Desde que estuvo en la llamada, Guerra de Resistencia contra América o Guerra de Vietnam, Oliver Stone tomó conciencia de la hipocresía y de la gran farsa que se vivía en los Estados Unidos de Norteamérica, y desde entonces, se propuso estudiar y conocer de primera mano la historia de su país, y a partir de “Platoon” -magnífico alegato contra aquella cruel y ominosa guerra-lo suyo ha sido correr los velos que han impedido ver la escueta realidad del imperio estadounidense. Documentación e integridad le sobran, y los gravísimos daños que el capitalismo salvaje le ha causado a un pueblo en el que los principios éticos han sido dados de baja a niveles gravosos, Stone está dispuesto a recrearlos, porque la descomposición social es la más grave epidemia que puede estar arruinando el tan cacareado American Dream… y lo que allí sucede, desgraciadamente se propaga al resto de pueblos de las tres américas.

De manera magistral, y tomando como base la historia de una pareja de jóvenes desadaptados, que terminará asesinando a medio centenar de personas, con <<ASESINOS NATOS>>, Stone se propuso recrear la total falta de sensibilidad que ya ha alcanzado a los llamados agentes del orden, a los comunicadores y a las instituciones en general… y, por supuesto, mostrará desgarradoras escenas que darán cuenta de la forma cómo se van gestando los peores asesinos en serie de nuestra más penosa historia.

Para nos dejarnos con el alma en el piso, Stone logra una eficaz manera de transmitirnos toda la miseria que se propuso recrear, y sirviéndose de aparentes “espacios televisivos”, inyecta un poco de humor negro para que, de paso, veamos cómo la sociedad ha aprendido a ver como una pesada broma lo que, en realidad, ¡es gravísimo!, mientras que, lo que se hace es poco o nada para que las cosas realmente cambien… a manera de prueba, ese insólito (¡no tan insólito!) final con el que se resuelve esta terrible pero, verosímil aventura.

Partiendo de una historia escrita por Quentin Tarantino, llevada a guion por David Veloz, Richard Rutowski y el propio Stone, <<ASESINOS NATOS>>, goza de una genial composición de imágenes en las que, las pesadillas y reacciones que producen los amargos recuerdos, sumadas a los efectos que en la psique producen los alucinógenos, más las terroríficas visiones que se causan por las distorsiones (y posesiones) mentales, quedan perfectamente plasmadas y lo más preocupante es que, ¡nada de esto es ficción!, así funciona el lado oscuro de la realidad.

Woody Harrelson y Juliette Lewis, muy bien secundados por Robert Downey Jr. y Tommy Lee Jones, logran dar verosimilitud a esta película en la que, cada personaje, es fiel reflejo de seres que, quizás, no hayamos conocido, pero, que existen penosa y dolorosamente. También, esas masas que se excitan con la vida de los asesinos en serie, que terminan hasta rindiendo culto a los peores criminales, son un triste reflejo del odio y la inconformidad acumulada, la cual se expresa en favor de todo aquel que, a su manera, haya liberado su resentimiento contra el sistema.

La fotografía de Robert Richardson es de una recursividad impresionante; el uso de los colores y los efectos especiales son altamente significativos… y las canciones fueron eficazmente seleccionadas, sobresaliendo los acariciadores temas de, Leonard Cohen (“Waiting for the Miracle”, “Anthem” y “The Future”), los cuales imponen un poco de calma donde los ánimos están harto sobresaltados.

Siento que, en definitiva, Oliver Stone se ha abonado otra obra maestra.

Título para Latinoamérica: <<ASESINOS POR NATURALEZA>>

Mientras estudiaba medicina en la Universidad de Edimburgo, Arthur Conan Doyle conoció al profesor, Joseph Bell (1837-1911), uno de los médicos precursores de la medicina forense, y su método analítico lo impresionó de tal manera que, fue él, su inspiración para crear al detective Sherlock Holmes. Bell, había estudiado aspectos como el caminado, la forma de las manos, los acentos y la manera de vestirse, con lo cual era capaz de determinar muchos rasgos de personalidad. Como es de suponer, la policía no tardaría en servirse de sus conocimientos para adelantar ciertas investigaciones.

