Presa fácil de acusaciones de sensiblería y de caer en lugares comunes del cine 'indie' norteamericano, 'Grace is gone', es sin embargo una estimable 'road movie' que indaga con sensibilidad, pero sin caer en el abismo de lo excesivo, en la aceptación de la pérdida de un ser querido.

Puede pecar de previsible y abusar de tópicos del género (el uso del paisaje o el encuentro con personajes peculiares) pero por el camino deja escenas tan estremecedoras como la del padre hablandole a la grabación del contestador que dejó su esposa muerta en combate en Irak, o el estallido de ira ante la provocación de su hermano. Y hay también momentos de gozoso humor (la escena del cigarrillo). Y hay dos revelaciones en forma de asombrosas actrices infantiles. Y una estimable música de Clint eastwood cuyo minimalismo le va al relato como anillo al dedo.

Pero por encima de todo, la película pertenece a un inconmensurable John Cusack que realiza una interpretación de las que marcan una carrera, dando vida a un padre que, confundido por el dolor y el sentimiento de culpa, no encuentra el modo de decir a sus hijas que su madre ha muerto.

La admiración de Garci por los clásicos del cine americano, le ha llevado a insistir en una narrativa anquilosada en los mecanismos propios de una época en la que Hollywood se teñía de dorado y no del azul de las pantallas de efectos visuales. Nada tiene de malo inspirarse en los clásicos o huir de vanguardismos para contar una historia -ahí está Clint Eastwood-, el problema es que sin querer, Garci en aras de un clasicismo mal digerido, reviste su cine de un manierismo formal tan molesto como el de cualquier 'modernillo' entregado al cyber-punk.

Esto no ha impedido al director, conseguir momentos de lucidez en su filmografía, por ejemplo en el retrato de pequeños microcosmos rurales ha dado al espectador una oportunidad para, a cambio de tolerar una excesiva querencia por lo contemplativo y una molesta retórica visual
-la fotografía de Raúl Cubero es excelente así como los decorados de Gil Parrondo, pero el
(ab)uso que de ellos hace el director roza a menudo la cursilería-, hallar destellos de auténtica vida a través de historias en apariencia mínimas y localistas, pero al final tan universales y entrañables, como las de 'El Abuelo' o 'You´re the one'.

´Luz de domingo´ supone su regreso a escenarios asturianos y entornos rurales tras el parentesis de la fallida Tiovivo c.1950, y la aplaudida Ninette. Si en esta última Garci sacaba buen provecho del texto de Mihura, y en ´El Abuelo´ adaptaba con éxito a Galdós, su nuevo filme se apoya en una obra de Pérez de Ayala, ambientada en la España caciquil de 1911, y el material parece propicio para dar rienda suelta a su cine hecho de tiempos muertos y sus personajes íntegros (aquí Alfredo Landa dando vida a un emigrante retornado de América y Álex González que interpreta a su modélico yerno) enfrentados a las injusticias sociales de una época, (encarnadas en este caso en el personaje de Carlos Larrañaga, el alcalde del pueblo en el que transcurre la acción).

El filme discurre durante su inicio por territorio de sobra conocido para el seguidor de Garci: ritmo parsimonioso, paisajes de ensueño de la costa asturiana explotados hasta el hastío, ingenuidad de los encuentros amorosos, el trazo grueso de los personajes que ejercen de 'villanos' y el encanto de unos secundarios entrañables, que también son marca de la casa. La sorpresa llega pasada la mitad del metraje, cuando el melodrama se torna tragedia y el conflicto adquiere un tono mucho más grave y explícito de lo habitual en el realizador. Viendo el devenir de los acontecimientos a partir de ese estallido de violencia, retratado con una crudeza inédita en Garci desde 'El Crack', surge el espejismo de poder estar ante una recuperación de la áspera tragedia rural de 'Los Santos Inocentes', pero hay una enorme distancia entre ambas historias y está nada menos que en el aspecto moral. (*)

'Mystic River' es como las cebollas. ¿Apesta? No, tiene capas. En la más superficial se vislumbra una atractiva intriga policiaca sobre la investigación de un brutal crimen en Boston, terreno que Eastwood maneja con destreza en obras menores como Deuda de Sangre. Bajo ese barniz de thriller, el guión de Bryan Helgeland (y la novela de Dennis Lehane) indagan en lo que hay detrás de una investigación policial: lo que sufre la familia de la víctima, la implicación personal de un detective, la presión a la que es sometido el principal sospechoso.

