Pandora y el holandés errante es una obra demasiado elaborada como para plasmar aquí todas sus profundidades semánticas y descifrar sus múltiples referencias a la cultura griega.No es, por lo tanto, mi intención.
Se trata de una tragedia romántica, protagonizada por Gardner y Mason, en la que confluyen A) la mitología griega (Pandora;el equivalente a la cristiana Eva, madre de todos los hombres pero desencadenante de todos sus males,El Holandés, una especie de Prometeo eternamente castigado por su desafío a los dioses,El torero Montalvo;una especie de Rey Teseo luchando contra el minotauro (los Toros, y en un sentido alegórico, el destino)), B) la leyenda del Holandés errante (que se remonta al siglo XVII) y, C) contínuas referencias visuales a la cultura helénica y mediterranea en general.

Sin duda es un filme que no puede ser observado por mentes simples acostumbradas a lo literal ya que su contenido metafórico y surrealista es abrumador.
En el plano técnico, Jack Cardiff confecciona una excelente labor fotografica (aunque la copia desponible en DVD que poseo no permite observar con toda claridad algunas de las escenas nocturnas) resaltando el componente telúrico de los parajes retorcidamente románticos e incluso místicos de Tossa de Mar (llamada Esperanza en el filme que nos ocupa) y Albert Lewin realiza una magnífica y compleja realización y guión (con unos diálogos interesantísimos y llenos de significado oculto), el cual, en mi opinión y como gran fallo alegable contra él, insiste demasiado en la utilización de la voz narradora como herramienta progresión argumental.
También se observan alunos problemas de ritmo que son inevitables al querer sobrecargar al filme con tanto contenido metafísico.

Filme de orígen literario pero brillantemente visual a la vez, deberá ser descubierto poco a poco por los espectadores hasta poder encontrar su significado último; hasta poder encontrar la salida del laberinto en el que nos recluye.

Este Filme de John Wayne ha sido criticado por poseer en su interior un supuesto mensaje derechista, veamos si es cierto:

1. Es verdad que la versión que se da de los hechos pertenece a los estadounidenses. Se trata de una visión un tanto manipulada.

2. Este hecho se da en muchas películas del oeste y de otros géneros sin protesta de los críticos ( o del grupo más peligroso: críticos ideológicos ).

3. En la película se incluyen matices que humanizan al enemigo: después de la primera batalla se nos enseña al enemigo sufriendo del mismo modo que los estadounidenses de El Álamo, hay un diálogo en el que los estadounidenses aseveran que, al igual que ellos, los mejicanos también luchan por lo que creen justo y que les admiran por ello, se nos muestra al general Santa Ana y a sus tropas como personas nobles, elegantes y educadas, el ejército mejicano está compuesto por hombres valientes que luchan por un ideal que creen justo, también sufren y se muestran igual de humanos que los heroes estadounidenses de la película.

4. De lo anteriormente dicho extraigo la lógica conclusión de que ésta película contiene elementos ( diálogos, imágenes ) que dignifican al rival mejicano y que muestran el respeto hacia sus pretensiones. John Wayne no realizó una lectura maniqueísta del conflicto: se posiciona a favor de los rebeldes estadounidenses pero no desprecia los objetivos ni el honor de los contrarios.

Aclarado lo concerniente a la ideología paso a realizar un análisis breve de las características técnicas y artísticas: la fotografía es espléndida y otorga mucha importancia a los cielos y a la iluminación nocturna, se observa un gran dominio de la utilización de la cámara en las escenas de combate ( la escena del asalto final es una obra de arte ) y una disposición de la cámara en las escenas más intimistas que recuerda a Ford, la banda sonora es memorable y se sitúa entre las mejores del maravilloso compositor Dimitri Tiomkin, todos los actores realizan un excelente trabajo cabiendo destacar la maravillosa labor de los numerosos secundarios y del propio Wayne, por último el guión es excelente y los diálogos son en su mayoría memorables.

Ciertamente se trata de una obra maestra ( especialmente en sus segunda mitad: historia del joven al que mandan a informar al general para que no luche, dignidad y redención final de los hombres mediante una lucha irracional pero noble, silencio de la música al inicio de la batalla que anticipa la dureza de la misma, la emotiva marcha final de la mujer... ) que obtuvo bastante éxito de público en su estreno, pero fue criticada duramente por la crítica.
Aquellos críticos que la despreciaron alguna vez se reconciliarán con ella y la reivindicarán, para entonces ya seremos muchos los que disfrutamos una y otra vez de este sorprendente lienzo humanista, tan bello como dramático.

