Es posible que desde la mona Chita no haya sentido tanto afecto y respeto por un primate como lo he sentido por César, un simio con la capacidad de raciocinio de Einstein y los dotes de mando del General Lancaster.

Recuerdo que el primer visionado de "El planeta de los simios", la versión protagonizada por Heston, no me impacto lo suficiente como para considerarla digna de elogios; con un argumento algo desestructurado adornado con un final impactante abierto a secuelas.

Lo cierto es que en esta precuela existen a mi modo de ver dos puntos fundamentales para su elogio. En primer lugar su guión, que da buena cuenta del origen de aquel planeta de los simios que pudimos ver el milenio pasado. El segundo tiene que ver con la estética del simio, puesto que en la película de 1968 poco tienen que ver los primates a los que estamos acostumbrados, además, de que en esta precuela se suman más especies como orangutanes o gorilas.

Para mi lo más destacable es la implicación a la que se ve obligada el espectador, en tanto en cuanto apela a nuestra humanidad, véase en todos los sentidos, para hacernos sentir culpables y partícipes de que la revolución de los simios tenga lugar, asimismo afloran ansias de protección en contra de aquellos que usan a ciertos animales como meros instrumentos para llegar a un fin global de lucha contra enfermedades.
También destaca la acción tanto como el drama, con escenas emotivas mezcladas con grandes escenas de persecución.

En resumen, vale mucho la pena esta precuela que permite darle más sentido a la primera obra cinematográfica. También con interpretaciones a muy buen nivel con nuevas y viejas estrellas, y sobre todo una historia muy bien trenzada y servida en su punto. Cuidado que ya está en marcha la secuela de la precuela.

PS. Si tienes mascota, es muy posible que al final de la película la mires con otros ojos...inquietante.

En las calles de cada ciudad del mundo viven indigentes, marginados, gente sola y sin hogar, vagabundos y almas errantes de esquina en esquina que se ahogan en el alcohol barato y sobre la mugre acartonada...o al menos eso es con lo que me quedo yo en la mayoría de ocasiones tras echar un furtivo vistazo. La animación de Satoshi Kon nos permite alcanzar a ver otra perspectiva de ese mundo que está tan cerca y tan lejos a la vez, una mirada a las personas más allá de su condición pero sin olvidar que ese escenario lo condiciona todo de uno u otro modo.

La Navidad es una fiesta que a medida que crecemos pierde en muchos casos su valor por cuestiones que a mi me parecen retorcidas. Nos obligamos a pasar la Navidad como un período para estar con la familia y las connotaciones y costumbres religiosas más proclives a la alegría acaban por ser un caldo de cultivo para la tristeza, el desarraigo y la melancolía por extrañar toda una serie de cosas que cuando eramos pequeños dábamos por supuestas e inmutables. La película de Kon alude en mayor o menor medida a ese sentimiento navideño desde la cara más amarga, y ya desde un principio queda bastante claro que no nos vamos a encontrar de frente con el espíritu de la fiesta sino con su reverso más oscuro. Y es así, con crudeza y desafiando al espectador, como Kon consigue penetrar nuestras corazas para hacernos ver una realidad que a pocos se nos escapa pero que la mayoría intenta obviar y de la que se derivan ciertas reflexiones que yo resumiría en la siguiente pregunta: ¿porqué no puede ser siempre navidad e intentar tener los propósitos que se tienen todo un año?

Pero la Navidad sólo es el telón de fondo de la relación que se establece entre los protagonistas de la historia, unos protagonistas que dicho sea de paso, representan tres casos particulares y diferenciados por sus personalidades pero con pasados similares, pasados que se van descubriendo de manera inteligente a medida que van desarrollándose los acontecimientos. Nos os los describo porque vale la pena toparse con ellos e ir conociéndolos poco a poco.

Antes de acabar con la crítica de Tokyo Godfathers, una breve mención merece el estilo de los dibujos que escapan al colorido habitual que podemos encontrar en Disney o en los Estudios Ghibli. Son unas animaciones penumbrosas y cercanas a la imagen real, cosa que dota a esta película de mayor adecuación a un público juvenil tirando a adulto, no sólo en cuanto a la historia se refiere sino también al propio dibujo. Os recomiendo a los que no la hayáis visto aun que sin ninguna duda lo hagáis, sobre todo porque cuenta una historia que transmite información valiosa y que lleva a la reflexión mediante una animación poderosamente atractiva e impactante en no pocos fotogramas.

Un saludo.

