Trece años después de El octavo día, Jaco Van Dormael trata de explicarnos, en una sola película, que el azar y cada decisión que tomamos crea un mundo completamente distinto.

La propuesta es original, a pesar que podemos encontrar varias similitudes con anteriores películas: La vida en un hilo de Edgar Neville, Providence de Alain Resnais, Dos vidas en un instante de Peter Howitt o Corre Lola corre de Tom Tykwer.

El estilo de Van Dormael, alejado del cine autor europeo y más propio del mainstream americano, consigue que la compleja propuesta sea digerible para cualquier espectador. Aunque narrativamente vaya dando saltos en diferentes líneas temporales, Van Dormael viste todas esas secuencias como si de una película de Robert Zemeckis se tratara. Su admiración por el discípulo aventajado de Spielberg es tal, que no faltan homenajes. Como la canción Mr. Sandman que aparecía en Regreso al futuro o la inclusión de planos calcados a Forrest Gump.

El aspecto visual no es lo único que convierte esta película en algo más accesible. Para clarificar las cosas, desde el inicio se nos esquematiza que mr. Nobody se relacionará con tres chicas. Además, el guión se decanta por una de ellas y utiliza su historia como núcleo principal de la película. La historia de amor adolescente, se nos alterna con dos posibles contrapuntos, dos extremos bien diferenciados de lo que podría haber dado la vida amorosa de mr. Nobody: Una relación de amor incondicional enfrentada a una relación vacía sentimentalmente dentro de una vida aparentemente perfecta.

Si con todo esto, el espectador todavía se pregunta de qué va la película, Van Dormael se encarga de darnos una respuesta final a todo lo que hemos visto. Curiosamente la explicación racional del argumento, se vuelve mucho más inverosímil que cualquier aspecto puramente ci-fi que contiene el film.

El cine de autor complejo nos ha acostumbrado a sentirnos humillados ante la superioridad intelectual de la obra. Van Dormael no nos deja ni fustigarnos con su película para salir del cine y gritar a los cuatro vientos que no somos dignos. Eso se lo dejamos a otros directores como David Lynch, Darren Aronofsky o Albert Serra.

Cada año se cuela una película independiente en la gala de los Oscar (o dos, desde que se nominan 10 películas). Pero habría que matizar esa acepción cuando hablamos de una película protagonizada por Annette Bening, Julianne Moore, Mark Ruffalo y Mia Wasikowska (la reciente Alicia de Tim Burton). No vendrá respaldada por un gran estudio, pero sí tiene el suficiente reclamo para atraer al público general. Por lo que, tranquilos, es una peli protagonizada por lesbianas que podríais recomendar a vuestra madre sin que salga escandalizada del cine.

Más allá de los cuatro retrógradas de Intereconomía, no creo que a nadie escandalice ver una película protagonizada por una familia formada por un matrimonio de dos mujeres con dos hijos nacidos por inseminación artificial. Este es un toque de "modernidad" que toda película indie debe tener.

Cierto que contar con una pareja de lesbianas facilita la introducción de la inseminación y la búsqueda de los hijos por conocer a su padre biológico. Lo curioso es ver como la película hace una defensa moral de la familia a partir de unos elementos tan poco tradicionales. Como, en la reciente (y también nominada) The fighter, también veíamos a una familia poco convencional que también servía del mismo ejemplo.

Parece que los tiempos están cambiando y, hasta los países más tradicionales como los EEUU, se están dando cuenta que los tipos de familia son cada vez más extensos y, si no pueden luchar contra ello, por lo menos intentan encauzarlos en un camino moral.

Curiosamente, y este es el toque pedante de la crítica (que me permito el lujo de añadir, pues Los chicos están bien, también tiene estos toques), recientemente he estado viendo películas de Ernst Lubitsch. Resulta curioso ver películas de los años 30, como Una mujer para dos (Design for living, 1933), con una moral mucho más abierta y avanzada que las pelis actuales. Aunque estas también sean películas recomendables para vuestras madres.

Al entrar en la treintena, se nos empieza a activar el chip nostálgico de nuestra infancia. Por primera vez somos conscientes que la vida no tiene marcha atrás y, a partir de ahora, todo viene cuesta abajo. No queda más remedio que aferrarnos a cualquier recuerdo pasado, que siempre será mejor que un futuro desconocido e incierto. El revival de los 80 está aquí porque es un negocio en momentos de crisis, la nostalgia nos hace vulnerables. Las nuevas ediciones de películas y series de la nombrada década, y los remakes a punta pala son un ejemplo de ello.

