James P. Sullivan y su asistente, Michael Wazowski, son dos de los muchos monstruos con que cuenta la empresa, Monsters Inc., cuya sede se encuentra en la ciudad de Monstropolis. Para resolver los problemas energéticos, los monstruos de la empresa tienen acceso a todas las habitaciones del mundo donde duermen niños, y al conseguir que estos griten, atrapan su energía y con ella alimentan los generadores. Absurdamente, a los monstruos se les ha sembrado el paradigma de que los niños son tóxicos y que, el simple hecho de tocarlos o entrar en contacto con una prenda que les pertenezca, puede ser mortal para ellos… así que, cuando una niña consigue ingresar en la empresa, el campeón de los monstruos, Sulley, será quien tenga que lidiar con la situación en complicidad con su amigo Mike, pues, la niña (Boo) se ganará su afecto rápidamente demostrándoles que no es tóxica, y su propósito será, desde entonces, devolverla a su hogar e impedir que los miembros de la, Child Detection Agency (CDA) la descubran… o que su rival, el temible lagarto Randall, la use para sus intereses.

El mismo equipo que hiciera la celebrada, “Toy Story”, tiene aquí otro enorme acierto con una historia que de nuevo se propone exaltar el gran valor de los niños, procurando que los “ogros” que abundan a su alrededor al fin comprendan que, dar afecto limpio y puro a los pequeños, es la más efectiva manera de asegurar la propia felicidad y la prosperidad del ser humano como especie. La metáfora en que se asienta el guion escrito por, Andrew Stanton y Daniel Gerson, basados en una historia de, Jill Culton, Pete Docter y otros, contrasta la efectividad a la que conduce producir un grito o alentar una risa… y, con situaciones muy bien plantadas, de pronto veremos cómo un mundo gris e intimidante, quizás pueda transformarse en un lugar benéfico para todos… bueno, para casi todos.

Pete Docter, director creativo de Pixar Animation Studios, se ha unido esta vez a otros realizadores del Estudio (Lee Unkrich y David Silverman), para dar cuerpo y alma ¡mucha alma!, a esta historia que se disfruta a plenitud y con sumo regocijo por su alto virtuosismo en la creación de espacios y personajes, y sobre todo porque nos ofrece una historia realmente auténtica y ejemplar que, irremediablemente, nos invita a reflexionar.

<<MONSTRUOS, S.A.>>, tiene equilibradas dosis de comedia, drama, aventura… y hasta algunas chispas de tensión, pero, los niños de ahora que “ya no se asustan con nada”, sabrán sobreponerse y pasarla de lo lindo viendo a Boo… y a Sulley… y a Mike… poniendo a todo el mundo en su justo y preciso lugar.

Atención a los autohomenajes que, Pixar, le hace a personajes y objetos de otras de sus películas; Los mayores, atentos a la referencia a personalidades como, Ray Harrihausen, maestro creador de figuras fantásticas y efectos especiales en películas de aventuras de los años 50-80 del siglo pasado; y veamos, quién descubre a Jessie, la amiga de Woody y de Buzz, en “Toy Story 2” y “Toy Story 3”; y ¿Cuál es el verdadero nombre de Boo?

Termino invitando a recordar que, la risa es más poderosa que un grito, porque el grito conlleva miedo y desesperación, baja las defensas y forma individuos débiles e inseguros. La risa, en cambio, produce confianza y admiración, aumenta las defensas y genera optimismo y seguridad.

Título para Latinoamérica: <<MONSTERS INC.>>

Fue como asistente del gran director, Luchino Visconti, que el joven, Francesco Rosi tuvo su ingreso en el mundo cinematográfico. “La Terra Trema” (1948), era un filme neorrealista con el que pudo aprender esa técnica “simple” y austera, pero de hondos significados, con la que se lograba plasmar las problemáticas sociales de los difíciles tiempos de la posguerra. Tras otros filmes como asistente de dirección, volvería a trabajar para Visconti en “Bellisima” (1951) y en “Senso” (1954)… y el impulso que, con estas experiencias, venía alentando de ser también él un director, por fin se materializó en el año 1958, cuando conocedor de la problemática que afectaba a los agricultores con los miembros de la mafia (conocida como, La Camorra, en Italia), escribiera un guion en compañía de, Suso Cecchi d’Amico y Enzo Provenzale.

