La tierra de los hijos es una película dura, ardua, espeluznante por momentos, y a la vez, absolutamente fascinante y emotiva.

El realizador italiano Claudio Cupellini escribe y dirige este relato adaptando la novela gráfica homónima de Gipi (Gian Alfonso Pacinotti), publicada hace tan solo tres años. En ella, contemplamos un mundo destruido por causas desconocidas, en el que a duras penas sobreviven unos pocos adultos envejecidos, desesperanzados y embrutecidos. El hijo adolescente del protagonista, que no ha conocido otra realidad, aprende de ellos del peor modo posible y parece más agresivo aún que sus mayores.

Esta historia de supervivencia parece mostrar lo más oscuro del ser humano. La soledad forzosa y la humedad constante de sus tierras anegadas parecen colarse en el ánimo del espectador, que se pregunta sobrecogido qué haría en unas circunstancias similares. Cupellini rueda con pulso y, apoyándose en la lentitud del relato, va introduciendo al público, con abrumadora verosimilitud, en ese ambiente de peligro constante, desconfianza congénita y futuro tan oscuro como su cielo siempre nublado.

La dirección artística es contenida y eficaz, con un atrezzo capaz por sí solo de ejemplificar la situación que se vive. Disemina por la tierra embarrada, que ralentiza cualquier acción, objetos de un pasado consumista ya descontextualizados, inservibles para unos individuos que solo necesitan algo que llevarse a la boca y un lugar que les proteja de los ataques, aunque suponga aumentar su aislamiento.

Y en medio de todo ello, conforme avanzan las aventuras del hijo del protagonista, la verdadera naturaleza humana, incapaz de acallar la necesidad de amor y donación, va abriéndose camino y mostrando su verdadera cara sin utilizar para ello más recursos visuales que las propias decisiones de los principales personajes. Este relato, atroz sin duda, se convierte entonces en un convincente ensayo acerca de las relaciones paterno-filiales y del amor y la preocupación por los demás como el único camino hacia la esperanza.

Bofetadas y zarpazos transmutadas en caricias es lo que recibe el espectador de este film que sale, por ello, curiosamente satisfecho de la proyección.

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Con un público objetivo muy marcado desde el comienzo del film, Medjugorje, la película arranca exponiendo los inicios del largo recorrido espiritual de un pequeño pueblo en Bosnia y Herzegovina. En la década de los 80, seis jóvenes afirman haber visto a la Virgen María en lo alto de un monte. Esta aparición, sorprendente y temerosa para los adolescentes, termina cambiando sus vidas por completo. Estos chicos –ahora adultos– explican de primera mano su experiencia, algo que, sin duda, aporta una perspectiva única.

Su estructura está dividida en dos partes. Primero se opta por definir y dejar claro qué es Medjugorje y qué tipo de acontecimientos han sucedido hasta la actualidad. La segunda mitad se centra en las revelaciones de aquellos que han visitado el pequeño municipio, individuos de distintas creencias y educación.

Un factor que provoca la pérdida de fuerza de la película es su excesiva repetición. Una vez se han mostrado los orígenes de la aldea, intervienen bastantes entrevistados que narran relatos parecidos –cada uno de un modo distinto– con igual conclusión.

El reportaje deja un mensaje claro: Medjugorje es un lugar especial que logra transformar a la mayoría de sus visitantes/peregrinos. Con esta idea como base, es fácil captar la atención de una audiencia ya creyente, con las mismas convicciones, pero es un hecho que puede abrumar a esos espectadores que tan solo buscan aprender sobre el sitio y su historia.

En definitiva, a pesar de que se excede en reiteraciones e insiste demasiado en la magia de la localidad, esta nueva propuesta de Jesús García Colomer y Borja Martínez-Echevarría rebosa emotividad, esperanza y testimonios que pueden servir de gran ayuda a esos creyentes –y no creyentes– que necesiten orientación religiosa.

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Ardara es una propuesta interesante en cuanto a maneras de hacer cine. A partir de una premisa común –la desaparición de tres jóvenes– la cinta intenta desvelar lo sucedido de un modo más original.

Los directores proponen una reconstrucción de los hechos entrevistando a los habitantes del pueblo de Ardara que los vieron pasar en sus últimos días. De esta manera, se profundiza en los personajes a través de los ojos de otros, aunque también por medio de los vídeos que grabaron durante su viaje a Irlanda.

Sin embargo, esta técnica es la que provoca que la primera parte sea lenta y confusa, ya que aparecen personas cercanas a los protagonistas en escenas que intentan darlos a conocer, pero que acaban sin recogerse ni influir en la conclusión.

Quizá, lo que parece que promete el film (y nunca llega) sea su mayor lacra, a pesar de que, en la segunda hora, queda disimulado por la maravilla visual que se ofrece a través de la cámara de Macià, uno de los chicos que desapareció. A parte de eso, merece la pena también una de las reflexiones finales acerca de por qué contamos historias y la diferencia entre un relato y la verdad.

Poco más puede destacarse de esta producción, además de la novedad que aporta en su método para narrar crónicas.

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Nina Hoss, que ganó la Concha de Plata a mejor actriz en San Sebastián, da vida a Anna Bronsky una violinista con problemas de autoestima. La música acepta el encargo de preparar a Alexander, un alumno con mucho talento y poca seguridad en sí mismo para el ingreso en el conservatorio.

La película de Ina Weisse profundiza en el carácter inseguro de la protagonista que no puede evitar ser infeliz como esposa, madre y profesora. Este temperamento le lleva a chocar con su hijo, Jonás que ve con envidia al nuevo pupilo. Los engranajes sentimentales funcionan al principio, pues producen situaciones emocionalmente difíciles que el espectador enseguida identifica como verdaderas.

Sin embargo, a medida que avanza la cinta, el conflicto se escala de una manera un tanto artificial y conduce a Anna y a su Jonás a una situación dramáticamente forzada. Parece como si el director haya querido realzar los aspectos más negativos de la relación entre madre e hijo y se haya olvidado de la belleza de la música con la que nos conquistó al principio.

En definitiva, La audición es un film sobre música que tiene a su favor la magnífica actuación de Nina Hoss, pero que sucumbe a un argumento pesimista en exceso.

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Este thriller psicológico es tan cautivador como eficaz. Neil Jordan (Juego de lágrimas) articula el guion de tal manera que, aunque se prevean sus intenciones, el púbico termina inmerso en la trama. Gran parte del éxito se debe a la solvencia de Isabelle Huppert en interpretar a una fría e irónica viuda. Y otra parte del éxito es que las acciones suceden antes de lo esperado.

Lo que echamos en falta es más fuerza en la interpretación de Moretz, un poco más de profundidad en las historias pasadas de ambas protagonistas y matizar el aura sensual que las envuelve. Sin embargo, la película es todo lo que te puedes esperar de un suspense con tintes gores.

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