Clásico irrebatible del cine negro en el mejor momento de Humphrey Bogart que ese mismo año haría de Sam Spade en “El halcón Maltés”. El vigoroso pulso narrativo de Raoul Walsh y su capacidad de síntesis está presente en todo el relato que no te da un respiro. El romanticismo se une a la tragedia como una simbiosis que nos invita a dejarnos llevar por su atractiva seducción. Tras los títulos de crédito, el cineasta te muestra en pocos minutos quien es y a lo que aspira y se dedica nuestro protagonista, sus circunstancias y su objetivo. Gracias al estupendo guión de John Huston y W. R. Barnett, el autor de la novela en que se basa, los personajes tienen una densidad dramática propia, los acontecimientos tienen su lógica implacable y el relato progresa inexorablemente hacia su catarsis.

Roy Earle (Bogart) es un tipo duro, un hombre solitario al que la vida no le sonrió, sale de prisión después de unos años muy duros entre rejas para un hombre que ama la naturaleza y la libertad, sale con el propósito de dar un último golpe que le retire para siempre y pueda disfrutar de un ansiado reposo junto a una chica que le ame. Pero el destino le ha preparado otros planes mucho más accidentados, su debilidad es tener una clara humanidad con los desvalidos y eso le restará posibilidades de éxito. Pues las apariencias no siempre son ciertas y el agradecimiento y la honestidad a veces es traicionera y poco amable, cuando te rodeas de gente inmadura o desvalida. Tan solo puede confiar en su instinto y la compañía de un perro abandonado y la joven descarriada Marie (Ida Lupino) que se aferra a su última oportunidad, los tres son perdedores con incierto futuro.

Es curioso el trato y el respeto que siente por las personas honradas como la familia de granjeros que ha perdido su casa, y viajan con la discapacitada Verma a la que hace de benefactor y el desprecio que siente por los de su calaña, exceptuando a Marie y el negro que cuida los apartamentos donde se refugian. Aunque Earle intenta regenerarse interiormente no logra borrar ni eludir su fama de la que repudia cuando la prensa le llama “Perro rabioso”. Una vez más la naturaleza “High Sierra”, las montañas como signo de pureza y libertad y la ciudad como signo de maldad y corrupción. El rostro de Bogart expresa en todo momento el estado de ánimo del personaje, su mirada noble y a la vez su ceño fruncido, unido a sus métodos expeditivos cuando las cosas se complican.

El film respira un aire de fatalismo evidente que lo hace más emotivo, aunque Roy está dispuesto a luchar hasta el último momento. Es un hombre desplazado que no encuentra su sitio aunque lucha por conseguir su objetivo, emprender una nueva vida. El maestro Walsh nos brinda un film inolvidable que conjuga las diferencias sociales, los damnificados de la gran depresión, los aprovechados del nuevo estatus social y los desahuciados como Roy que admite que los tiempos del gansterismo han cambiado para siempre. Una obra importante dentro del género negro.

Nadie como Galdós supo retratar de forma tan veraz la sociedad decimonónica de la España del siglo XIX. Un viaje estremecedor por la naturaleza humana y la pasión femenina a través de la ilustrada alta burguesía y el pueblo llano ignorante. Todo ello bajo la humilde apariencia de un relato costumbrista que encierra muchas diatribas como rechazo a aquella forma de vida: Las abismales diferencias de clase, la hipocresía social más obscena, la caridad como bálsamo para las conciencias de una aristocracia inane. Las corralas míseras (Patios comunitarios de vecinos) del Madrid castizo que albergaban la degradación y el abandono, las mansiones aristócratas de los barrios nobles, criados serviles a señoras ociosas, los resultones nidos de amor para mantenidas complacientes, la rigidez moral y las apariencias más cínicas y falaces.

Escrita en 1887, la novela Fortunata y Jacinta se nos recrea (con un casting inmejorable) en una excelente serie de T.V. (la revisión me ha resultado una sorpresa agradable) con una brillante y conmovedora adaptación del recientemente fallecido Mario Camus, el cual merece una revisión de su extensa obra llena de talento y maestría. Se trata de dos antagónicas mujeres que pertenecen a dos mundos opuestos, cuyo relato paralelo fluye bajo el hilo conductor del amor por el mismo hombre. Es la crónica de una época social y política, el Madrid Galdosiano refleja un trasfondo revolucionario y el preámbulo de la Restauración. Tiempos convulsos donde la galantería en las formas y el trato eran, inversamente proporcional al respeto verdadero y leal por la mujer. Su cuidada trama expone con incisiva crudeza el realismo social que comenzaba a proliferar entre los escritores europeos como Flaubert, Zolá, Dostoyevsky o Tolstoi. Donde la vida y la muerte se muestran de forma lógica y natural, todo es normalidad por las circunstancias que prescriben.