La historia está libremente basada en la vida de, Pasquale Simonetti y la de su mujer, Assunta Maresca, una exreina de belleza que se hizo famosa por haberse convertido en capo y vengar ella misma la muerte de su marido. Esta parte de la historia bien pudo ser una secuela de, <<EL DESAFÍO>>… pero, Rosi nunca se animó a hacerla, porque hablar de La Camorra no era cosa simple. Incluso, la película debió rodarse en Sicilia y no en Nápoles por cuestiones de seguridad.

Aunque la ambientación es casi neorrealista, Rosi, decidió trabajar con actores profesionales y optó por el veterano intérprete español, José Suárez, para que interpretara a, Vito Polara (Simonetti), un hombre ambicioso que, tras contrabandear con cigarrillos, comienza a comprender el gran negocio que representa el comercio de frutas… y pronto su impulsividad y su arrojo lo llevará al punto de conectarse con la mismísima Camorra con la que podrá seguir dando rienda suelta a sus ambiciones, pero, tendrá que vérselas con un cabecilla llamado, Ferdinando Ajiello, con quien nunca logrará empatizar. En esta arriesgada decisión, seguramente tiene que ver que se enamora de una natural y bellísima joven llamada, Assunta (Rosanna Schiaffino), con quien contrae matrimonio y se propone darle todos los lujos que -aunque ella no los ambiciona-, él cree que se merece.

Con austeridad de medios, pero, con notable eficacia, el director va plasmando la problemática que padecen los agricultores, la cual, en ocasiones, pone en peligro sus vidas si no se atienen a las exigencias de los especuladores… y los caminos que sigue la ambición desmesurada, en una sociedad donde, para muchos, dios es el dinero, también quedan debidamente plasmados. Los últimos veinte minutos -desde cuando se celebra la fiesta de la boda y uno de los clientes de Vito le reclama con urgencia su mercancía- son todo un logro narrativo, pues, se inicia un crescendo que, paso a paso, va conduciendo a un poderoso clímax.

Al margen de esto, el particular estilo de vida que se lleva en las viviendas populares, también está muy bien reflejado… y, Rosi, va contrastando estas situaciones con la ambición que, sin escrúpulo alguno y a costa de las necesidades del pueblo, siguen tramando los detentores del “poder”.

En el Festival de Venecia, <<EL DESAFÍO>>, fue galardonada con el Premio Especial del Jurado y, Francesco Rosi, recibió el premio San Giorgio por su labor. Su nombre, pronto sería internacionalmente reconocido… y surgía así, otro de esos directores que han dado al cine el merecimiento de ser el Séptimo Arte.

Mención para, Nino Vingelli (Gennaro), José Jaspe (Ajiello) y Tina Castigliano (la madre de Vito), porque complementan muy bien una historia que, tristemente, sigue teniendo vigencia.

Cuando los padres se encuentran en casa, en muchos hogares los niños son retraídos; se encierran a ver televisión para poder oír voces distintas y quizás más agradables, o a mirar el celular para ver imágenes distractoras… y, en el mejor de los casos, hacen tareas o conversan con algún amigo. ¿Por qué hacen esto? Yo creo que es porque no se sienten libres, porque abundan para ellos los: “Has esto”, “¡No hagas eso!”, “No ayudas en nada”… Y si a esto se añaden, los gritos, los insultos y los castigos, la presencia paterna no produce placer sino verdadero tormento. Pero, ¡ojalá vieran lo que sucede cuando los padres salen de casa! Los niños cobran vida, la casa luce alegre, la nevera se abre repetidas veces… y los chicos liberan toda esa energía reprimida porque nadie podrá quitarles que, para ellos, la vida es esencialmente un juego.

Sirviéndose de una encantadora metáfora para no herir susceptibilidades, una historia de John Lasseter, Pete Docter, Andrew Stanton y Joe Ranft, dio lugar a una regocijante historia que, Lasseter, dirigiría, y además de que fueron pioneros al lograr la primera película rodada con la técnica CGI (Computer Generated Imagery > Imagen Generada por Computador) que enseguida se impondría definitivamente, también lograron que, ésta primera prueba, saliera avante de manera bastante satisfactoria. <<TOY STORY>>, fue nominada para tres premios Oscar, siendo, John Lasseter, ganador del Special Achievement Award, “Por el desarrollo e inspirada aplicación de técnicas que han hecho posible el primer largometraje animado por computadora”… y habiendo costado 30 millones de dólares, la película recaudó la exorbitante suma de ¡394 millones!