Mientras ejercía como oftalmólogo con muy pobres resultados, el mucho tiempo que le quedaba en su consultorio, Doyle lo dedicó a escribir sobre su personaje, Sherlock Holmes, y su asistente, el Dr. Watson… y fue así como surgieron las novelas, “A Study in Scarlet” (1887), “The Sign of Four” (1890), “The Adventures of Sherlock Holmes” (1892), “The Memoires of Sherlock Holmes” (1893), hasta llegar a, “The Hound of the Baskervilles” (1902) a la que seguirían cuatro historias más… y muchas otras obras sobre diversos temas, pero, de las que casi nadie habla porque, comúnmente, su nombre se asocia al del detective, Sherlock Holmes.

“El Perro de los Baskerville”, fue primero llevada al cine en el año 1914, en una versión alemana que dirigiera Rudolf Meinert, originalmente titulada, “Der Hund von Baskerville”; y en los años 20’ vendrían otras adaptaciones que no lograron alcanzar el éxito. También en Alemania, Karel Lamac haría una nueva versión con el mismo título, en 1937… y entonces Hollywood, se animó a hacer su propia versión. El guion fue escrito por Ernest Pascal, y la dirección se le entregó a Sidney Lanfield, director que ya tenía un gran número de títulos en su haber. Basil Rathbone -actor a quien muchos recordaban por sus apariciones en los filmes de Michael Curtiz, “Captain Blood” y “The Adventures of Robin Hood”-, fue el elegido para representar a Sherlock Holmes y, Nigel Bruce, por su vis cómica, fue el encargado de dar vida al Dr. Watson, el brazo derecho del hábil investigador.

<<EL PERRO DE LOS BASKERVILLE>>, transcurre en un castillo ubicado en los pantanos de Dartmoor, conocidos como “la zona más tenebrosa de toda Inglaterra”. Deseoso de recibir la herencia que le legara su tío Charles, hasta allí viaja el nuevo heredero, Henry Baskerville, un hombre práctico y escéptico que se niega a creer en las oscuras historias que se cuentan sobre aquel lugar. Dudando de que la muerte de Charles Baskerville, ocurriera por un simple paro cardíaco -como afirmara el médico forense-, con él llega el Dr. Watson… y pronto se sumará el astuto detective Holmes, para desvelar el misterio del mastín asesino.

(Aquí haré alusión a escenas claves) No obstante la evidente austeridad con que fue realizada la película, Lanfield, logra ambientarla de manera muy satisfactoria y la composición de planos resulta realmente efectiva. Las fallas, a mi modo de ver, radican en la excesiva importancia que se le concede al “tenebroso pantano”, pues, además de que nunca lo vemos, jamás sucede nada allí que corrobore tales afirmaciones. Por otra parte, hay vacíos argumentales, como cuando Holmes centra sus sospechas en el empleado Barryman (nombre que, en el libro es Barrymore, pero se cambió por respeto a la familia de actores que estaba en pleno auge por esos años), y luego nada sucede con él; y también creo que, con tan pocos personajes + ciertas pistas que podemos advertir, no resulta difícil adivinar quién es el que está jugando sucio. Ni siquiera el título es atinado porque ¿Es el perro de los Baskerville?

También resulta curioso que, no obstante los frecuentes aullidos del perro, los desechen como sonidos del viento y nadie decida indagar sobre su posible existencia hasta cuando las circunstancias obligan. Con todo, las actuaciones resultan realmente simpáticas (Lionel Atwill, Barlowe Borland, Wendy Barrie… y Richard Greene, cumplen sin reparo alguno); la edición se hizo con el máximo rigor, más a riesgo de que faltasen planos a que pudiera incluirse algún punto muerto… y la película pasa como una saeta, tras haber disfrutado con las lógicas deducciones que se les ocurren al recursivo par de detectives.

Título para Latinoamérica: <<EL MASTÍN DE LOS BASKERVILLE>>

No hay, quizás, en la vida delitos más abominables que aquellos que se cometen aprovechándose de la indefensión e ingenuidad de las personas, y mucho más cuando se trata de niñas (niños) o adolescentes. Ante la enorme escalada que viene teniendo la explotación sexual de menores alrededor del mundo, estamos en mora de que esto merezca la más profunda atención por parte de los gobiernos, y creo que importa, ¡muchísimo más!, la prevención que la represión, porque así como hay que evitar una nueva víctima, también hay que evitar un nuevo victimario, pues, ya se ha demostrado que, en muchos casos, también éste puede ver arruinada su vida para siempre.

