¿Puede ser ya la corrupción política y mafiosa de la Italia contemporánea un subgénero en sí? No son ya pocas las películas y series que abordan la tumultuosa temática, con mil historias que contar y enraizar.

Stefano Gollima también quiere su parte del pastel, y cada vez tiene más hambre ya que colecciona títulos aparte de Suburra tales cómo: Gomorra (la serie) o Roma Criminal. Quizá por ello fue elegido para Soldado, la segunda parte de Sicario.

Suburra es noche. Y lluvia. Italia se presenta como una gran noche lluviosa llena de luces. La lluvia no cesa nunca. Símbolo cinematográfico de la regeneración y limpieza del alma, pero por más que llueva en Italia lo único que se consigue es que las alcantarillas se desborden, haciendo salir cosas peores de las que había en la superficie. Es por ello que en la película toda la corrupción, chantajes, asesinatos, sexo ocurre al amparo de la noche. Mientras que durante el día se produce la reacción a los acontecimientos nocturnos.

Dicha regeneración es presentada por las nuevas generaciones que replican comportamientos de los que ya estaban ahí. En la película se ven jóvenes empezando a ser putas. Adolescentes queriendo ser gangsters. Gangsters queriendo ser peces gordos. Peces gordos queriendo ser los que manejan los hilos de la política convirtiendo Ostia en Las Vegas de Roma. Y políticos sacando tajada de contratos y de su partido en descomposición. Magnífica la figura del Samurai. Quién se pasea por ahí sin guardaespaldas. No alza la voz, con sus contactos y argumentos le es suficiente. Y que si necesita matar lo hace con un silenciador.

El complejo guión, que no imposible ya que está muy bien llevado, empieza en una de esas noches lluviosas con la muerte de una desconocida puta. Al principio parece que con despachar el cadáver todo está solucionado, pero, ay amigo, los humanos somos más complejos que eso. Y si de la muerte de una simple puta a la que le ha dado una sobredosis se puede sacar tajada, pues adelante.

La música también está cuidada. Se utilizan sinterizadores para crear una atmósfera. Como de drama eterno e imperecedero. No hay salida a este caos humano. Siempre se repite la misma historia: el poder por el poder. Ya sea el de tu barrio, el de tu ciudad o el de tu país.

La lealtad se mide con la proximidad de una navaja en tu cuello o por un cañón de una pistola caliente en tu sién. Se ven peces pequeños en peceras pequeñas. Peces grandes en peceras grandes. Peces chicos en peceras grandes. Y todos ellos, en el océano de lealtades forzadas y deudas que es la Italia del siglo XXI. No sé si creerme que Italia está así de mal de verdad, o es sólo una herramienta de la narración.

Antes este panorama desolador, el Papa, a poca distancia, pierde la fe y quiere resignar.

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Se dice al principio, tras una introducción directa al grano, tras un asalto nada amistoso a una ópera. Lo típico de entrar con un arma sin haber sido invitado y sin conocer a quien lleva otra andando a tu lado. Se/Nos dice/n: “No intentes entenderlo”.

Y, ciertamente, Tenet, se puede entender, si se quiere. Se puede creer en ella como se cree en un Dios o en un equipo de futbol; ignorando los fracasos que la realidad nos pone delante de los ojos. Nolan solo necesita meter a un espía británico en el complot. Un tío guapete y que se está convirtiendo en uno de los mejores actores de la época: Robert Pattinson. Quien además de saber luchar con su cuerpo, abrir puertas de máxima seguridad en un aeropuerto internacional y curar heridas de fogueo, resulta que también es Doctor en Física, para aliviarnos la migraña colectiva en los momentos más apurados de la película.

No voy a entrar en la trama porque no me veo muy dispuesto. Tengo la sensación de que no es tan compleja como había leído, el único problema es cuando retuerces una cuerda muchas veces: pierde linealidad.