El rebelde orgulloso narra la historia de un hombre y su hijo que han visto marcadas sus vidas (física y/o emocionalmente) por la guerra civil. En su periplo en busca de cura para un mal del chico llegarán a un tranquilo pueblo del oeste...

Michael Curtiz, director capaz de conjugar todos los elementos a su alcance para formar obras cinematográficas de entidad (Casablanca, Ángeles con caras sucias, Dodge city), narra este western con pulso sereno (con similar tono al Wyler de La gran prueba o Horizontes de grandeza) y con mirada madura, matizada, incluso amarga en determinados instantes. El filme va avanzando descubriendo poco a poco matices en los personajes, entrelazando paulatinamente los lazos que les unen, construyendo una narración humanista, sutil, en torno a los efectos de la guerra y a los conflictos entre ganaderos y rancheros.

La bellísima relación entre los personajes que encarnan Alan Ladd y Olivia de Havilland, la relación verdadera que une a Ladd con su hijo, el cariño y valores representados por el perro que les acompaña, la belleza serena de la naturaleza (bellísimo plano de las sombras de los personajes en el río o del atardecer en los campos), la desestruturación emocional provocada por la guerra (representada por la mudez del niño)... Todos estos elementos y más se presentan en la pantalla dentro del marco genérico del western, matizados por la notable banda sonora de Moross y fotografiados con bastante acierto.

El rebelde orgulloso posee hondura emocional, magníficas interpretaciones de sus protagonistas y se despliega, gracias a Curtiz, ante los ojos del espectador de manera serena y profunda como las calmadas sombras de los bosques.

Este excelente western crepuscular encierra en sus entrañas una cruda reflexión sobre la vigencia del género y sobre la figura tradicional del vaquero. Posee cierto toque clásico pero influído por nuevas prácticas del cine cercano a los setenta ( lenguaje más explícito de lo normal, violencia en un forma más cruda de lo acostumbrado )

Will Peny es un vaquero de avanzada edad que observa que el mundo en el que vivía ya no existe, él ya no tiene cabida en la época en la que vive y está condenado a desaparecer con la única compañía de su profesión.

Las interpretaciones son buenas, en especial la de Charlton Heston como protagonista, la fotografía es cruda pero de extraña belleza, el guión está espléndidamente construído, los diálogos son brillantes...

Es quizás uno de los últimos westerns realmente dignos que precedieron a la desaparición del género tal y como lo conocemos ( Sin Perdón y otros filmes menos afortunados que intentan resucitarlo son una minoría en el cine actual ), constituyendo un colofón ideal para el mismo.

William Wyler elabora en Brigada 21 una riquísima exposición de las bases del arte cinematográfico mostrando primeros planos que producen intensidad (cabe destacar el excelente trabajo de iluminación y matización llevado a cabo por el fotógrafo Lee Garmes), zooms de suave progresividad con el objetivo de lograr aumentar el grado de inmersión del espectador en lo narrado y subrayar los momentos de mayor intimismo, utilizando los escenarios con fines dramáticos: el filme transcurre mayoritariamente en un escenario, la sala principal de una comisaría (que por distintos motivos Wyler logra convertir en una asfixiante cárcel para los policías que allí trabajan), pero se utilizan habitaciones y espacios anexos al mismo para fragmentar la historia y abordar determinados asuntos con mayor detenimiento. Además, se utilizan escaleras, vehículos y objetos del escenario para explicar con mayor entidad algunos sucesos, se planifica exhaustivamente la colocación de los actores en el plano con plena coherencia dramática... Todo en Brigada 21 es fruto de una cuidada aplicación de la técnica a la narrativa.

El orígen teatral de la obra en la que se basa el guión de Philip Yordan no supone contratiempo alguno para William Wyler, excepcional director que había trasladado con significativo acierto otro texto teatral en el sobresaliente Callejón sin salida (Dead End, 1937), eludiendo inteligentemente el aspecto estático inherente a este tipo de textos.

Kirk Douglas, en un alarde interpretativo, se muestra patético, histérico, desdesperadamente enamorado, atormentado por los fantasmas del subconsciente, Eleanor Parker interpreta de manera formidable a un personaje de cierta complejidad dramática y los actores secundarios que los rodean (todos excelentes) realizan una labor de depurada técnica interpretativa que redondea el resultado del filme.

Brigada 21 es una muestra de pericia ténica y artística que, como cualquier gran tragedia, permanecerá vigente mientras existan indicios de sensibilidad y de apreciación profunda.