Basada en un hecho real ocurrido en Estocolmo, “LILJA 4-EVER”, es una interesante y necesaria denuncia del maltrato a los menores, primero entre las familias… y luego en un entorno donde, la descomposición social y la indiferencia (e incompetencia) de las autoridades es un mal que nadie resuelve. Con su dolorosa historia, el director sueco Lukas Moodysson, logra conmovernos y llenarnos de rabia y desazón, pues, como tantas veces ocurre en la realidad, no vamos a ver ¡ni a un solo adulto que signifique una luz o un punto de apoyo para los muchachos! Esta posición seguramente es extrema, pero, se multiplican tantos los casos de abuso que se llega a pensar que nadie está haciendo nada... y de paso, el director también aprovecha para dar rienda suelta a su escepticismo, haciendo un uso inadecuado (no ridiculizador) de la espiritualidad, mostrándola como una pretensión vana, cuyos resultados últimos, “podrían animarnos a reír”.

Oksana Akinshina (Lilja), consigue conmovernos desde el mismo momento en que la vemos correr y subirse a aquel puente, y luego cuando clama por la permanencia de su madre… y aunque, desde entonces, pareciera que vamos a estar ante un melodrama de sacar pañuelo, el filme en realidad se maneja en forma contenida, logrando dejar bien presentado el problema central, pero, infortunadamente, son sus desniveles ideológicos los que le restan unos cuantos puntos.

Moodysson -quien también ha hecho las veces de guionista-, deja al desnudo la amoralidad y el abuso que cunde por “toda Suecia”, con lo que nos deja la pesarosa sensación de que solo ve mierda y miseria humana por donde se mueve. En tal sentido, <<LILJA FOREVER>>, es un cuento pesimista que, al reflejar una sesgada realidad, sirve al desencanto y pareciera pretender el destierro de la esperanza, la cual, contra todo, brilla día a día, y sin duda alguna, sabrá preservarnos como humanidad.

En un momento clave, Moodysson hace una esclarecedora escena con la que da cuenta de cómo, unas cuantas decisiones mal tomadas son las que pueden llevar nuestra vida a la desgracia. El director pareciera, entonces, en actitud de retractarse, y a riesgo de contradecirse en este punto, ya no culpa a nadie sino que da fe de que cada uno traza su propio destino.

Contra todo, creo que estamos ante un filme necesario, pero, sólo recomendable para personas emocionalmente equilibradas.

Una leyenda que hablaba de un famoso erudito insatisfecho con su vida, quien decide pactar con el diablo la entrega de su alma a cambio de un gran conocimiento y de poder disfrutar de los placeres del amor y el sexo, se hizo muy popular en la Alemania del siglo XVI, y de ella surgieron obras de teatro cómicas en las que, Fausto y Mefistófeles, el tentado y el tentador, no eran más que figuras divertidas. También se ha hablado de la obra, “Geschichte von D. Johann Fausten” (1587) que se atribuye al librero alemán, Johann Spies, y seguidamente, el inglés Christopher Marlowe, la convirtió en una obra ya clásica que se tituló, “The Tragical History of Doctor Faustus” (1616). Dos siglos después, el alemán, Johann Wolfgang von Goethe, hace su propia reelaboración de la historia publicándola en dos partes (“Faust” 1808 y 1832), y el personaje pasa a ser el brillante profesor que aspira a mejorar la condiciones de vida en este desigual mundo.

Se ha dicho que la leyenda está basada en, Johann Georg Faust (1480? -1540), un erudito teólogo que falleciera mientras hacía un experimento en un laboratorio de química y quien invocaba al diablo con el propósito de someterlo a sus órdenes.

La historia de Fausto, ya había sido llevada magistralmente al cine por el director, Friedrich W. Murnau (“Faust”, 1926) y, en 1947, también cobra importancia la novela, “Doktor Faustus” que publicara, Thomas Mann, donde el personaje se convierte en un músico.

La versión que con el título, <<LA BELLEZA DEL DIABLO>>, realizara el director René Clair -con un guion escrito por él mismo y Armand Salacrou-, no deja de resultar bien llamativa y conserva la vis cómica que caracterizara al director en gran parte de su filmografía. Aquí, Henri Faust, es un profesor que se pensiona tras pasar 50 años en la cátedra universitaria, y al sentir la inutilidad de su vida, se deja tentar por un atractivo Mephistopheles, para recuperar su juventud. Tras asumir, él, la figura que tenía el servidor del diablo y convertirse, Mephisto, en el anciano profesor, una serie de aventuras tendrán lugar, mientras el joven se resiste a pactar definitivamente la entrega de su alma.