Su cuidada puesta en escena, el detalle costumbrista en su ambientación, la religión como garante de la buena moral, tampoco falta el irónico librepensador, sus personajes tienen vida y evolucionan condicionados por las experiencias. Caballeros, intelectuales, políticos oportunistas, señoritos vividores, pícaros malvados, avaros usureros, nacen, crecen, sufren y viven toda clase de experiencias, desde el amor a la locura pasando por el dolor. La magistral música del maestro García Abril, unido a la calidad literaria que sirve de argumento, se postula pasados más de 40 años, como una de las mejores series españolas para TVE, más aún si tenemos en cuenta el talento del equipo artístico que se impone a su humilde presupuesto. La serie que se puede recuperar en la web de TVE, me ha trasladado a un tiempo en el que la televisión era un vehículo cultural sin dejar de ser entretenida, con solo dos canales de emisión cubrían una programación envidiable, ahora tenemos muchos canales repletos de estupideces.

Unido a la batalla jurídica por defender un patrimonio que los dirigentes políticos desconocen. Es una de las claves junto a otras de cariz humano y social, afortunadamente siempre encontraremos funcionarios profesionales para corregir los dislates de estos políticos ineptos. Es a grandes rasgos lo que aborda esta entretenida serie de Amenábar. Como suele ocurrir en muchos casos, una vez más la realidad supera a la ficción, pues los hechos en los que se basa la trama tuvieron lugar hace unos años pero naturalmente con nombres diferentes. El joven Alex, líder de su promoción en la carrera diplomática, aterriza casi por casualidad en el Ministerio de Cultura. Es un chico preparado y culto, domina idiomas, le encanta la ópera que siempre suena en sus cascos, Nabucco y Tosca le acompañan mientras se va a involucrar sin quererlo en un asunto complicado junto a una compañera de Patrimonio Histórico con fuerte carácter y de signo político opuesto a él, debe quedar claro que “la superioridad moral e ideológica es de la izquierda”, como mandan los cánones de lo políticamente correcto.

Amenábar es un buen narrador, siempre buscando la equidistancia ideológica pero que no consigue, pero la serie se ve con placer, aunque lo que cuenta no es nada que no hayamos visto antes, todo muy convencional. Los actores cumplen aunque yo destacaría a Karra Elejalde que hace de un Ministro de Cultura pintoresco, por no decir lamentable. Demostrando la ineptitud de la mayoría de los políticos que son designados caprichosamente y casi siempre sin tener idea del cargo que van a desarrollar. Buena prueba sería este Ministro actual de Cultura que padecemos, el ínclito Iceta, un indigente cultural sin estudios ni preparación, más allá de haber militado siempre en cargos de su partido. El flash back histórico está muy bien expuesto con el fin de transmitir los acontecimientos que llevaron al naufragio, aportando tensión y dramatismo.

La ambientación está muy lograda, especialmente por el uso del inglés que imagino por expreso deseo del director, no ha querido doblar por dar verosimilitud a la trama. Creo que se debe respetar el criterio artístico del creador y si ha decidido que sea así, es su potestad. Es por ello que no entiendo la absurda polémica de algunos usuarios que están acostumbrados a ver todo doblado al castellano y tienen problemas de lectura, al no entender inglés. Me parece una polémica estéril, que esconde el mal hábito adquirido en España por los espectadores que no valoran la obra artística en su plenitud. Aceptando que hemos tenido grandes voces del doblaje, la voz original es muy importante para valorar al actor, así como los matices del lenguaje.

No es cierto que en Estados Unidos se doblen las películas extranjeras, allí siempre se han visto en versión original, sea del país que fuere, es por ello que a veces la distribución de películas que no hablan inglés es muy escasa, salvo grandes autores extranjeros. Lo mismo ocurre en cantidad de países que respetan la versión original, que beneficia a la lengua propia del país y su cine autóctono. Yo les daría un consejo a estos espectadores que se rasgan las vestiduras por no doblarlas al español: Si tanto defendéis la lengua de Cervantes, podríais empezar por defender que los niños puedan ser educados en la lengua española como lengua vehicular, porque en algunas comunidades autónomas desleales a España, el castellano es un idioma proscrito, que prohíben hablar y educar. Imponiendo la lengua regional obligatoriamente, además de adoctrinar la educación en beneficio de intereses políticos bastardos que crearán en el futuro unos analfabetos integrales al no conocer perfectamente, una de las lenguas más importantes del mundo.

Un merecido tributo al mundo de las letras y sus destacados protagonistas en la América de la Depresión con tres de sus grandes y reconocidos escritores, promovidos y catapultados desde una editorial dirigida por Max Perkins al que se le rinde homenaje biográfico (un sobrio y convincente trabajo de Colin Firth). Hombre amante de su labor, descubridor de talentos, conocedor del gusto de sus lectores o clientes, ponderado pero con un gran instinto literario e ínfulas de psicología. Una cinta interesante para amantes del cine clásico e inquietudes por la naturaleza humana. Hubo un tiempo en que los lectores se hacían preguntas y buscaban respuestas en la lectura y el conocimiento de nuevas ideas. el film transmite la pasión de unos hombres por su trabajo, la literatura.

