Con una interpretación maravillosa de Richard Gere nos llega este film de un realizador novel, Nicholas Jarecki. El escenario escogido es el de la banca y los altos magnates, algo que ya nos es muy familiar en estos tiempos del recorte que vivimos y que quizás no llegue a sorprender mucho el juego que gastan la grandes empresas, apostando ciento, miles de millones de dólares en compras de empresas y negocios. Lo que si sorprende es las tablas de interpretación que ha demostrado tener Richard Gere, a sus 63 años, este puede ser el papel que lo lleve a una nominación para los Oscar, y realmente la actuación es buena, no recuerdo haber visto nada tan poderoso en su filmografía.
Una historia vista en alguna ocasión, pero Nicholas Jarecki plasma un desarrollo eficiente en una carrera de obstáculos y con poco tiempo, en la consigue salir airoso, gracias en buena parte a los veteranos actores que ha elegido, pero también gracias al meticuloso trabajo que gestiona y en dejar un entrelazo guion digno del director por antonomasia del suspense Alfred Hitchcock.
La historia es como una continuación del vino y rosas de “Pretty Woman”, en la que el prestigioso y galante empresario disfrutaba de su poder adquisitivo comprando los servicios de un chica de la “vida loca”, pero ahora está en momentos de jodidos, en los que no puede confiar en nadie. Es entonces cuando el papel de Miller más me gusta, sale un auténtico empresario sin escrúpulos y con un cometido: todo lo que se propone lo consigue, sino ¿por qué ha llegado hasta dónde está?


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Que el cine independiente sea capaz de esto no es una sorpresa, la sorpresa es que haya llegado a España y encima a colocarla en cartel. El cine independiente, casi el último reducto de los amantes del Séptimo Arte, y con suerte no nos dejan de llegar con obras de una calidad desbordante, “Martha Marcy May Marlene” 2011, “Jeff y los Suyos” 2011 o “Compliance” 2012, son algunos de los últimos títulos que este género nos ha regalado.
La directora Lynn Shelton se ganó un pequeño hueco en el circuito de directores relevantes, al presentar en 2009 la sugestiva historia de unos amigos que se plantean rodar una película gay, “Humpday” fue su título (con suerte, llego aquí en DVD).
Ahora vuelve a mostrar esa parte que parece conocer bien, las relaciones personales. Emily Blunt (“Looper” 2012) y Rosemarie DeWitt (“La Boda de Rachel” 2008) son dos hermana que llevan tiempo sin verse y se reencuentran en la cabaña que tienen en una isla, Mark Duplass, el que vuelve a repetir con la directora, es el que cierra el círculo(triangulo). En aquella idílica cabaña en plena naturaleza, se descubrirán sentimientos y emociones tan importantes como para marcar a cada uno para siempre. Una comedia romántica que desborda frescura, tanto a nivel interpretativo, como a nivel de realización y como no, a nivel de guion. Una manera natural y sin tapujos de mostrar la realidad de lo que sentimos, somos y pensamos. Un relato contado con de forma abierta y sencilla, y es ese el truco, la sencillez… y la espontaneidad de su reparto. Realmente gratificante es ver la naturalidad en el trabajo tanto de la encantadora Emily Blunt, como la fenomenal definición que Rosemarie DeWitt hace de hermana mayor. Y ni que decir tiene que, Duplass borda el papel de treinta y tantos añero que representa.


