Un año después de "Septiembre", y un año antes de "Delitos y faltas", Woody Allen escribe y dirige esta deliciosa cinta con evidentes resonancias de la obra de su admirado Bergman...son algo más que obvias las referencias del maestro semita a mi admirada "Fresas salvajes", y para ahondar en lo evidente, esta película supuso el inicio de un corto idilio entre el propio Allen y el fotógrafo habitual de Ingmar Bergman,Sven Nykvist...algo que duraría hasta precisamente su obra posterior, la excelente " Delitos y faltas", una versión "sui generis" del "Crimen y castigo" del gran escritor ruso Fedor Dostoievski....

Con una excelente banda sonora plagada de cortes clásicos de gente tan reputada como Gustav Mähler y su "Sinfonía nº4" ó el "Unacompanied Cello Suite in D major" de Johan Sebastian Bach...por no hablar de otros habituales en su filmografía como el excelente tandem Weill y Brecht y su "The Bilbao Song" ó el "Gymnnopédie" de Erik Satie... esta cinta sin duda alguna es una brillante muestra del otro cine de Woody Allen...ese otro más intimista y sugerente que es capaz de facturar también este portento de la naturaleza...

De hecho obras de Bertold Brecht como "Madre coraje", y obras de Rilke como "Torso de Apolo Arcaico " ó "La pantera" u obras del pintor Klimt como "Esperanza" son esta vez las notas al pie de página de Allen...

La famosa teoría del "...¿qué hubiera pasado si...?..."...si hubiéramos aprovechado mejor las oportunidades pasadas desde la experiencia y amplitud de miras que nos da la madurez...en lugar de haber llevado una existencia fría y cerebral, carente de todo afecto humano y sólo preocupado por el culmen de nuestras metapreferencias...guíados por una vida de autoengaños y donde nos es imposible privarnos de unas mentiras que se hacen necesarias para el transcurso de nuestra existencia...

De hecho la película arranca cuando el personaje de Marion Post(Gena Rowlands), directora del departamento de filosofía de una importante universidad femenina de NY hace la siguiente reflexión: "...Si alguien me hubiera pedido que al llegar a los 50 valorara mi existencia, le habría dicho que he conseguido una buena cantidad de satisfacciones...."...

Gena Rowlands borda precisamente este papel, y nos hace compadecernos y arrepentirnos con ella, mientras damos un agradable paseo a través de los recuerdos de su existencia en clara alusión a "Fresas salvajes"...esos recuerdos que uno no sabe si los ha tenido o los ha perdido...y nos entristecemos también cuando nos damos cuenta de que su existencia ahora, cuando acaba de entrar en la cincuentena, está vacía a pesar de que ella al principio nos diga lo contrario y piense que está llena de felicidad y triunfos personales y profesionales...

Sólo al final, cuando se haya dado cuenta de lo contrario, es cuando se sentirá llena por primera vez en años...

La historia es espectacular y la narración como es habitual en Allen borda la maestría...

E X C E L E N T E.

Aunque al petardo de Stephen King no le gustara para nada esta versión sui generis del maestro judío, nadie en su sano juicio puede negar que estamos ante una de las películas más terroríficamente realistas de la historia.

El gradual histrionismo del gigante Nicholson( mítico Jack Torrance), la cara de gradual contradicción y posterior espanto de Shelley Duvall, el enigmático comportamiento del niño (trepidante y sobrecogedora la escena rodada cámara en mano por el maestro siguiendo la estela del niño en triciclo por los largos y acongojantes pasillos del hotel), la atmósfera de gradual claustrofobia a pesar de los amplios espacios, y sobre todo las ensoñaciones paranoicas de Jack en su descenso al maelmstrom de la locura, junto también con las leyendas acerca del pesadillesco rodaje debido al tortuoso carácter del genial cineasta, convierten a esta película en una de mis favoritas de todos los tiempos.

TODO en esta película rezuma épica y leyenda en cantidades industriales, todo a excepción del DESASTROSO doblaje en español de la pareja protagonista (bochornoso).

Estupenda cinta a cargo del portento de la interpretación, Robert de Niro, quien debuta en las lides de cineasta de manera brillante, con una influencia más que obvia de su maestro y amigo Martin Scorsese, palpable en la forma narrativa, movimientos y ángulos de cámara, así como superposición de planos e inserción de luces y sombras, ó en la inclusión de una potente y efectista banda sonora a base de grandes éxitos de los 50 y 60 como el broche final de Cool Change "Streets of the bronx", Dion y los Belmonts y su "I wonder why", "Nights of White sutin" de los Moody Blues (en la escena del apaleamiento de los italianos a los negros de Fordham), el "Ave Maria" de Schubert (durante el sepelio) ó el "All along the watchtower" de Hendrix (en la escena donde los amigos de Calogero "van a montarla" esta vez en el barrio negro).

Basada en una obra epónima ("A Tale Bronx") del actor Chazz Palminteri, De Niro supo llevar con maestría y credibilidad esta bonita y estupenda historia llena de unos diálogos concisos y brillantes, de un ritmo narrativo ágil y deslizante, con la colaboración del propio Palminteri en las lides de guionista, Butch Barbella en las labores de ensamblaje sonora o una correcta fotografía a cargo de Reynaldo Villalobos.