La nueva técnica sorprendió a todo el mundo, y como agregado, se logra presentar a un gran grupo de personajes encantadores que, con todo lo heterogéneos que resultan, terminan ligados por esos valores que dan sentido a la existencia. Por aquí brillará la amistad, la lealtad, la solidaridad, la empatía, la astucia, la persistencia y la tenacidad… y cada espectador podrá sentir que, el permitir ser y el encontrarse con nuestra verdadera esencia, es de las mejores cosas que podemos tener en esta vida.

La historia, en principio, es muy sencilla: Entre sus numerosos juguetes, un chico llamado, Andy, tiene preferencia por Woody, una suerte de comisario del oeste norteamericano… pero su fidelidad se pone en riesgo cuando, en su nuevo cumpleaños, al chico le regalan un astronauta que es una réplica de un celebrado personaje de la televisión llamado, Buzz Lightyear. Su manera de presumir sus potenciales y de que él no es un juguete sino un Guardián Espacial (Space Ranger), aumentará la animadversión hacia él, hasta que…

Lo que sigue está lleno de elementos que favorecen la comprensión humana y bien nos daremos cuenta de lo erróneo que suele ser juzgar por las apariencias o por la primera impresión. Vale la pena tratar de escudriñar en la psicología de, Woody y Buzz, pues, por medio de ellos reconoceremos a seres humanos que son muy comunes en nuestro barrio… y en todo éste extraviado paraíso.

Situaciones muy ingeniosas y divertidas; canciones muy agradables y significativas; y una serie de apuntes que nos permitirán interpretar las actitudes humanas, elevan el nivel narrativo de esta estupenda película que siempre puede verse con bastante agrado.

¡Hasta el infinito y más allá!

Cada ser humano nace con un talento que debe descubrir, pues, de su ejercicio y consagración depende nuestro nivel de satisfacción aquí en la tierra. Por otra parte, todos y cada uno tenemos un propósito que cumplir, pues, de lograrlo, habremos merecido pasar a un nivel más avanzado de evolución. Ese propósito se define como, Unicidad, y es aquel momento en que logremos vivir en paz, respeto y solidaridad los unos con los otros, porque, entonces, el eje de este mundo será el Amor… y Dios es Amor.

La palabra inglesa, Soul, sirve para definir el Alma (aliento de vida); y también sirve para identificar una variedad de jazz en el que impera el sentimiento heredado de los ritmos africanos, el blues y el gospel, el cual tuvo su mayor impulso en los años 1950 del siglo XX. Entremezclando esos elementos: Jazz, sentimiento y espiritualidad, surge ésta nueva película escrita y dirigida por, Pete Docter (en colaboración con Kemp Powers), director que ya nos había dejado bastante satisfechos con, “Monsters Inc.”, y luego con la magnífica, “Up”.

El cuento arranca con un profesor de música que, con gran pasión, está enseñando jazz a sus pequeños alumnos… cuando, de repente, es informado por un amigo de que, la gran intérprete, Dorothea Williams, está buscando un pianista para el nuevo concierto que dará con su cuarteto. El profesor pasa la prueba, pero aún tendrá que superar un reto más grande cuando se vea espiritualmente trasladado a una hipotética estación entre la vida y la muerte, donde deberá tomar un Seminario del Yo, del que se derivarán importantes decisiones y poder comprender algunas cosas a las que no acceden, en vida, el común de los mortales.

Infortunadamente, la complejidad de este tema -que los directores no logran simplificar-, hacen que la película resulte un tanto compleja para los chicos y, temáticamente, <<SOUL>> se pone más a la altura de los Adultos que de los niños; pero, paradójicamente, la manera de presentar a los personajes que guían este campo astral (figuras abstractas con cierto toque picassiano), hace que los personajes pierdan impacto visual y todo luzca como una mera y caricaturesca especulación. Por otra parte, la lograda trama y el efectivo diseño de imágenes que se traía hasta entonces, se diluye durante mucho tiempo y siento que esto desconecta a los chicos de la trama terrenal.