Destaca la ambición irrefrenable por escribir del principiante, la pasión por la aventura del triunfador y el miedo al fracaso del escritor en crisis de ideas, a través de las experiencias de tres de sus genios: Tom Wolfe (Jude Law, algo histriónico), Ernst Hemingay (Dominic West) y Scott Fitzgerald (Guy Pierce). El hecho de que no haya tenido repercusión pese a su magistral casting (incluyendo a Nicole Kidman y Laura Linney), buena ambientación, excelente música de jazz, además de un sólido argumento, se debe principalmente a que es una película anacrónica para los tiempos que corren. Como las máquinas de escribir y las mecanógrafas que reproducían los manuscritos originales, en realidad recrea un mundo que ha desaparecido como el estilo estético del cine que lo ilustra.

Todos sabemos cómo es el cine de hoy en día, mucha acción brutal, efectos especiales despampanantes, superhéroes infalibles y explosiones a granel. Historias contadas con urgencia y ritmo franético, montaje sincopado, todo con una estética de videoclip impactante y sobre todo, mucho ruido. Todo lo demás es despreciado generalmente como cine lento, pedante, antiguo, aburrido o decadente, no hay tiempo para pensar, tienes que sentir las vibraciones, la adrenalina y la euforia.

Una nueva era de un incierto futuro se ha consolidado, donde todo es desechable y provisional, vivimos en casas más grandes pero con familias muy pequeñas, más comodidades pero menos tiempo, más oportunidades pero menos sentido común, más conocimientos pero menos juicio, tenemos más medicinas pero menos salud, nos enfadamos rápidamente, reímos muy poco, vemos demasiada televisión, cometemos faltas de ortografía porque no leemos, ocupados con las redes sociales apenas reflexionamos, hemos ampliado nuestras posesiones pero hemos reducido nuestros valores, hablamos demasiado, amamos muy poco y mentimos con demasiada frecuencia, tenemos mucha información pero poca comunicación, viajamos mucho pero nos cuesta saludar al vecino.

Por todo ello voy a recomendar esta historia de amistad, donde se impone el talento a la zafiedad, la tolerancia a la intransigencia, se trata de una película humanista, porque de humanos es errar y de sabios es rectificar. Nunca has que tener miedo a pedir perdón, al contrario de sentirte humillado demuestra tu valor.

Volver a revisar esta emocionante y emotiva película, coincide con la salida actual de los marines de Afganistán, cuando intentaban derrotar al terrorismo yihadista, como les sucedió en 1976 en Vietnam, intentando derrotar al comunismo. La historia se repite, el país de las barras y estrellas, hegemónico y sólido durante más de un siglo, lideró valores como la libertad, la democracia y la economía liberal, así como poderío militar e influencia política. La decadencia es un tiempo que llega inexorablemente a cualquier imperio, por unas u otras circunstancias, generalmente por desconfianza y traición a los nobles valores que lo hicieron crecer. Y parecen olvidar con frecuencia que la guerra siempre es cruel y despiadada.

Los Oscar del año 1989 le concedieron dos trofeos a este film, Director y Montaje, los académicos se mostraron complacientes premiando una amable "Paseando a Miss Daisy" como mejor film, sin duda les pareció muy osado en su realismo y crueldad, sin concesiones y cierto tufillo de izquierdas, muy desagradable para el conservadurismo de la época. El film, duro y sin concesiones, muestra lo siniestro y lo sórdido, la inutilidad de la guerra, tantos muertos para nada, el desdén de la sociedad civil hacia sus veteranos que habían arriesgado sus vidas sirviendo a su país, otro aspecto básico es el comportamiento político de sus ineptos gobernantes. Es importante recordar que muchos jóvenes sin nivel académico y profesional, buscaban entrar como voluntarios a fin de encontrar una salida profesional en el ejército, de ahí que encontramos hispanos, negros y blancos de bajo nivel social.

Excelente producción que no ha perdido un ápice de fuerza y valor artístico, la estupenda fotografía que expresa las situaciones morales y personales desatadas por la guerra y sus consecuencias, las canciones de la época donde destaca “American pie “de Don McLean, y esa música original de John Williams que es como un lamento de dolor, un adagio para cuerdas en memoria de las víctimas. Se mantiene como una denuncia y un triunfo para los que fueron manipulados por falsas promesas e intereses espurios, donde no se salvan ni republicanos ni demócratas, ambos partidos responsables. Kovic sufre un calvario físico y un descenso a los infiernos angustiado en su alma, por una culpa que le atormenta y desea confesar. Una historia emocional como bien afirmaba Oliver Stone, ex marine que sabía algo del tema.
Continua en zona spoiler para evitar destripar la peli.