Esta no es una crítica cualquiera, hoy me pongo ante tí con las manos temblorosas intentando hacer justicia a una de las mayores paridas cinematográficas que ha parido (valga la redundancia) madre. No puedo evitar esbozar una sonrisa entre maliciosa e incontrolable mientras recuerdo con cierto anhelo la primera vez que surfeé con Nick Rivers, la primera vez que compré un artículo de coña, la primera vez que descubrí que con una cuchara se pueden hacer grandes obras (gracias Doctor Flamón), la primera vez de tantas cosas. Me molesta no poder reirme a carcajadas como la primera vez y doy gracias a Dios por poder disfrutarla anualmente un par de veces.

Qué importante me parece que podamos echar la vista atrás y reírnos de nuestra propia humanidad. Top Secret, a parte de por el contexto geográfico, alude a una época y a una manera de ver el mundo que nos produce vergüenza y deshonor. Sin embargo es posible sacarle punta a las cosas y parodiar lo que a veces parece de mal gusto parodiar. Esto viene al caso de que algunas personas critican este tipo de películas por su escaso tacto a la hora de tratar temas como el holocausto o la guerra de Vietnam (véase Hot Shots), aunque siendo justos son más parodias de otras películas, que no de los propios acontecimientos históricos en sí. Sea como fuere me parece de humanos expresar con el humor el horror, puesto que la mayoría de los sucesos más innombrables de la historia parecen sacados de una comedia por lo absurdo que no de un drama.

Son muchas las ocasiones en las que pienso en qué le pasó a Val Kilmer tras rodar Top Secret, parecía como Austin Powers cuando pierde su mojo, ya nunco tuvo ese resplandor ni esa chispa. No son menos las ocasiones en las que me ronda la idea de establecer una nueva casta de motes ocurrentes y mentalmente flexibles como café olé, suffle o croissant. Aspiro con poder comprobar si en los sex shops venden alguna especie de intrusor anal o fue simple ocurrencia de los guionistas. Y finalmente me desespero cuando compruebo que las cintas parideras y de humor absurdo ya no se hacen como las hacían...¡¡¡¿qué os ha pasado Jim Abrahams, David Zucker y Jerry Zucker?!!!

En los días que corren es vital tener herramientas que nos permitan escapar de las rutinas y los malos rollos, herramientas para desconectar y permitirse la carcajada espasmódica y brutal. En esta comedia absurda, que no absurda comedia, se encuentra el santo grial de la juventud eterna, si eres capaz de reírte con ella entonces todavía queda un resquicio de salvación para la humanidad. Si queréis ver al gran ídolo musical Nick Rivers, alter ego de Elvis y mucho mejor interpretado que Jim Morrison en The Doors, si buscáis una peli que provoque el descojone generalizado y sobre todo si no os importa lo que vayan a decir los vecinos introduce el disco en el dvd y disfruta de verdad de la madre de las ocurrencias...pero cuidado...que es Top Secret...sshhhh

Un saludo.

Tras dirigir el documental "Choose or Lose Presents: The Best Place to Start" en 2004, Drew Barrymore se estrenó en la dirección cinematográfica en 2009 (...sí, como lo leen...) con Whip It, una historia sobre el deporte (del que desconocía absolutamente su existencia) denominado Roller Derby, inventado en Estados Unidos se basa en la competición de dos equipos que patinan sobre ruedas en una pista oval y cuyo objetivo es conseguir más puntos que el otro adelantando posiciones mediante el uso generalmente del mamporro, zancadillas, manotazos, etc. Drew Barrymore dirige de manera notable esta cinta en la que el guión de Shauna Cross está perfectamente en sintonía con la fotografía estupenda llevada por Robert Yeoman. Lo que más destaca es su estilo ochentero donde la familiaridad y profundidad de sus personajes permite recorrer todo el film sin aburrir en ningún momento. Aunque el punto fuerte es sin duda el deporte que se nos muestra y que le da ese toque de novedad, la historia no es menos interesante y brillante.

Los personajes podrían ser los de cualquier lugar del mundo y cualquier condición. Es la típica historia (porque en cine ya esta casi todo inventado) repleta de aprendizajes sobre la madurez y la felicidad, sobre encontrarse a uno mismo y escoger, cuando estamos en una encrucijada, hacia dónde dirigirnos. No importa que ya hayamos visto antes el discurso entre padres e hijos, porque de lo que se trata es de que Roller Girls transmite emociones, emociones que se dividen a la perfección con cada capítulo de la historia en la que nos encontramos. En los 111 minutos que dura el film nos permitimos el lujo de reflexionar abiertamente, de vibrar y experimenta subidones de adrenalina, de reír y sonreír y de sentir la pena del que arriesga sin miedo a perder.