Nolan es el director mundial que más ha intentado retorcer el tiempo durante su filmografía. Digo retorcer, no analizarlo. Mención especial, que supongo que no aporta nada ya que entiendo que han sido vistas, a: Memento (2000), El truco final (2006), Origen (2010), Interstellar (2014) e, incluso, se podría añadir Dunkerke (2017). Nolan usa el tiempo como una herramienta narrativa más con la que poder jugar con las sensaciones y sorpresa del espectador. Nolan no contempla el tiempo y divaga sobre él desde la distancia como pueda hacer el cineasta norteamericano Richard Linklater. A Nolan, últimamente, le gusta que desde el primer minuto de sus películas ya estés suspirando porque el fotograma que acaba de pasar no lo has acabado de entender del todo, pero debes de seguir haciendo cábalas, arrastrando las confusiones pasadas durante sus, cada vez, más largos metrajes y ante cada giro de guión, con el constante run-run de estar pensando: ¿Todo lo que he estado viendo hasta ahora lo entiendo? ¿Sí? ¿Es todo válido o me va a salir con alguna de sus triquiñuelas al final?.

En Tenet podría decirse que Nolan nos da su epílogo cinematográfico. Tenet es el summum de todos sus thrillers, actualizando los efectos especiales que hacen de su visionado una experiencia innegablemente abrumadora. La ingente cantidad de dinero invertida en producción con que cuenta parece estar bien gastada ya que, al menos, no estamos viendo a actores muy metidos en sus papeles con una pared verde detrás. En la película se nota la producción, con material real y localizaciones reales. Y eso, un servidor, lo agradece profundamente casi en 2021.

Todos los actores están bien, hasta los secundarios. La banda sonora es la típica de Nolan, y ya sabemos que en su cine es una apuesta segura, y diría que inevitable. El juego entre el protagonista y el malo tiene aires a una película de James Bond donde no falta la tensión con la mujer (del malo) y el juego de te-tengo-no-te-tengo entre el bueno y el malo. Mientras disfrutan conversando en algunas de las posesiones de este con mucha tensión (el malo arguye tener razones consistentes para querer matar al bueno, pero cuando él decida) durante un banquete y con vistas idílicas.

En definitiva, me esperaba menos. Esperaba mucho ruido y pocas nueces. Admito, con gusto, que me equivoqué. Tampoco la consideraría su mejor película, pero sí la mejor desde El caballero oscuro (2008). Es decir, la mejor desde hace doce años y tras cuatro películas más a cuestas. Con todo ello, no se pueden negar las licencias (grandes [grandísimas]) de guión y de verosimilitud que nos van salpicando continuamente. Ah, por cierto, cuando nos dicen al principio, tras la aplacible visita a la ópera, lo de “No intentes entenderlo”, también nos dice la quemada científica: “Solo tienes que sentirlo”. Y ahí es cuando la música llena de sintetizadores empieza a atronar, y tú te vienes arriba con el quilombo que hay montado (tanto que hay que ir hasta a la India), aunque sientas que no lo vas a entender.

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Gansters de pacotilla pero con bonitos abrigos. Gitanos (rufianes) con inteligencia desmedida, e, imprevista. Capos imperecederos con alta moralidad para los asuntos turbios. Asesinos a sueldo cuyo trabajo es una excusa que la sociedad les regala para eludir la cita con el psiquiátra. Especuladores que sacan provecho desde sus despachos financiados por el sudor vertido de algún africano en lo más profundo de una grieta en el suelo de su continente.

Todo eso y un perro es Snatch. Segunda película de Guy Ritchie. La cuál le hizo convertirse en estrella mundial ya que es una película que gusta desde Galicia, pasando por Moldavia hasta Rusia. Buena mierda, como se dice ahora.

Diálogos potentes que desprenden originalidad y verticalidad. Montaje atractivo, rápido y que se gusta a sí mismo. Actuaciones a la altura de la teatralidad exigida por una historia surrealista e hilirante. Giros de guión más agudos que los de un político excusando a otro compañero ante su caso de corrupción.

Es innegable que Ritchie fue, y es, el hijo pródigo de Emir Kusturica. Esos personajes perdedores jugandose la vida por una recompensa. Esas bandas sonoras folkloricas. Ese placer en mostrar los bajos fondos. Esos mafiosillos que regentan barrios de pacotilla…Aunque su nivel no ha podido mantenerse a la tan altura de sus comienzos siempre es digno de pasar un buen rato con sus propuestas. Sobre todo con Lock & Stock y Snatch.