El potente Grupo de distribución y producción italiano, comandado por los toscanos Cecchi Gori asociados con el "insigne" Silvio Berlusconi se encargaron de colaborar con la Tribeca Productions del propio De Niro, y el resultado es esta famosa historia de culto, desarrollada durante los años 60 (de 1960 a 1968) en el departamento de Fordham, El Bronx, una ciudadela donde cada punto está a 15 minutos del otro a pesar de que diera la impresión de haber miles de kilómetros de distancia, por aquello de los sub-ghettos infranqueables que dividían la zona en pequeños reinos de taifas impermeables.

Un padre honesto que lucha por la educación cristiana de su hijo... un hijo que divaga por los dudosos y rápidos caminos mostrados por su admirado mentor mafioso...

...Sobre talentos malgastados y entre las pequeñas y rudas historias de la vida en una zona marginal y humilde, donde cada uno trata de salir adelante a su manera y sin importarle nada más...

I M P R E S C I N D I B L E.

Excelente película ésta justo un año después de rodar "Maridos y mujeres" y un año antes de "Balas sobre Broadway". Escrita por Marshall Brickman y el propio Allen, con una excelente fotografía a cargo de Carlo Di Palma retratando perfectamente el Upper East Side en Manhattan, ciudad de NY y una no menos esplendorosa banda sonora con temas tan interesantes como el introductorio "I happen to like New York" de Cole Porter durante un encuentro de la NFL de Hockey en NY, o fragmentos del "Holandés errante" de R. Wagner en la ópera de NY...

Un homenaje también del cineasta semita al cine negro con claras referencias a algunos paradigmas del género como "Perdición" de Wilder y "La dama de Sanghai" de O. Welles.

Una de sus películas más geniales y ocurrentes y plagada de unos diálogos asaz inteligentes y sesudos que harán las delicias de los aficionados al cine del genio neoyorkino. Sin duda alguna una de sus obras maestras y también una de las más carismáticas.

La química entre el dueto protagonista interpretado por Allen y Keaton, antigua pareja en la vida real, es una de las más inspiradas no sólo en su filmografía sino también en la historia del celuloide... Allen vuelve a interpretar su personaje fetiche, lleno de manías, hipocondrías y claustrofobia y cuya famosa escena en el ascensor ha sido una de las más recordadas y celebradas en toda su obra... Aquellas famosas palabras de: "...¡¡claustrofobia y un cadáver!! ...¡el colmo de un neurótico..." sirven para rememorar uno de los momentos más deliciosos en el mundo del cine...

G E N I A L.

Realmente grande esta cinta del hasta aquel entonces guionista de Hollywood, John Huston, quien no desaprovechó la oportunidad de dar a conocer sus innegables y apabullantes aptitudes para la dirección.

Fielmente basada en la obra epónima de Dashiell Hammet, optó por narrar esta historia de 1929, llevada ya en dos ocasiones anteriores a la gran pantalla con un sonoro y rotundo fracaso.

El génesis del cine negro comienza en el despacho de la firma de detectives "Sam Spade y Miles Archer Corp", con la visita de una enigmática señora Wonderly (años más tarde Roman Polanski tomaría fiel nota en su obra maestra Chinatown).

Aquí no hay voces en off, como en su posterior Jungla del Asfalto, sólamente el desarrollo de una narración apoyada al pie de la letra en los famosos storyboards puestos de moda por un tal Alfred Hitcthkock, pero sí hay ambientado un mundo de criminales sin escrúpulos, mujeres fatales, finales entreverados, y frases antológicas que imprimen un sello inconfundible, de calidad genuina.

En mi memoria sí que quedarán congeladas los fotogramas épicos de esta cinta inigualable; la señora O’Shaugnessy (maravillosa Mary Astor) fingiendo ser una ingenua víctima del siempre ausente señor Thursby.

El enorme Peter Lorre como Joel Cairo, un tipo de tendencias homoeróticas (levemente encubiertas por Huston, ya que en la trama había ya demasiados homosexuales, y la sociedad en general aún no estaba preparada para este tipo de revelaciones), ambicioso y peligrosamente arrojadizo que se va metiendo de forma gradual en el meollo de la trama.

El capo de los malos, el inmenso Fat Man (papel iniciático de este sorprendente actor británico, Sidney Greenstreet, que además debutó con oscar incluído), 17 años detrás del pájaro dorado revestido de negra cerámica marfileña (el halcón maltés, regalo de los caballeros de La Orden de San Juan al rey de España Carlos I, en reconocimiento por su cesión del territorio de Malta) y su fiel escudero, Wilmer (conmovedora actuación de Elisa Cook Jr), una especie de Lee Harvey Oswald (increíble su parecido real, en un papel similar al de Atraco Perfecto de Kubrick) chivo expiatorio y homosexual (así lo constató Dashiell Hamet en su obra epónima).

Sin olvidarnos tampoco del cinismo misógino de Spade cuando rehuye a la viuda de su socio, y antigua amante, ni de su fiel secretaria Effie.

Todo en esta película rezuma CINE (con mayúsculas por supuesto); y el final; éste sí que es épico y no el de Casablanca: Cuando el policía le pregunta a Spade sobre el halcón maltés, y éste (dicen las crónicas que fue una aportación del propio Bogart al guión adaptado de Huston) parafraseando a Shakaspeare le respone: "...¿éste? este es el material del que están hechos los sueños...".

I N O L V I D A B L E.