Sylvester Stallone, referente del cine de acción de los 80, lleva desde 2006 rescatando a sus dos más lustrados personajes: Rocky Balboa y John Rambo. Dos secuelas tardías, pero con la suficiente distancia para rememorar dignamente desde un nuevo punto de vista al boxeador y al soldado más famoso de la década. Los mercenarios, sigue la estela empezada por estas dos secuelas, ampliando su homenaje a todo el cine de acción lleno de testosterona, músculo, de hombres y para hombres.

Como las películas a las que homenajea, el guión es un mero vehículo por el que van pasando las escenas de acción. Tiros, explosiones, cuchillos voladores, sangre, hostias etc… Los divertidos diálogos son pretendidamente ridículos. La dirección y el montaje es tosco y feo. No importa que una secuencia pise a la otra sin mayor sentido del ritmo, o que las escenas de acción estén montadas a base de múltiples planos cortos que requieren toda la concentración del espectador para entender que está pasando. O que haya subtramas totalmente innecesarias que sólo sirven para enfatizar la superioridad del macho ante su novia. Simplemente lo que queremos ver es a un grupo de actores de acción haciendo lo que mejor saben.

Dentro y fuera de la película, Stallone reúne a las más carismáticas estrellas del cine de acción de las últimas décadas. Dejando para los más jóvenes la mayoría de escenas de lucha cuerpo a cuerpo. Mientras que su personaje queda relegado a una posición de liderazgo que ve como ya no tiene la forma física de sus mejores tiempos.

Por si fuera poco, la película nos regala una escena, llena de diálogos con doble lectura, en la que se reúnen Stallone, Arnold Schwarzenegger y Bruce Willis. Tres de los más grandes héroes de acción de los 80, juntos por primera vez en una película. Sólo esto vale el precio de la entrada para aquellos que andamos en la treintena.

La primera no me gustó cuando fui al estreno. De hecho no pensaba ver ninguna peli más, pero fui al pase de prensa de El príncipe Caspian porque no tenía otra cosa que hacer ese día. Y salí encantado.

Gracias a la seguna peli me empecé a leer las novelas.

Ahora he ido a ver El viajero del alba. La novela me encantó, me pareció ideal para una adaptación al cine de aventuras.

Lo malo de esta tercera peli es su "bajo" presupuesto en comparación con las anteriores entregas. Aunque por otro lado, le da cierto encanto a peli de serie B, o a cine de aventuras de Ray Harryhausen. Pues esta peli tiene todos los ingredientes para ser una versión Simbad el marino, Jasón y los argonautas o Ulises.

Pero, lo peor es su menor duración con respecto a sus predecesoras. Se quiere mostrar todas las islas como en el libro, pero acaban pasando rápido y casi de puntillas. Obviando muchos detalles interesantes. Vamos que 30 o 45 minutos más de peli la hubiesen hecho más completa.

Para mi gusto, mejor que la primera (pero ya digo que no me gustó), pero peor la El príncipe Caspian. Quizás será la que más me gustó porque no me esperaba nada cuando la vi.

Michael Winterbottom es un director difícil de clasificar. Cada película toma un género diferente. Ciencia ficción, drama, documental, experimental, adaptaciones imposibles etc…

El demonio bajo la piel es genuino cine negro, ambientado en los 50, una época en el que todavía el género tenía algo que decir en los EEUU. Pero con la salvedad de estar filmada en 2010, y las sádicas escenas de tortura se muestran explícitamente y no fuera de plano como mandaban los antiguos cánones. Tampoco hay para asustarse, dichas muestras de sadismo y violencia física nada tienen que ver con el torture porn de Saw o similares, a pesar de que se haya querido incidir en ello.

Como toda película de cine negro, la acción suele cambiar dinámicamente entre los diversos escenarios de un mismo lugar. Incluye múltiples referencias a un pasado que el espectador debe ir recolocando como un puzle, al mismo tiempo que se citan un sinfín de nombres yankees que sólo logran que nos perdamos más en su argumento. Salvo que vayamos ataviados de boli y papel, parece imposible seguir el 100% de sus recovecos.