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Cuando en Hollywood un película funcionan no se conforman con conseguir los máximos beneficios de esta, sino que se agarran a la teta del éxito producido y empiezan con segundas, terceras y cuartes partes, así hasta que la dejan bien seca, es entonces cuando siguen con la otra teta para continuar haciendo caja, con el nuevo as que se han sacado de la mentes más productivas de allí, la precuela y el remake. La precuela lleva ya algún tiempo funcionando, pero parecía que esta camino estaba destinado al universo del comic o a cine palomitero, pero no, saltó también a producciones importantes como “El Silencio de los Corderos” 1991 o “Atrapado por su Pasado” 1993. Lo más asombroso es que este método podría funcionar y resultaría muy gratificante por ambas partes, un público que disfrutaría de ver una continuación de algo que le gusto y la taquilla que se garantiza una asistencia casi segura, el problema está en la poca calidad que nos ofrecen la mayoría que estas películas. Ahora el director de origen británico, Ridley Scott, se suma al negocio. Prometheus sería la cuarta película de la franquicia, la que comenzara allá por el año 1979 donde un casi desconocido Ridley Scott sorprendería con “Alien el 8º Pasajero”, película que rápidamente se encumbro a cinta de culto,la ciencia-ficción daba un giro para mostrar su lado más terrorífico y donde una atmosfera tenebrosa y oscura ensombrecía a la “Nostromo”. Después vendría la dinámica y violenta “Aliens: El Regreso”1983 de James Cameron y “Alien 3” David Fincher.

Prometheus está lejos de ser lo que se pretendía, a diferencia de su original le falta fuerza y personalidad, en ella abundan las incongruencias de la realidad con el futuro al que nos acercamos, si bien la historia tiene un comienzo poderoso trazando una línea de misterio, esta desvanece a los pocos segundos, los espectadores más avanzados en este campo, comenzaran a cuestionarse cantidad de situaciones inverosímiles en los que se ve envuelta la tripulación ( como la escena de la operación de la doctora Shaw ). Por otra parte me gustó el enfoque que le han dado, siendo una historia más filosófica y existencial, que sus predecesoras, dejando a un lado el terror y tratando el origen de la humanidad de una manera muy particular. Remarcar el trabajo del actor, imprescindible últimamente en casi todos los trabajos que se precien, Michael Fassbender, acaparando los mejores momentos de la película en un inicio que recuerda a “2001: Una Odisea en el Espacio“1968 o a la genial “Moon”2009. El resto del reparto, supongo que haría lo que se le pidió, pero con un guion tan flojo, flojísimo, que es complicado hasta para alguien tan bueno como Charlize Theron, el guion hace aguas por donde se mire, no conocemos a la tripulación, no sabemos nada del lugar al que van, no se profundiza en los personajes, el final está hecho de una manera rápida, clichés más que vistos, donde las anteriores entregas sorprendía, aquí te sorprendes de adelantarte a la película, los diálogos son ridículos, el guionista, el tal Damon Lindelof, parece que nos toma por gente que se lo zampe todo sin quejarse. Puede que alguien no esté de acuerdo con la crítica….pues que me conteste varias preguntas, ¿Por qué se recupera una Shaw tan rápido de la operación?¿ Es una… hacker?; ¿Por qué el feto de Shaw, crece como una bestia en minutos? ¿Hormonas de crecimiento?; ¿Por qué se quita el caso en un planeta inexplorado sin saber si está contaminado? ¿Par de huevos?; ¿Por qué maquillar tan mal a Guy Pearce de anciano? ¿Oscar al mejor maquillaje?; ¿Por qué el botánico y su socio quieren tocar a un bichejo con pinta de serpiente? ¿Par de huevos?....….


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Resulta curioso que un cineasta acepte hacerse su propio remake de una película; de hecho estaba muy bien como esta su original; y si encima calca planos, guion y la estructura por completo de la original, “Funny Games” 1997, no cabe si menos preguntarse ¿Por qué?

Pues según el propio Michael Haneke la intención era llegar al mayor público posible, acercarse a cuantos más espectadores se pudiera. Esta vez el idioma del filme es ingles con lo que su ámbito de edición es mayor, y los protagonistas son bien conocidos en Hollywood, Naomi Watts (“Promesas del Este” 2007; aquí incluso formando parte de la productora), Tim Roth (“Reservoir Dogs”1992) o Michael Pitt (“Soñadores” 2003), con lo que su “infiltración” en más publico era incuestionable, ya que la plagiada estaba grabada en alemán y al ser una cinta de origen europeo ya sabemos la poca aceptación que tiene, incluso en la propia Europa. La película cuenta una historia de actualidad en nuestra época y Haneke quería usar esta oportunidad que le ofrecía la propia maquinaria Hollywoodiense para colar desde dentro la trampa envenenada. Haneke de esta manera justifica un poco el remake.