Y si aún rascamos más la superficie encontraremos reflexiones sobre la emergencia del pasado y empezamos a vislumbrar dilemas morales que confrontan la lealtad a la justicia. Hay quien acusa a 'Mystic River' de dudosa moralidad, pero Eastwood es lo suficientemente inteligente para dejarnos decidir, para que nosotros juzguemos ese cruce de miradas y gestos de Sean Penn y Kevin Bacon en la secuencia final, que no es casual que se desarrolle en un desfile del 4 de julio... y en un país en el que desde su fundación la violencia se subsana con más violencia.

Lo que hace verdaderamente grande a 'Mystic River' es que funciona en todos esos niveles, además de estar interpretada con brillantez (el dolor y rabia que transmite Sean Penn, el desencanto de Kevin Bacon, el lúcido desequilibrio de Tim Robbins, el miedo de Marcia Gay Harden, el egoísmo de Lauran Linney, el escepticismo de Laurence Fishburne) y dirigida con maestría, con sutileza (es sublime el desasosiego que crea de manera tan sutil en la primera secuencia hasta que el joven Dave es obligado a subir al coche, o el clímax en el que narra simultáneamente la equivocada venganza de Sean Penn y la auténtica resolución del caso).

Por su calidad cinematográfica y su complejidad conceptual 'Mystic River' es una obra maestra.

Shane Meadows director de la aclamada "This is England" firma una película de apenas hora y cuarto, sobre dos adolescentes compartiendo tiempos muertos en un distrito de la zona norte de Londres conocido como "Sommers Town". Con estos mimbres tan finos, Meadows logra una de las películas más conmovedoras y recomendables que he visto en los últimos meses.

Película fresca, divertida y entrañable como la relación la que se establece entre sus protagonistas: Tommo y Marek, un bala perdida que ha escapado de casa y un inmigrante polaco que vive con su padre en una casa cercana a la estación de King´s Cross, en cuyos alrededores estos dos críos comparten pillerías, trabajos para ganarse unas libras, sueños e ilusiones retratados en un precioso blanco y negro que le viene como anillo al dedo al entorno gris del barrio obrero en el que pasan el verano, y que sólo cede el paso al color en su deliciosamente ingenua y onírica secuencia final.

El director de la estupenda "AzulOscuroCasiNegro" estrena una de esas películas contradictoriamente llamadas 'comedias dramáticas' y precisamente de las contradicciones, de las máscaras que ocultan la verdad para sostener nuestras vidas en un frágil equilibrio siempre al borde de venirse abajo, de los prejuicios y las falsas apariencias tiene mucho que contar esta buena película española.

Más allá de su muy efectivo humor que oscila entre el trazo grueso (nunca mejor dicho), la negrura al límite y la fina ironía inteligente, la película destaca por la intensidad dramática que se oculta bajo la aparente ligereza de la propuesta y de sus historias cruzadas protagonizadas por personajes pluridimensionales, complejos, de cuyas miserias el espectador se acaba encariñando, además de por la contrastada destreza narrativa del director (que experimenta formalmente de forma efectiva buscando encuadres fuera de lo obvio y arriesgados juegos con el montaje) y su habilidad para pasar de la comedia bufa, al melodrama cuasi-existencial sin que el conjunto chirríe.

Parece claro el referente de 'Magnolia' (Paul Thomas Anderson, 1999) pero a Sánchez-Arévalo el cinismo de la propuesta se le va desinflando por el camino (largo quizá, aunque nunca deja de entretener sí que roza a veces la reiteración) para en el último acto acabar cediendo a cierto ternurismo en un final redentor, que también tenía 'Magnolia' pero de forma mucho más sutil.

Pese a todo 'Gordos' es una película de lo más estimulante dentro del cine español, una apuesta arriesgada por trascender el humor hueco que alguno podría temer viendo la promoción de la película ('¿una patatita?') para finalmente conformar una estimulante introspección en los mecanismos de defensa frente a la frustración y la infelicidad. Todo apoyado por un reparto magnífico donde junto al brillante trabajo de composición de Antonio de la Torre que complementa a la perfección Pilar Castro, brillan la debutante Leticia Herrero, el 'actor-fetiche' del director Raúl Arévalo, el muy sobrio Roberto Enríquez (cuya historia es la que mejor funciona) y ¡sorpresa! una estupenda Verónica Sánchez.