La historia resulta muy entretenida, involucra una cierta crítica social centrada, sobre todo, en el culto que se le rinde al dinero; y nos muestra a un diablo benévolo que tienta, pero, que da al tentado ocasiones de redimirse.

Editado con gran eficacia en las sobreimpresiones y en los efectos visuales, el filme se mueve de manera muy dinámica en el manejo del espacio-tiempo; pero, sin duda, su mayor peso lo asienta en las muy buenas interpretaciones de, Michel Simon y Gérard Philipe, el viejo y el joven que intercambiarán amistad, afectos y desafectos, y toda suerte de impresiones acerca de cómo llevar una larga vida.

Una frase de Mephistopheles, cobra especial significado: “El verdadero infierno se encuentra en la tierra: es la pobreza, la soledad y la eterna maldad del hombre”.

Cuando se ha tenido una buena fama y cuando alguna vez se creyó haber sido importante para mucha gente en los terrenos del arte, perder estas cosas no es algo que todos asimilen de la misma manera. Hay quienes, con total cordura, aceptan que la fama no dura para siempre y, al reconocer lo realizado y volver a ver los viejos recuerdos, se sienten complacidos de haber tenido una vida útil. También hay otros que siguen luchando hasta la muerte y su talento es tan grande que se dan el gusto de morir en un escenario o al poco tiempo de dejarlo… pero, hay algunos, que la pérdida de la fama la reciben acompañada de dificultades económicas y de un gran vacío afectivo, y estos son -sobre todo cuando fueron artistas valiosos- los que peor la pasan… ¡y los que nos duelen en el alma!

Sobre casos de este último tipo, es la historia que nos ofrece el director, Julien Duvivier, en su película <<EL FIN DEL DÍA>>, habiendo sido, él mismo, en compañía de, Charles Spaak, el que escribiera el apreciable guion. El cuento comienza cuando, el actor de teatro, Raphäel Saint Clair, al sentir que está teniendo malas críticas y que su tiempo de galán ya ha pasado -lo que lo obliga a aparecer en salas populares-, decide abandonar las tablas y se marcha a la Abadía St. Jean La Rivière, un retiro para actores donde va a encontrarse con viejos amigos, antiguas enamoradas… y un rival, Marny, quien nunca le perdona un triste hecho del pasado.

No obstante ser una trama que, fácilmente podría desbordarse en el melodrama, el director sabe llevarla con suma altura y con marcado equilibrio, e incluso se da el gusto de incluir situaciones de comedia con más frecuencia de lo que uno esperaría… pero el drama está ahí, latente, y se irá incrementando a medida que ahondamos en la vida de los personajes.

Y la tensión se duplica, no son solo por los trastornos mentales, la nostalgia y/o la frustración que sufren algunos de los viejos actores que habitan en aquella casa de retiro, sino también porque, el director de dicho espacio presiente que, los altos costos y las finanzas en caída, pronto obligarán a cerrar los servicios de la abadía.

Para dar una gran solvencia a esta emotiva trama, Duvivier, ha logrado reunir a un grupo de grandes y muy veteranos actores que seguirán demostrando que, su éxito y su permanencia, no es cosa de corta temporada, porque su profesionalismo sigue intacto y es a toda prueba. Hay que ver a, Michel Simon (Cabrissade), Louis Jouvet (Saint Clair) y a Victor Francen (Marny), para tener a tres actores que, todo el que ame el buen cine del pasado, seguramente recuerda por sus calificados roles en, “La Chienne”, “Hôtel du Nord”, “L’Aiglon”, y otras importantes interpretaciones.

<<EL FIN DEL DÍA>>, fue nominado como, Mejor Filme Extranjero en el Festival de Venecia y, Julien Duvivier, abonaba a su filmografía otro título que sobresale por su calidad humana, a la vez que sirve de alegato para que, la vida de los que aportan al arte en todas sus manifestaciones, interese algún día -como se merecen- a los gobernantes y al pueblo, porque, sin los artistas la vida perdería brillo y se volvería insulsa; la cultura se empobrecería y las esperanzas de cambio personal y social, perderían a un gran aliado. El arte es luz transformadora y vivificante; es exaltación de la belleza y de las grandes historias; y es uno de los más gratos destinos que puede asumir cualquier ser humano.