligereza, pero ello no quita para que pase de puntillas por ciertas problemáticas o que parezca impermeable a estas.

Escrito por Javier Mazo

*Trama y personajes en Mortal Kombat

La trama es sencilla: Un grupo de luchadores debe impedir la conquista de la Tierra por parte de los guerreros del Mundo Exterior. Entre los personajes que se nos presentan encontramos a algunos que conoceremos del videojuego: Sub-zero, Sonya, Kano, Liu Kang y otros tantos que no quisiera desvelar por no estropear el factor sorpresa.

A pesar de que algunos de estos personajes nos ofrecen momentos de humor que funcionan bastante bien, la verdad es que no se profundiza demasiado en ninguno de ellos, y como espectadores no llegamos a desarrollar ningún tipo de empatía. Por otro lado, también deseé ver a más muchos luchadores, los cuales ya teníamos presentes en el videojuego. No obstante, acepté esta carencia casi al instante, al comprender lo difícil que es adaptar una obra con tantísimos personajes. No olvidemos, además, que esta cinta pretende ser la primera parte de lo que podría ser una de las sagas de lucha más míticas de los próximos años, y quizá en estas otras se incluyan a todos aquellos personajes a los que echamos en falta en el film.

El guion, tal y como imaginarás, no es El Padrino. Pero es que tampoco pretende serlo. Estamos aquí para disfrutar de los momentos de acción y sangre por encima de todas las cosas, y en ese sentido Mortal Kombat cumple, ¡y ya lo creo que cumple!

*Las escenas de lucha son su punto fuerte

Hay momentos en los que Mortal Kombat puede pecar de tener un ritmo algo lento. No obstante, una vez que la historia ya está encaminada y llegan los combates todo lo que viene luego es un auténtico deleite visual. Las escenas de lucha no solo ofrecen coreografías geniales, sino que los personajes llevan a cabo movimientos míticos del videojuego, incluyendo los famosísimos fatalities, tan característicos de esta saga.

*Necesitábamos una película así

No es una película perfecta, eso desde luego. Sin embargo tampoco pretende serla. En este film nos ofrecen momentos para reír, muchos guiños a la obra en la que se basa y sobre todo una buena dosis de golpes y gore que harán que te lo pases en grande. Si te gusta ese cine palomitero que te invita a desconectar y disfrutar durante un par de horas, Mortal Kombat es la cinta del momento.

Escrito por Laionel Marrero