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Blade Runner es una de esas joyas dónde nos mostraban un universo paralelo. Por un lado tenía un poso filosófico innegable, y, por otro, una total y rompedora cinematografía. Eran tiempos de creación e innovación.

Cualquier mercado se divide en oferta y demanda. En el del cine, en mi opinión, hay que ser un verdadero maestro, para conjugar ambas y ofrecer un producto digno para elevados intelectos y que, a la par, se vea por las masas.

En 2017, con la secuela de esa joya, nos encontramos con un producto de Hollywood, dónde para contrarrestar la pérdida del poso filosófico, han doblado en cinematografía. Hay escenas y fotogramas espectaculares. Saben que la sociedad de hoy en día no es la misma que la de hace 35 años. Estamos más idiotizados, y lo que es rentable al ir a una sala de cine es ruido y luces. Y he de reconocer que eso es lo que más me ha gustado de la película.

No siento haber tirado mi dinero a la basura yendo a verla. Pero si siento una pequeña decepción, me temo que inevitable, al constatar que ésta pelicula sólo exprime el universo que Scott creó. Me cansó un poco todas aquellas refencias a la primera pelicula. Con un universo tan salvaje e inexplorado, inventarse cualquier historia independiente hubiera sido hasta más fácil que elaborar un rompecabezas donde encajar a media docena de personajes de la primera parte, empezando por Decard.

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A todos Almodóvar alguna vez nos ha empujado hasta el límite de nuestra paciencia de espectador y hemos llegado a decir: ya no veo nada más de él. La ventaja de servidor es que nació en 1990, por lo que hasta que no tuve quince años, 2005, no empecé a ser consciente de Almodóvar, de su historia y de sus películas. Digo esto porque quien sea más mayor el sopor le viene de más largo y tendido.

Es indudable que cada película suya es un acontecimiento. Para algunos, los ya citados arriba, es otro grano que arrancarse para decir: paso de ver otra de Almodóvar. Yo le reconozco grandes películas: Mujeres al borde de un ataque de nervios, Átame, Hable con ella, La piel que habito y, ahora, Dolor y gloria. Las más aborrecibles: Los abrazos rotos, La mala educación y Los amantes pasajeros.

Tengo amistades extranjeras que han estudiado cine y colocan a Almodóvar como uno de los grandes directores europeos contemporáneos. Hay que admitir que el manchego ha conseguido ser el director con mayor proyección fuera de nuestras fronteras. Quizás por ello, muy ibérico ésto, siempre se abre una guerra civil de envidia a escala nacional donde hay dos bandos luchando sobre si se lo merece o no. Lo cierto es que nadie ha llegado a dicha cima cómo él. Amenabar apuntaba alto y parecía que podía, ahora está pasando por un bache el cuál veremos cuanto dura. No se me ocurre otro.

En Dolor y gloria vemos la historia de su vida. Un director en un ocaso particular. Un artista entrampado. El tema del director sin salidas en mitad de una crisis existencial es uno al que todos los grandes recurren. Cómo no a la cabeza siempre Ocho y medio de Fellini.

Antonio Banderas hace un buen papel. No adopta en la totalidad la personalidad del director aunque hay alguna escena donde repentinamente cambiar la forma de hablar y parece el mismo Almodóvar (la escena de la llamada desde la cocina a la presentación de la película), pero nada consistente. Queda mejor que el personaje no sea Almodóvar al 100%, porque, lo siento, cansaría bastante.

Aparte de eso, la historia está muy bien narrada y estructurada. El montaje es una clave de la película. La trama no tiene estridencias almodovarianas ni desbarres ideológicos (salvo algún comentario del niño cuando es “educado” por el cura).

La película sorprende por eso; el director deja a un lado la provocación para abrirse en canal. Nos cuenta sus dolencias, sus antiguos amores, sus desgracias internas, sus coqueteos con las drogas, sus enfermedades, su vacuidad diaria…y termina.

A una película sólo le pido que me estimule algo: alguna escena, alguna interpretación, algún pensamiento. En Dolor y gloria hay muchas cosas que apreciar y que me han estimulado. Y, como ya he dicho, un acierto que los dejes recurrentes del manchego son desechados.

En definitiva: me ha gustado. Y con el tiempo creo que va a ser generalmente aceptada como una película dentro del top 3 del director. Ya veremos en qué posición.

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