Lo más afortunado de ésta realización es, en primer lugar, la utilización del compositor, Jon Batiste y otros artistas, como punto de referencia para las interpretaciones, pues, se logró que éstas luzcan perfectamente ajustadas entre imagen y sonido; y después, hay un gran acierto y profundidad en cierta parte de los diálogos -no aptos para quienes solo esperan movimiento-, pues, si logramos oírlos atentamente, parte de ellos conducen a valiosas reflexiones y permiten abstracciones de hondo significado. Docter y Powers, apuntan alto en su deseo de trascendencia… pero, tengo que decir que no lograron ubicarse plenamente en el nivel de los niños… y algunos tendrán que esperar a recordar o a tener una mayor comprensión de los diferentes niveles existenciales, para poder digerir lo que la película propone.

Una frase digna de considerar en la sociedad de hoy:
“Hay quienes se dedican a criticar y subestimar a otros, solo para tratar de encubrir sus propios sueños fallidos”.

Dicen los estudiosos de la obra de Colette (Sidonie-Gabrielle Colette), que su principal propósito era, “reivindicar los derechos de la carne sobre el espíritu” (que también los tiene, por supuesto… aunque no la supremacía, que ya es otro cantar) y también “los derechos de la mujer sobre el hombre”, que ya nadie discute si tiene, cuando menos, un ápice de materia gris. Sus novelas hablan, pues, de sexo y libertad; de renuncia a las tradiciones y de abrirse a la experimentación… y hablan del amor como una forma de dar para poder recibir.

Artista de revistas y cabarets; periodista, libretista, novelista y guionista, Colette vivió la vida a sus anchas sin tabúes ni opresiones. Fue bisexual casi toda su vida. Tuvo amantes por decenas y tres maridos que le perdonaban que se acostara con mujeres, con tal de que no lo hiciera con otros hombres… pero cuando se casó con el segundo de ellos, Henry de Jouvenel (jefe de redacción del periódico, Le Matin), éste tenía un hijo de 17 años llamado Bertrand, y la atracción entre madrastra e hijastro no pudo acallarla en una de esas vacaciones de verano que pasaban en Saint Tropez… y a sus 40 años de edad, Colette no tuvo reparos en convertirlo en su amante.

De esta candente historia, es que surgen luego sus novelas: “Chéri” (1920) y posteriormente, “Le Blé en Herbe” (1923), siendo ésta última la que deciden adaptar, Jean Aurenche, Pierre Bost y el también director, Claude Autant-Lara, en una historia que, difícilmente hoy, podría filmarse. Por supuesto, la misma discreción -donde es más lo que se sugiere que lo que se muestra-, encontrable en el libro, también se verá en esta historia de amor que, de cierta manera, nos lleva a comprender que, en el amor -y en el deseo-, si acaso existen barreras ¡nadie sabe en qué momento puede llegar a franquearlas!

Aquí, es Philippe, un chico de 16 años que, al sentirse atraído por una guapa mujer de mediana edad -que como él y su familia veranea en las playas-, decide buscarla no obstante que tiene otra relación con Vinca, una joven de 15 que se ha sumado al paseo con sus parientes. Las contrariedades de esta relación y la facilidad de expresión de que, además, goza, Madame Dallerary, hacen que el chico se sienta fascinado… y así comienza un choque de afectos donde, el amor y el deseo, buscarán definirse.

En un ambiente con cierta picardía y con una narración bastante fluida, Autant-Lara, logra mantener la esencia de la escritora Colette… pero precisamente por esto, su llamativo filme se ha mantenido en las sombras y solo, hasta ahora, conseguimos verlo.

El reparto lo encabeza la gran actriz, Edwige Feuillère (“Lucrèce Borgia”, “Sans Lendemain”, “L’Idiot”… ), quien logra un carácter bastante sugerente. La pareja de jóvenes es interpretada por, Pierre-Michel Beck y Nicole Berger, los cuales resultan muy convincentes… y en un breve rol como el proyeccionista del Cine Ocean, es grato ver al luego célebre comediante, Louis de Funès.

Título para Latinoamérica: <<EL TRIGO JOVEN>>