Funny Games
Michael Haneke, es controvertido, es políticamente incorrecto y sobretodo es provocador. Provoca que esos miedos ocultos del ser humano que tenemos dentro exploten en mil pedazos, Haneke no entiende de censura y en sus películas lo demuestra, buscando en el interior del alma del hombre y ofreciendo otra visión , una visión de Doctor Jekill & Mr Hide. Sus protagonistas sufren de tal manera que el terror llega al espectador de forma tan real que asusta y deja ese sabor a bilis incapaz de quitártelo incluso horas después de haber terminado la proyección, Haneke hace que salgas de la sala tan petrificado que tardaras un tiempo en volver a la realidad siempre y cuando no te vayas a medio del filme buscado sitio para echar hasta la última papilla que dieron de pequeño.



“Funny Games”, como ya he dicho el tema de la película es ahora de mucha más actualidad que cuando se grabó la original, el consumo de la VIOLENCIA. Somos adictos a la violencia, diariamente llegan noticias que nos endurecen poco a poco los oídos y colocan una especie de filtro en los ojos incapaz de ver el monstruo en el que se ha convertido la sociedad como algo normal. En”Funny Games”, Michael Haneke no pretende eso, que solo sean 112 min de pasarlo mal, el realizador quiere que te levantes del cine y te vayas a medio con arcadas, quiere que te lleves puesto lo inhumano del ser humano, quiere que no olvides que esta sociedad se está inmunizando ante la violencia y eso no es bueno… quiere que cuando veas a alguien con la ropa de tenista se te ericen los pelos de la nuca.

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Cuando una película viene abalada por tantos premios en Festivales tan buenos como son Sundance o Cannes, no cabe si menos a acercarse y verla pues la posibilidad de decepción es casi nula.En “Martha Marcy May Marlene “ocurre eso, la película se merece todos esos reconocimientos. Una película sin efectos, sin giros argumentales, sin nada de especial solo una buena historia, y encima real, y una mejor forma de contarla. Sean Durkin sorprende por su arrojo a la hora de la dirección y el posterior montaje de las imágenes, arduo trabajo que requiere saber qué es lo que se quiere, resaltar que Sean Durkin es un director de novel que bien podría dar lecciones a más de un realizador. Es difícil contar una película como esta y que de deje pagado a la pantalla sin dejar un solo momento la tensión de no saber qué sucederá y reflejar en primeros planos la sensación que pretendes transmitir al espectador. Sean Durkin cuenta en dos tiempos la historia de Martha, uno en el presente con su hermana en su casa y otro a modo de flashbacks en su paso por la granja. La parte de mayor carga interpretativa se la lleva Elizabeth Olsen, hermana de las gemelas Olsen, esas niñas que se repitieron hasta la saciedad en la serie “Padres Forzosos”, Olsen consigue lo más difícil en la interpretación : ser muy creíble y conectar con el asistente. Elizabeth Olsen no triunfo de niña como sus hermanas, sino todo lo contrario fue un estigma que la cargo en su adolescencia, pero en cambio ahora en su madurez se ha convertido en una estupenda y guapa actriz que se come la cámara y mira muy alto, dando señales de ser llamada a la fama, su última película es “Luces Rojas” 2011 de Rodrigo Cortes. Esperemos que siga eligiendo bien sus papeles y no la veamos dentro de poco en comedias románticas tipo Teen, que llenan nuestras carteleras y vacían nuestras mentes. Otro de los actores es John Hawkes visto casi siempre como secundario en producciones como “Contagio” o “Winter`s Bone” , aquí interpreta a Patrick el líder de la secta, una secta muy particular en la que parece que tiene un aren ya que solo recluta a mujeres jóvenes y de muy buen ver. El director acertó de pleno en la elección de John Hawkes para este personaje, solo con la pinta que tiene y sin decir nada habría sido suficientemente creíble.

Los amantes del cine indie no os debéis de perder esta joya de película, con el permio de descubrir una belleza de actriz que transmite al público además de conocer a este realizador que se ha marcado un nivel muy alto para su próximo trabajo.

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