El reparto es excepcional en la vertiente femenina, destacando sobremanera Ellen Page , una joven actriz que desde que recuerdo haberla visto en Juno nunca me ha defraudado. También destacable Marcia Gay Harden en el papel de madre. Drew Barrymore también aparece en la cinta encarnando a la jugadora más bestia del equipo de Roller Derby, la verdad es que imagino que en cuanto vio el guión se lo reservaría para ella. Y atención que también esta Juliette Lewis (la incansable) como antagonista, una actuación que ni fu ni fa, aunque el personaje le esta que ni pintado.

A primera vista pueda parecer que Whip It sea un película para tíos, más que nada por eso de que va de un equipo de tías (que no están nada mal), vistiendo uniformes cortitos y dándose de todo menos abrazos y caricias. Y quizás desde otro punto de vista parezca una peli para chicas, por eso de que va de un equipo femenino y de la relación entre una hija y su madre y los devaneos amorosos de la primera. Pues hay que dejar los prejuicios atrás porque no es ni una cosa no la otra. Se trata de una obra muy redonda y perfecta para todos los públicos, con múltiples aspectos que apreciar e no pocas lecciones de las que aprender.

Un saludo.

Hacía una barbaridad de tiempo que no me plantaba delante del televisor y me llevaba la grata sorpresa que me he llevado con Ted. En primer lugar porque Ted había pasado desapercibida al satélite de películas que suelo captar. Y segundo porque nadie me la había recomendado y tampoco es que escuchara grandes críticas. Recuerdo que vi el tráiler y me gustó. Bueno, dejando divagaciones a parte, ¿porqué me ha sorprendido Ted?
Ayer viaje a los ochenta, a aquellas tardes de cine en las que me sentaba ante el televisor y en la sesión de tarde ponían una peli juvenil en TVE1. Esas pelis en las que aparecían unos personajes muy afables a la vez que desdichados, los cuales, tocados por una varita o envueltos en sucesos mágicos inexplicables (ni falta que hacía explicarlos) veían como su vida cambiaba para bien.
Además de viajar a los ochenta, también viaje a los noventa. Por que fue en esa década en la que descubrí mi amor por las películas "parideras", así las he llamado yo desde que tengo memoria. ¡Pero ojo! no se me confundan ustedes, estoy hablando de la parida de calidad, de la que te arranca una carcajada tras otra y que está llena de matices.
Y finalmente, la sorpresa final es caer en la cuenta de cómo Ted, a parte de las dos vertientes que presenta (juvenil y cómico), consigue aplicar la receta de la comedia romántica casi sin darse uno cuenta.

El responsable de todo ello es ni más ni menos que Seth MacFarlane, cocreador de Padre de familia, Padre Made in USA o El Show de Cleveland entre otros. El padre putativo de un tipo de humor extremadamente mordaz y salido de tiesto. MacFarlane dirige aquí una cinta repleta de gags y escenas que mezclan todo lo anteriormente mencionado con una soltura y una agilidad dignas de mención. Y todo ello gracias, desde mi punto de vista, a haber sabido coger las mejores partes de esas películas ochenteras, de la comedia hilarante de los Abrahams y Zucker y de la comedia romántica clásica, básica y eficaz en taquilla.

Mark Wahlberg está fabuloso en su papel y desternillante sus momentos de gags Mila Kunis (Paso de ti, Con derecho a roce,...) cumple su cometido con notable, Seth MacFarlane dobla la voz de un oso que en su versión española realiza Santi Millán (raro ha sido que me haya gustado, yo que siempre crítico este tipo de doblajes), Giovanni Ribisi produce escalofríos metido en un papel hilarantemente desquiciado, incluso las apariciones de Norah Jones y Ryan Reynolds suman otro aliciente para no perderse la película. Y atención al estelar Sam S. Jones, el conocido Flash Gordon de 1980, una subtrama que le pone la guinda a este pastel.

¿Qué más puedo decir? ¡Ah, claro! No puedo acabar sin comentar lo acertado del oso de peluche como principal emisor de humor. Simplemente la imagen de un oso de peluche diciendo las barbaridades que dice vale la pena, es como Stewie en Padre de Familia, esa contradicción es más que atractiva, es adictiva. Si con todo el rollo que os he soltado no tenéis ganas de verla nada más puedo hacer. Los que han caído en la red espero que disfrutéis tanto como yo y al resto otra vez será.

Un saludo.